100 beste films aller tijden

Alejandro Jodorowsky Prullansky, de beroemde Chileens-Franse filmregisseur, dichter, toneelschrijver en componist, zei ooit: 'Ik heb altijd gedacht dat van alle kunsten de film de meest complete kunst is.' Ik ga akkoord. In meer dan één opzicht is cinema eigenlijk een samensmelting van alle andere belangrijke kunstvormen: schilderen, schrijven en muziek. Het kan geen toeval zijn dat cinema ook de modernste kunstvorm is. De evolutie van andere kunstvormen was immers noodzakelijk om cinema te laten ontstaan. Het feit dat het de meest populaire kunstvorm blijft, bijna vanaf het moment dat het tot stand kwam, vertelt je zowel zijn kracht als zijn zwakte: het is gemakkelijk toegankelijk en daarom meer commercialiseerbaar.

Met dat in gedachten, ben ik verheugd om u de lijst van The Cinemaholic’s te presenteren 100 beste films aller tijden . Voordat je verder gaat met het verkennen van onze lijst met top 100 films ooit gemaakt, laten we ons er nogmaals aan herinneren dat lijsten door hun aard nooit perfect zijn. We beweren dus niet dat dit de heilige graal is van de lijst met absoluut beste films ter wereld. Maar wat ik u kan verzekeren, is dat er veel onderzoek is gedaan om deze lijst samen te stellen. Er werden duizenden filmtitels overwogen en elke uiteindelijke keuze werd besproken. Ik weet zeker dat veel van je favoriete films in de lijst ontbreken. Veel van mijn favorieten ontbreken ook! Maar in plaats van er gefrustreerd over te raken, kunt u deze gelegenheid aangrijpen om de films te zien die u niet hebt gezien. Wie weet ontdek je misschien wel je nieuwe favoriet (en)!

100. The Umbrellas of Cherbourg (1964)

Jacques Demy kleurt zijn romantische opera met een milde, buitensporige verfijning die een beetje hipster overkomt. Maar deze kleur is niet alleen de kleur op de muren, de kleding en de paraplu's. Het zit ook op de wangen van een jong meisje dat onmogelijk verliefd is als ze de straat oversteekt om haar geliefde en zijn afwezigheid te begroeten als we dat gezicht in een sluier zien, het jonge meisje nu de bruid van iemand anders. Er zit ook kleur in de manier waarop mensen praten, of beter gezegd, tegen elkaar zingen. Maar hun lyrische gesprekken rijmen niet zoals de meeste liedjes. Als alles, van liefdesberoepen tot bekommernissen over geld, doorspekt is met een niet te onderscheiden passie, zou het je niet veel goed doen om op rijm of rede te gaan vissen. Hoewel de film en al zijn melodische onthullingen, ondersteund door de onaardse muziek van Michel Legrand, hartverscheurend romantisch zijn, zijn alle beslissingen die onze personages nemen, zoals alles in het leven, beslist niet zo.

Voor een plot dat zo saai bekend is en gezien het de basis is van talloze popsongs en soapseries, is elk frame van ‘The Umbrellas of Cherbourg’, barstensvol melancholie, verleidelijk fris, zelfs onbekend. U kunt dat toeschrijven aan hoe oprecht de emoties zijn, en hoe oprecht hun uitdrukking is. De ‘paraplu's’ werken op een zo bescheiden schaal als ze doen en verwoesten je met de kleinste reflecties. Ik was stomverbaasd over hoe groot de impact van twee lege stoelen, ooit gevuld door de twee geliefden, kon zijn. In Demy's liefdevol gemaakte delicatesse marcheren we in kermissen gevuld met linten en confetti, we versieren kerstbomen en geven elkaar cadeautjes, waarbij we al onze gevoelens ergens in de hoeken van ons hart stoppen, want hoe moeilijk iemands afwezigheid ook is om te verdragen of de verleden is vergeten, alles wat we kunnen doen is leven in de fantasie van vandaag.

