18 beste existentiële films aller tijden

'Existentialisme' is een term die werd bedacht door Europese filosofen uit de late 19e en 20e eeuw die geloofden dat filosofisch denken begint bij het menselijke subject - niet alleen het denkende subject, maar het handelende, voelende, levende menselijke individu. Volgens hen zijn mensen op zoek om erachter te komen wie en wat ze zijn gedurende het hele leven, terwijl ze keuzes maken op basis van hun ervaringen, overtuigingen en kijk. Ja, ik weet dat het ingewikkeld is. Maar simpel gezegd, 'existentialisme' is filosofie die zich bezighoudt met het vinden van het zelf en de zin van het leven door middel van vrije wil, keuze en persoonlijke verantwoordelijkheid.

Hieronder vindt u de lijst met existentiële topfilms ooit waarmee hun makers hebben geprobeerd te begrijpen wat er in deze wereld betekent. In hoeverre vormen onze ervaringen onze overtuigingen? En is het leven echt zinloos? Dit zijn enkele van de vele vragen die deze films stellen. Welke van deze beste verlichtingsfilms is jouw favoriet? Je kunt trouwens enkele van deze beste existentiële films streamen op Netflix, Hulu of Amazon Prime.

18. Birdman (2014)

Barstend en bruisend van rauwe energie speelt ‘Birdman’ rond met de kunst van het maken van films zoals je die kent, en geeft er een nieuwe dimensie aan. Het verrast, daagt en verblindt; soms allemaal tegelijk. Het is gek, opwindend en een ervaring die je naar alle waarschijnlijkheid nooit in bioscopen zou hebben gehad. Een bijtende en duister grappige blik op de instant roemcultuur en beroemdheid in deze tijd van Facebook en Twitter, het bespot degenen die gevangenen zijn van hun eigen imago. Uiteindelijk is het een film over een acteur die door een existentiële crisis gaat.

17. Synecdoche, New York (2007)

‘Synecdoche, New York’ is een moeilijke film om naar te kijken, en zelfs maag. Het is niet iets dat moet worden begrepen; films als deze moeten worden geobserveerd, gevoeld en nagedacht. Intens cerebraal, vaak schokkend, ‘Synecdoche, New York’ zou niet iedereen aanspreken; het is een viering van alles wat een kunstenaar wil zijn, en toch is het uiteindelijk een tragedie, die de keerzijde van artistieke ambitie laat zien, waar het echte het onwerkelijke ontmoet en de artistieke geest in de donkere diepten van onzekerheid en depressie dompelt.

16. Persoon (1966)

Het is moeilijk om een ​​film als ‘Persona’ toe te voegen aan genre-gebaseerde lijsten vanwege de enorme diepten en ambiguïteiten van de thema's die in de film aan de orde komen. ‘Persona’ is een film die openstaat voor talloze interpretaties en die nog steeds veel wordt bediscussieerd, bediscussieerd en geanalyseerd door critici, wetenschappers en cinefielen over de hele wereld. De film vertelt het verhaal van twee vrouwen, een verpleegster en haar stomme patiënt en de griezelige band van hun vreemde persona's. De film verkent de menselijke identiteit, vervaagt en schudt onze percepties van dromen en realiteit, en duikt in de diepste en donkerste aspecten van de complexe menselijke psyche en de bizarre fantasieën die deze omvatten. ‘Persona’ is een diepgaande intieme en persoonlijke ervaring en is een puur stukje filmische poëzie.

15.Taxichauffeur (1976)

‘Taxi Driver’ vertelt het verhaal van een Vietnam-veteraan die emotioneel kapot is gegaan door zijn leven vol eenzaamheid en ellende. ‘Taxi Driver’, een film met veel karakter, bevat een verbazingwekkende acteerprestatie van Robert De Niro die de afdaling van een man in waanzin afbeeldt terwijl we zien dat hij wordt getrokken door de uitersten van de menselijke duisternis. Misschien was Travis Bickle ooit een aardige, charmante man en was het oorlog waardoor hij zich vreemd voelde in een wereld die ooit zijn thuis was. Zijn onvermogen en wanhoop om in contact te komen met mensen en de voortdurende strijd om te passen in een bizarre, grillige wereld vol moorden en misdrijven is een diep, verontrustend donker portret van een menselijke ziel.