99. Trainspotting (1996)

Het is een beetje moeilijk om de cinefielen zoals wij uit te leggen over het fanatisme van ‘Trainspotting’. Het kwam rond een tijd dat de realiteit van drugs net begon door te dringen. Je zou zeggen dat het drugsmisbruik verheerlijkte en tot op zekere hoogte is het waar. Het feit dat eruit kwam, was de poging van Danny Boyle om de hoogte- en dieptepunten van drugsmisbruik te laten zien, zonder partij te kiezen. ‘Trainspotting’ is een cultfilm die het verhaal vertelt van vier vrienden en hun rendez-vous met verslaving. Schandalig en bizar zijn de enige twee woorden om het te beschrijven. Een drugsverslaafde die clean wil worden, maar bij elke stap aarzelt vanwege zijn diepste drang om high te worden. Royaal overdosis humor, probeert de film een ​​feit met de grootste ernst te onderstrepen: ondanks de luxe die het leven biedt, ontkent de jeugd ze met veel zelfvertrouwen. En de redenen? Er zijn geen redenen. 'Wie heeft redenen nodig als je heroïne hebt?'

98. The Graduate (1967)

Ah, de dagen van de jeugd! Zorgeloos en vrolijk. Plezier gevuld met niets om je zorgen over te maken. Geen zorg voor het verleden dat is achtergelaten en geen zorgen voor de toekomst, die nog moet komen. Benjamin Braddock leidde dit zorgeloze leven, nadat hij was afgestudeerd aan de universiteit. En toen hij eindelijk terugkwam in zijn geboorteplaats, ontmoette hij daar mevrouw Robinson. De vlam van een affaire begint te branden. Het leven neemt een slinkse wending als de jonge Ben seks verwart met gezelschap. Het wordt op zijn kop als hij voor haar dochter valt. Een tot nadenken stemmende film, in de vorm van een komedie, ‘The Graduate’ is een van de grappigste films ooit. Met Dustin Hoffman in de hoofdrol, met de iconische lijn - ‘Mrs Robinson, probeer je me te verleiden? '

97. The Double Life of Veronique (1991)

Misschien begreep geen enkele andere filmmaker vrouwen zo diep emotioneel als Krzysztof Kieslowski. De man hield gewoon van ze en hij toonde het met zo'n passie en intimiteit dat je niet anders kunt dan je verliefd voelen op de rauwe emotionele kracht ervan. ‘The Double Life of Veronique’ is misschien wel zijn grootste artistieke prestatie. De film gaat over een vrouw die begint te voelen dat ze niet alleen is en dat een deel van haar ergens in de wereld in een andere ziel leeft. Veronique en Weronika zijn de twee identieke vrouwen die elkaar niet kennen en toch een mysterieus intieme emotionele band tussen hen delen. De zeer gestileerde cinematografie van Slawomir Idziak schildert de film met een teder melancholisch gevoel dat je omhult en niet meer loslaat. Er zijn gevoelens en emoties die we moeilijk onder woorden kunnen brengen en de film geeft leven aan die onverklaarbare gevoelens van peinzende droefheid en eenzaamheid. ‘The Double Life of Veronique’ is een verbluffend kunstwerk dat de menselijke ziel in al zijn mooie zwakheden en tederheid uitbeeldt.

96. Cinema Paradiso (1988)

Veel mensen beschouwen cinema als een verwennerij, een vrijetijdsbesteding, een amusement dat geen enkele consequentie heeft in het leven. Maar ik, met een leger van vurige cinefielen om me vurig te steunen, kan met absolute overtuiging zeggen dat cinema net zo noodzakelijk is voor het leven als het leven is voor cinema. En ‘Cinema Paradiso’ is een mooie, zij het ironische, manier om mijn punt duidelijk te maken. De succesvolle filmregisseur Salvatore keert op een dag terug naar huis met het nieuws dat Alfredo is overleden, waarna hij terugflitst naar zijn geboorteplaats in het Sicilië van de jaren vijftig. De jonge en ondeugende Salvatore (bijgenaamd Toto) ontdekt een blijvende liefde voor films die hem naar de dorpsbioscoop Cinema Paradiso lokt, waar Alfredo filmoperateur is. Nadat hij de jongen leuk vond, wordt de oude bub een vaderlijke figuur voor hem, terwijl hij Toto nauwgezet de vaardigheden leert die de springplank zouden zijn voor zijn succes bij het maken van films.

Kijken hoe Toto en Alfredo met eerbied over cinema praten, en Alfredo levensadvies zien geven door middel van klassieke filmcitaten, is puur genieten. Door middel van Toto's coming-of-age-verhaal werpt ‘Cinema Paradiso’ licht op veranderingen in de Italiaanse cinema en het uitsterven van traditionele films, montage en vertoning, terwijl het de droom van een jonge jongen verkent om zijn stadje te verlaten en de wereld buiten te verkennen. Een van de beste ‘films over films’ die er ooit is geweest.

95. One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975)

Een van die zeldzame filmervaringen waardoor je een overvloed aan emoties tegelijk voelt. Het is in delen grappig, bij sommigen opwekkend en bij anderen regelrecht hartverscheurend. Het is ook een van de andere zeldzame wapenfeiten op het gebied van simplistische, effectieve verhalen, het vertellen van Randle McMurphy, een crimineel die in de hoop de gevangenisstraf te ontwijken, doet alsof hij geestelijk ziek is, en pleit niet schuldig op grond van waanzin. Bij aankomst in een psychiatrische inrichting komt hij in opstand tegen de autoritaire verpleegster Rached (gespeeld door een ijzige Louise Fletcher) in een klassiek scenario van orde versus chaos. De film stelt vast dat er inderdaad niemand beter is om karakters met mep en charme in gelijke mate te spelen dan Jack Nicholson zelf, waardoor hij een welverdiende Oscar-overwinning voor zijn optreden in de film opleverde. Wat begint als een blijvende en hartverwarmende film, escaleert tot een tragisch maar hoopvol einde, na verontrustende scènes met zelfmoord en elektroconvulsietherapie bij patiënten. De film laat echter nooit de aandacht van de kijker en pathos voor de personages op het scherm los, en roept oprechte emotie en aanmoediging op voor de menselijke geest die zelfs bij onbeantwoorde autoriteit uitstraalt.

94. Pyaasa (1957)

Doordrenkt van ideeën over sociale verandering en vernietigend commentaar op de bestaande boosaardigheid en stigma's van de samenleving, belichaamde ‘Pyaasa’ niet alleen de gouden eeuw van de Indiase cinema, maar was het ook een weerspiegeling van de Indiase burgerij zelf. Het is een film die een subtiele kwaliteit over zichzelf heeft, waar alle brutale waarheden en harde realiteit van de samenleving onder de oppervlakte sudderen, wachtend om ontdekt en geëxtrapoleerd te worden door het opmerkzame publiek. ‘Pyaasa’ is niet zonder reden een tijdloze klassieker. Zelfs na 60 jaar na zijn vrijlating, blijft het relevant in de moderne tijd, omdat India nog steeds wordt geplaagd door dezelfde maatschappelijke vloeken - corruptie, vrouwenhaat, materialisme - waar ‘Pyaasa’ direct of indirect op ingaat.

93. Modern Times (1936)

‘Modern Times’ is een humoristische film met een krachtige boodschap. Met Chaplin's kenmerkende thema's hoop en armoede, concentreert deze foto zich op de nadelige effecten die machines en andere vormen van technologische vooruitgang hebben op het gewone volk, door een fabrieksarbeider voor het voetlicht te brengen wiens leven door vele wendingen gaat terwijl hij probeert omgaan met de nieuwe wereld. Hoewel de slapstick huilerig grappig is, zit het allemaal in een vat van verdriet. 'Modern Times' gebruikt slimme, subtiele elementen om zo nu en dan belangrijke filosofische vragen te stellen. De climax is een van de meest ontroerende ooit, met een trieste vorm van geluk en geen echt antwoord of oplossing. Deze film is misschien wel het best geschreven werk van Chaplin, en het is verrassend hoe relevant de hier gepresenteerde ideeën zelfs vandaag de dag zijn. Na ongetwijfeld de tand des tijds te hebben doorstaan, is de weg die Modern Times neemt om haar gedachten te delen waarschijnlijk het beste aspect van deze filmische triomf.

92. The Thin Red Line (1998)

Terrence Malick De terugkeer naar het filmmaken na een onderbreking van 20 jaar werd gekenmerkt door dit prachtig verbluffende oorlogsdrama dat niet oorlog, maar de emotie van oorlogsgevechten verkent. De film is echt Malick-iaans van aard met meer nadruk op de beelden dan op het verhaal, waardoor je de ervaring ervan kunt opdoen. Het genie van de film ligt in Malicks visie om schoonheid te zien in zoiets duister en bloederig als oorlog. Er is een absoluut genie voor nodig om zoiets brutaals en bloederigs als oorlog om te zetten in zo'n hypnotiserende ervaring die de realiteit van oorlog overstijgt en je in plaats daarvan de emoties van de personages laat meesleuren. Het is zo'n meeslepende ervaring die je vraagt ​​om de mensen achter wapens en bommen te voelen. Dit zijn verwoeste zielen, net als wij, die verlangen naar een delicate aanraking, de warmte van de adem van hun minnaars en echtgenotes missen terwijl ze te maken hebben met de lelijkste werkelijkheden ver weg van hen. ‘The Thin Red Line’ is simpelweg een ervaring als geen ander; een die moet worden gezien, gevoeld en nagedacht.