14. Lente, zomer, herfst, winter ... en lente (2003)

Aangekondigd als het beste werk uit de stallen van de Zuid-Koreaanse auteur Kim Ki-duk, 'Spring, Summer, Fall, Winter… and Spring' is een verhaal dat het leven vertelt van een boeddhistische monnik terwijl hij door de verschillende stadia van leven. De film kan worden beschouwd als een metafoor voor de voortdurende continuïteit en cyclische aard van het menselijk leven. Onderweg verkent het ook de thema's liefde, opoffering, toewijding, afzondering en trouw. Bekend om zijn weinig dialogen, is de film diep contemplatief van aard en neemt het publiek mee op een serene reis.

13. Het zevende continent (1989)

Michael Haneke's ‘The Seventh Continent’ een horrorfilm noemen, klinkt me heel verkeerd in de oren, maar zo wordt er door de meeste mensen die het hebben gezien naar verwezen. Het is moeilijk om met hen in discussie te gaan, want als je deze film bekijkt, voel je je hopeloos, depressief en bang. Omdat deze klassieker uit 1989 te maken heeft met een gezin dat de wereld en het leven in het algemeen haat, neemt hij een koude en afstandelijke houding aan om de drie spelers verder te isoleren van de rest van de samenleving, waardoor het publiek langzaam maar zeker een diep gevoel voor hen krijgt als hun het bestaan ​​neemt een donkere wending. Haneke's debuutstuk is een van de meest verontrustende films die ooit op het witte doek te zien zijn geweest, en hint de kijker en laat nooit meer los. Als het publiek het een horrorfilm noemt, dan doen ze dat verwijzend naar een enge film die anders is dan alle andere. Bedekt met ambiguïteit en realisme, Het zevende continent is een persoonlijke, intieme en angstaanjagende hervertelling van een waargebeurd verhaal dat je in stilte laat, want gedurende minstens een paar minuten nadat het is afgelopen, kun je geen enkel woord meer uiten.

12. Spirit of the Beehive (1973)

De Spaanse meester Victor Erice maakte slechts drie speelfilms voordat hij met pensioen ging. De films als El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ en vooral Spirit of the Beehive, zijn ondefinieerbare debuut, zijn nog steeds in leven en doen ons allemaal wensen dat hij nog steeds films maakte. Een parabiel verhaal van twee kinderen, waarvan de een zijn bestaan ​​verkent met een onschuldige, vaak verbijsterende fascinatie en de ander geobsedeerd door de film ‘Frankenstein’ die in hun plaatselijke theater speelde. Het mystieke portret van het Spaanse binnenland wordt in verleidelijke ambiguïteit achtergelaten door Erice's karakteristieke neutrale richting - zelden waagt hij zich aan een filmische methode ten gunste van stille observatie. Het resulterende werk is verwarrend, boeiend en zal je doen afvragen wat het intrinsieke raadsel van het leven zelf is: de onbeantwoordbare vragen, de grote mysteries en hun verbijsterende onaantastbaarheid. Om je totaal verwoest of onvergelijkbaar ontroerd achter te laten, lijdt het geen twijfel dat ‘Spirit of the Beehive’ voor beide extreme een belangrijke ervaring zal zijn.

11. Satan Tango (1994)

Ik was gehypnotiseerd door het uitgestrekte, wonderbaarlijke meesterwerk van Béla Tarr toen ik het voor het eerst zag. Zijn pragmatische gevoel voor de echte wereld en zijn geduld zijn de bepalende kwaliteiten. Het observeert meer dan het reflecteert en overweegt meer dan dat het netjes gevormde uitspraken levert. Het mythische, sombere realisme is te mooi om waar te zijn en veel te brutaal om met zo'n oog voor schoonheid te zijn gerealiseerd. Het enige wat ik tegen het einde wilde doen, was al mijn ramen sluiten en mezelf in de duisternis hullen, omdat de film voor mij als die gek in de kerk was geweest en het gejammer ervan te veel zin had gehad. Ik ben opgetogen om te melden dat de scherpzinnige sociale en politieke reflecties van ‘Sátántangó’ duidelijk beginnen te worden aan mij, aangezien ik er herhaaldelijk op ben teruggekomen.

10. La Dolce Vita (1960)

Fellini's voorzichtig, geduldig en poëtisch verzachte virtuoos is volledig te zien in zijn Palme d'Or-winnaar die in zijn soulvolle en schimmige glamour een manier van leven vastlegt die te ongrijpbaar en in sommige opzichten veel te echt lijkt. Zijn tempo onderstreept het gevoel van doelloosheid van de hoofdrolspeler en dwingt ons om te baden in de symfonische ordening van de levendigheid van het leven en hoe vluchtig het allemaal is. Deze hoofdrolspeler wordt gespeeld door Marcello Mastroianni, een beste uit zijn carrière, die dit geschenk van tijd gebruikt om zijn ogen te vullen met een onweerstaanbare wereldvermoeidheid. Door de betekenis in twijfel te trekken van bepaalde delen van ‘La Dolce Vita’ die misschien geen filosofische betekenis of narratieve relevantie hebben, moet je de mogelijkheid afwijzen om de pikante details over je heen te laten spoelen en dan de gevolgen ervan te overdenken. Terwijl de hemelse partituur van Nino Rota ons meeneemt naar de duizelingwekkende wereld van Rome, gezien door Fellini's illusoire oog, zie je alleen wat hij wil dat je ziet en het wordt al snel wat jij ook wilt zien.

9. 8 1/2 (1963)

Door gebruik te maken van de schaduwrijke gravitas van Marcello Mastroianni, kan de pure elektriciteit van Fellini overweldigend zijn. Je houdt vast aan je perceptie van een bepaald moment en herkent de zwoele rijkdom ervan, alleen om te ontdekken dat de filmmaker is overgegaan op een andere fladderende, heerlijk evenwichtige reeks. Zijn ideeën over kunstenaars en hun verbijsterende, belachelijke obsessie met zichzelf lijken misschien gedateerd - of erger nog, irrelevant - maar de brutaliteit van hun constructie en expressie gaat nooit verloren. Het betovert en bedriegt ons, laat ons nooit toe onze ogen eraf te houden en glipt dan door onze vingers als het tot ons doordringt dat we het nooit in onze greep hadden. Fellini verschilt niet veel van de helderziende Maya in de film die lijkt te weten wat iedereen denkt: een vaardigheid die door haar assistent wordt toegeschreven aan telepathie. Wanneer onze hoofdrolspeler, Guido, de assistent vraagt ​​hoe ze het doet, merkt hij ronduit op: 'Het is deels een truc en deels echt. Ik weet het niet, maar het gebeurt. ' Geen woorden zijn zo geschikt om de film mee te beschrijven.

8. The Seventh Seal (1957)

Vanaf de allereerste afbeeldingen van Bergmans iconische document over geloof, angst en tevredenheid, is er een betovering over je uitgesproken. De grimmige, korrelige blik op de zee, de kust en daarop een moedige ridder en zijn noodlottige ontmoeting met de personificatie van de dood bepaalt de helderheid van het doel van de film, ook al laat het ruimte voor een verleidelijke, bijna angstaanjagende dubbelzinnigheid om constant aanwezig te zijn. Profiteren van een magnetische uitvoering van de onvergelijkbare Max von Sydow en een groep acteurs die Bergmans verbazingwekkende materiaal, gebaseerd op zijn toneelstuk 'Wood Painting', tot onverwachte niveaus verheffen, 'The Seventh Seal' in zijn magere 90 minuten heeft de invloed van een oude fabel die van generatie op generatie is doorgegeven en die de verbeelding voortstuwt die veel uitgebreider is dan ze zelf kan hopen te bevatten. Gunnar Fischer's sprankelende, heldere zwart-wit zorgt ervoor dat de schrijnende intensiteit onder onze huid kruipt. De stroomachtige vloeibaarheid is het resultaat van een verhaal dat zich ontvouwt met subliem vertrouwen en een tastbare nuchterheid. Het mag dan een door en door eenvoudig verhaal zijn, dat niettemin waardevolle ideeën in zijn boezem herbergt, maar het is genaaid met een stof die zo ingewikkeld en gedurfd is dat je er steeds weer naar moet kijken om het in een blijvende herinnering te laten vertalen.