91. Blade Runner (1982)

De Final Cut van Ridley Scott’s ‘Blade Runner’ is volgens mij de beste dystopische film ooit gemaakt. Hoewel Metropolis een betwistbare keuze is, moet men de niet-authentieke beelden observeren die verband houden met de Duitse expressionistische cinema. ‘Blade Runner’ daarentegen is meer dan perfect in het opbouwen van een wereld die lijdt onder financiële ongelijkheid, bevolkingsgroei, tekort aan iets natuurlijks omdat zelfs vlees hier niet kan worden vertrouwd. De sprankelende verlichting is contextueel natuurlijk, omdat het een elektronische wereld is en Jordan Cronenweth het op dezelfde manier gebruikt als de alledaagse verlichtende objecten in film noir. Hoewel het misschien niet zo verreikende vragen stelt als ‘A Space Odyssey’, vragen we ons wel af of ‘androïden wel dromen van elektrische schapen’.

90. Fargo (1996)

Gewelddadig, grappig, warm en brutaal intens, ‘Fargo’ is een van de beste Amerikaanse films uit de jaren 90 en een van de grootste misdaaddrama's ooit gemaakt. De film gaat over een man die twee mannen inhuurt om zijn vrouw te ontvoeren en geld af te persen van zijn rijke schoonvader. Het briljante gebruik van donkere humor van Coen Brothers doordringt de film met een sfeer van warmte die de film een ​​heel aparte toon geeft. Het is deze meesterlijke mix van komedie, drama en geweld die ‘Fargo’ zo'n gedenkwaardige filmische ervaring maakt. Dat prachtige openingsshot van een met sneeuw gevuld Minnesota, prachtig aangevuld met een beklijvende score, zet de toon voor de film en creëert een gevoel van diepe droefheid dat schuilgaat onder het geweld en de humor waarmee de film vol zit. Frances McDormand is duidelijk de ster van de film en steelt de show, waarbij ze een zwangere politiechef portretteert die vastzit in een wereld van kwaad en wreedheden, maar erin slaagt licht en hoop te vinden. ‘Fargo’ is een emotioneel rauw, brutaal intens, vertederend grappig en pijnlijk realistisch stukje pure meeslepende cinema.

89. Eraserhead (1977)

‘Eraserhead’ is een leerboek over atmosferische horror. Deze film vertelt het verhaal van een man met vreemd haar die in zijn eentje een soort gezin probeert groot te brengen, en deze film verandert met elke minuut meer in een surrealistische nachtmerrie. Door geluid en close-ups te gebruiken om een ​​gevoel van claustrofobische angst te creëren en dit af te stemmen op een plot dat bij de eerste keer kijken weinig zin heeft, blijkt het debuut van David Lynch een van de allerbeste van de meester-regisseur te zijn, wat op zichzelf veel lof is. Wat ‘Eraserhead’ doet, is een dystopische wereld creëren - bezaaid met lelijke gebouwen en mechanische constructies die zijn ondergedompeld in kwaadaardig zwart-wit - en daarin personages gooien die min of meer in de war zijn door hun omgeving. Hoewel het bijna onmogelijk is om de 'betekenis' van dit plaatje te achterhalen, moet men zich realiseren dat dit nooit de bedoeling is. ‘Eraserhead’ plaatst in de hoofden van zijn publiek een gevoel van volkomen ongemak, met behulp van zowel de visuele als de surrealistische stijl, en vindt een manier om hun gedachten te manipuleren. Slechts een handvol foto's is zo mooi gestructureerd maar onmiskenbaar dreigend als deze, en dat is iets wat alleen iemand als Lynch zou kunnen maken.