7. Stalker (1979)

Door zijn mindere nakomelingen, waaronder de enorm succesvolle televisieserie ‘Westworld’, op afstand te houden, kan de enorme invloed van ‘Stalker’ op het vertellen van visuele verhalen niet genoeg worden benadrukt. Ideeën - filosofische, spirituele en wetenschappelijke - evenals hun behendige, glorieuze filmische verkenning in ‘Stalker’ hebben hun indrukken gevonden op menig sciencefiction die erna komt. Het zijn niet zozeer het zweefvliegen, trance-inducerende en op bepaalde punten, het abstracte tempo of het ontroerende gebruik van monochromatisch sepia buiten de 'Zone' en de afdrukkleuren van de locaties in Estland, die worden weerspiegeld in het werk van filmmakers zoals Terrence Malick en Lav Diaz, om er maar een paar te noemen, maar het aanhoudende geduld en de nederigheid. Tarkovsky geeft de filosofische heerschappij grotendeels aan het publiek en laat de kijkers zoveel ruimte over om de vele metafysische facetten van de film zelf te ontdekken, dat zelfs de ongeëvenaarde letterlijke en visuele poëzie ervan net zo goed een verzinsel van ons als van hem lijkt. en zijn medewerkers '.

6. Apocalypse Now (1979)

Een oorlogsfilm kan overkomen als een onwaarschijnlijke keuze. Maar zoals ik al zei, geweldige films doorbreken de hindernissen van hun genres. ‘Apocalypse Now’ wordt algemeen beschouwd als de grootste oorlogsfilm ooit gemaakt. Maar in de kern is het een film die ook het existentialisme verkent. De reis van kapitein Willard naar een obscuur dorp in Cambodja om een ​​raadselachtige, afvallige legerofficier te vermoorden, dient als een visuele metafoor voor de hartverscheurende reis van een mens naar de afgrond van het bestaan. ‘Apocalypse Now’ gaat over Willards zoektocht naar antwoorden. Met hem op zijn reis stellen we de moraliteit in vraag die gecreëerd is door een beschaafde samenleving die gemaskeerd is door hypocrisie en grootheidswaanzin. Zijn vreemde, mysterieuze fascinatie voor kolonel Kurtz culmineert in zijn ontdekking van de uitersten van oorlog die een man in een onbeschaafd beest kunnen veranderen.

5. The 400 Blows (1959)

François Truffauts ‘The 400 Blows’ is een waar kunstwerk dat voortkomt uit echte pijn. Truffaut, een echt oprecht en zeer persoonlijk werk, droeg de film op aan zijn spirituele vader en de internationaal geprezen filmtheoreticus André Bazin. Duidelijk autobiografisch van aard, Truffauts eigen jeugd was onrustig, en dat wordt heel duidelijk weerspiegeld in de film. Aan de buitenkant gaat de film over jeugd- en jeugdcriminaliteit die vaak wordt gedreven door maatschappelijke en ouderlijke verwaarlozing. Kijk wat dieper, en je zult een film over hoop vinden; hoop dat het zowel intens als therapeutisch is. Antoine Doinel, de hoofdrolspeler, is op de een of andere manier een grimmige weergave van de samenleving zelf, een samenleving die haar eigen fouten verbergt achter regels, straffen en oordelen. De film stroomt als een rivier en neemt het publiek mee op een reis van hoop, wanhoop, empathie en zelfs pure woede. Als je ooit wilde zien hoe een meesterwerk eruitziet, zoek dan niet verder dan ‘The 400 Blows’.

4. Tokyo Story (1953)

‘Tokyo Story’ is waar elke filmmaker naar streeft die een betekenisvol verhaal wil vertellen. Het is duidelijk dat ze allemaal te kort schieten! Er is geen beter voorbeeld van een film die op zo'n eenvoudige maar meesterlijke, effectieve en onvergetelijke manier een episch verhaal weergeeft. Met ‘Tokyo Story’ bereikte Yasujiro Ozu iets dat de droom is van elke levende filmmaker: voor altijd in het hart en de geest van het publiek verblijven. Iedereen die ‘Tokyo Story’ heeft gezien, weet waar ik het over heb. De film vertelt het verhaal van een ouder wordend, traditioneel Japans echtpaar dat hun kinderen in Tokio bezoekt om vervolgens tot het harde besef te komen dat hun kinderen het te druk hebben met hun leven om voor hen te zorgen en enorm ver van hen af ​​zijn gegroeid, cultureel en emotioneel. . Wat ook zo geweldig is aan de film, is het universele thema waar iedereen, overal zich mee kan identificeren. De filmstijl van Ozu zorgt er ook voor dat je wordt verdiept in een verhaal dat diepgaande inzichten biedt in de veranderende menselijke psyche met veranderende tijden. Gewoon briljant!

2. 2001: A Space Odyssey (1968)

Het genie van '2001: A Space Odyssey' ligt in het feit dat de spirituele reis die het ons meeneemt niet instaat voor theïsme of agnosticisme of iets in het bijzonder - het is volledig aan het publiek om te bepalen hoe ze het willen interpreteren. film. Dat varieert van het geloof van een theïst in het bestaan ​​van een altijd zo vriendelijke, liefhebbende God tot het cynisme van een agnost tot de deprimerende zinloosheid van het leven waar een nihilist voor zou kunnen kiezen. Niettemin stelt Kubrick op zijn minst vast hoe onbeduidend we zijn en hoe piepklein onze zogenaamde technologische vooruitgang is! We hebben lichtjaren te gaan voordat we de antwoorden krijgen op een van de existentiële vragen die in onze geest opkomen.

3. The Tree of Life (2011)

Terrence Malick twijfelt nooit aan het bestaan ​​van God in ‘The Tree of Life’. Maar zijn echte gevoel van verwondering komt er niet uit voort; hij verheugt zich eerder in de magie die het leven zelf is. In een tijdperk waarin God een middel is geworden om superioriteit te bewijzen en een excuus om kwaad te doen en zelfs te doden, presenteert ‘The Tree of Life’ een mooie, maar redelijke manier om naar God te kijken. Uiteindelijk is ‘The Tree of Life’ een filmisch gedicht met een buitengewone omvang en ambitie. Het vraagt ​​zijn toehoorders niet alleen om te observeren, maar ook om na te denken en te voelen. In zijn eenvoudigste vorm is ‘The Tree of Life’ een verhaal over de reis om jezelf te vinden. Op zijn meest complexe manier is het een meditatie over het menselijk leven en onze plaats in het grote geheel van dingen. Uiteindelijk zou ‘The Tree of Life’ de manier waarop je naar het leven kijkt, kunnen veranderen - het heeft mij veranderd.

2. Jeanne Dielman, 23, Handelskaai, 1080 Brussel (1975)

Deze Franse avant-garde speelfilm met Delphine Seyrig als titelpersonage is niet zomaar een filmische ervaring. Het lijkt meer op een oefening - een test, en beïnvloedt je op een manier die maar weinig andere films eerder of daarna hebben gedaan. Het onafhankelijke stuk concentreert zich op drie dagen uit het leven van een eenzame, onrustige huisvrouw, terwijl ze haar strikte schema vol met alledaagse huishoudelijke taken doorloopt. Zij is een moeder en een weduwe die 's avonds sekswerk voor heren verricht om zo de kost te verdienen. Er ontstaan ​​problemen wanneer, op de tweede dag, haar routine enigszins wordt verstoord, wat leidt tot een soort domino-effect dat wordt weerspiegeld in de uren die erop volgen. Jeanne Dielman trekt iemand in zijn langzame en meditatieve wereld met Akermans kenmerkende regiehandtekening, met een diegetische atmosfeer, en een hypnotiserende uitstraling die wordt voortgebracht door de kalme, subtiele en geduldige persoonlijkheid van het meesterwerk, dat een pijnlijke viering is van de eentonigheid van het bestaan.

1. Random Balthazar (1966)

Het desolate meesterwerk van Robert Bresson is een oefening in gevoel. Het wijkt af van het definiëren van een duidelijke hoofdrolspeler of een centraal thema, tenzij je de wonderbaarlijke natuurkracht die Balthazar is, meetelt en als je de film op het eerste gezicht neemt, doe je dat niet. Maar als je hem toestaat om je toegangspunt te zijn tot het emotionele en thematische landschap van de film, is het moeilijk om er onbeloond uit terug te keren. Balthazars eigenaardige, slanke en koele visuele stijl lijkt achteraf bijna glamoureus; zijn kalme kwetsbaarheid verpakt in een berustend, buitengewoon wijs gevoel van controle. Zelfs zijn tastbare eerlijkheid verbergt een bestudeerde poging om een ​​beetje in te houden, om in zijn eenvoud van setting en karakter een rijkdom te voeden die aan het publiek is overgelaten om te ontdekken en in sommige adembenemende gevallen, voor te stellen. Het toekennen van betekenis aan elk moment in ‘Balthazar’ hangt niet af van of we aannemen dat de inhoud allegorieën van sociale of zelfs politieke aard is, maar van de manier waarop ze ons voelen door te genieten van hun complexiteit en rust, in plaats van te vertrouwen op de hersenloze expositie waar de meeste films hun toevlucht toe nemen. Het is dan ook volkomen logisch dat de hoofdrolspeler de gelijknamige ezel is.