88. Boyhood (2014)

‘Boyhood’ is een dierbare herinnering aan de voorbije jaren van ongeremde vreugde, onwankelbaar optimisme en opborrelende onschuld. Het berust op het ontlenen van schoonheid, vreugde en emotie aan het gewone leven van mensen en niet uit enige vorm van drama (brood en boter voor de meeste films). Het is fascinerend om te zien hoe er van scène tot scène niet alleen veranderingen zijn in lichamelijkheid van personages, maar je zult ook de transformatie opmerken in hun mode, kapsel, smaak in muziek en in het algemeen perspectieven op het leven. ‘Boyhood’, op een manier die maar heel weinig films doen, overstijgt de grenzen van cinema en wordt een klein onderdeel van ons eigen bestaan ​​en onze ervaring. Linklater herinnert ons er nogmaals aan waarom hij de beste in het bedrijfsleven is als het gaat om het vertellen van eenvoudige verhalen over gewone mensen.

87. Days of Heaven (1978)

De evolutie van Terrence Malick tot een volledig gecontroleerde, gezaghebbende filmische visionair is een van de grootste dingen die de Amerikaanse cinema ooit is overkomen. Het is duidelijk uit zijn vroege werken dat hij wanhopig was om buiten de conventionele grenzen van de cinema te springen. Films als ‘Badlands’ en ‘Days of Heaven’ hadden schijnbaar rechttoe rechtaan verhalen, maar dit waren films die probeerden iets meer te zijn. Iets meer dan alleen een verhaal. Een ervaring. ‘Days of Heaven’ bereikt dit briljanter dan ‘Badlands’. Veel mensen hebben de film vaak bekritiseerd vanwege de zwakke verhaallijn. Ik zou niet kunnen zeggen dat ze het helemaal bij het verkeerde eind hebben, maar het verhaal is hoe dan ook niet het belangrijkste aspect van een film. Wat Malick hier doet, is de visualiteit van cinema gebruiken, die de nadruk legt op de sfeer van het verhaal in plaats van op het verhaal zelf. Zijn bedoelingen zijn niet om je emotioneel te maken door de benarde situatie van de personages te gebruiken, maar om je ze te laten observeren, de schoonheid van de landschappen en de geur van de plek te laten voelen. En om zo'n soort visceraal ontroerende ervaring te creëren, is niets minder dan een wonder.

86. Grave of the Fireflies (1988)

Een aangrijpende, ontroerende film die in elk aspect dat je kunt bedenken op één lijn ligt, met de andere live-actiefilms die de buit van oorlog belichten. Deze Japanse animatiefilm concentreerde zich op de gruwelen van de Tweede Wereldoorlog door zich te concentreren op het leven van een paar broers en zussen, brak mijn hart op een manier die geen enkele andere film heeft gelukt, en bleef tot het einde op de stukken stampen. Omdat het een oorlogsfilm is, doet het ook wonderen op het menselijk front, waarbij het de tedere relatie tussen Seita en Setsuko prachtig beseft en ontwikkelt in het licht van de tegenspoed die de Tweede Wereldoorlog was. De boodschap is luid en duidelijk. Geen enkele oorlog wordt echt gewonnen, en alle glorie die overwinningen met zich meebrengt, gaat ook gepaard met gejammer van onschuldige levens die in de oorlog zijn vernietigd. Ik zou de film toejuichen omdat ze niet openlijk emotioneel manipulatief was om ons te laten wortelen voor de personages; maar vergis je niet, zijn krachtige en compromisloze standpunt over de oorlog en de travesties die het broer en zus hebben ondergaan, zullen je tot een snikkende puinhoop reduceren. Het is zo triest. Dat gezegd hebbende, er is geen andere manier om het te hebben. Het is perfectie in zijn meest hartverscheurende vorm.

85. Manhattan (1979)

Romantiek in de films van Woody Allen heeft altijd pijnlijk waarheidsgetrouw en deprimerend realistisch gevoeld ondanks het heerlijk aangrijpende gevoel voor humor waarmee hij ze omhult. Terwijl ‘Annie Hall’ zijn meest gewaagde film blijft, komt ‘Manhattan’ er artistiek uit als een meer gerijpt werk. In de film speelt Allen een verveelde, verwarde New Yorker, onlangs gescheiden, dateert met een middelbare scholiere, maar wordt uiteindelijk verliefd op de minnares van zijn beste maatje. Allen heeft de humor voor deze film enigszins afgezwakt om ons echt het verdriet te laten voelen dat zijn personages overspoelt, wat het zo'n emotioneel uitputtende ervaring maakt. Het is gewoon een diep aangrijpend portret van zwakkerende relaties en gebrekkige mensen die worstelen met zichzelf en hun bestaan, wanhopig op zoek naar geluk dat ze nooit zouden herkennen en bereiken. En het is dit zoet delicate, aangrijpende besef van de menselijke conditie dat ‘Manhattan’ zo'n krachtige film maakt.

84. Marketa Lazarova (1967)

Het onlichamelijke droomlandschap van het Tsjechische icoon Franti & Scaron; ek Vláčil, Marketa Lazarová, is simpelweg een van de meest ongelooflijke kunstwerken uit de 20^thEeuw. De avant-gardistische benadering van filmtaal past nauwelijks binnen de grenzen van die vaak vernietigende zinswending, want het is iets meer. Een verbluffende samensmelting van beeld en geluid, ongeketend door conventie, structuur of welke geschreven regel dan ook, losbandige bioscoopgeleerden hebben in de loop der jaren op de filmvorm geslagen. Ter vergelijking: al het andere ziet er zo strak gecontroleerd uit, zo onnatuurlijk en gekunsteld in uitvoering. Marketa Lazarová is rauw, visceraal en verrassend dynamisch. Kortom: het is vrij - een echt hoogtepunt van de mogelijkheden om elk centimeter filmisch medium te verkennen. Daarom behoort het tot de beste films ooit gemaakt.

83.Singin ’In The Rain (1952)

Singin ’In The Rain is de meest bepalende musical uit de Gouden Eeuw van Hollywood. Het is onmogelijk om het beeld van Gene Kelly te vergeten die danst bij de straatlantaarn, als we het hebben over de schitterende momenten in de bioscoop. De film viert niet alleen op een heerlijke manier zijn eigen vaardigheid, maar ook de overgang van cinema van een visueel medium naar een resonerend en stimulerend medium. Een monumentale prestatie in de Technicolor-cinema, Kelly's regie-inspanning werd aanvankelijk op amusante wijze weggegooid door critici en publiek. Ik geloof dat de relevantie van deze klassieker met de dag sterker wordt naarmate de kloof tussen de tijdsperioden die door de film worden gedekt (het echte leven en het leven op de reel) en het heden steeds groter wordt. We verliezen het contact met een belangrijk tijdperk en deze film overspoelt je met zijn nostalgie.

82. Don't Look Now (1973)

Het is erg moeilijk om een ​​beeldend kunstwerk te vinden dat net zo hypnotiserend is als Nicolas Roegs ‘Dont Look Now’. In veel opzichten lijkt dit meesterwerk op de afschuwelijke dwerg aan het einde. Het is prachtig gedrapeerd in extatische kleuren, maar herbergt het ergste deel van het leven: de dood. Hoe effectief het personage van Sutherland ook is, ik geloof dat dit een door emoties aangedreven film is, aangezien Roeg het streven naar verloren liefde boven een sluitend verhaal plaatst. De gotische basis is een zeer krachtig middel om het belang uit te roepen van de banden waarop het vertrouwt, die van vaderlijke en familiale liefde, en ook om een ​​vage vorm te geven aan de geesten die de hoofdpersoon achtervolgen. 'Sommige plaatsen zijn als mensen, andere schijnen en andere niet'.

81. Fight Club (1999)

Af en toe komt er een kunstwerk aan dat de psyche van een generatie definieert. Wat cinema betreft, de jaren 50 hadden ‘Rebel Without A Cause’, de jaren 60 hadden ‘The Graduate’ en de jaren 70 hadden ‘American Graffiti’. En zelfs twee decennia later past ‘Fight Club’ als een speer in het broeierige, ontevreden, anti-establishment-ethos van onze generatie. Zoals zoveel geweldige films, leidt ‘Fight Club’ tot verdeeldheid en kan het filosofisch op veel verschillende manieren worden geïnterpreteerd - sommigen vinden het een definitie van de hedendaagse mannelijkheid, terwijl anderen denken dat het geweld en nihilisme verheerlijkt.

In wezen een thriller, wordt de film verteld vanuit de POV van een naamloze hoofdrolspeler die lijdt aan slapeloosheid en ontevreden is over zijn eentonige baan die het pad kruist met een onstuimige zeepmaker genaamd Tyler Durden. Durden en de hoofdrolspeler beginnen al snel een ondergrondse ‘Fight Club’ als een manier voor ontevreden leden van de samenleving om hun woede te luchten. Maar al snel lopen Tylers plannen en de relaties van de verteller uit zijn hand, wat leidt tot een explosieve climax (letterlijk!)

Samen met de devil-may-care houding die het uitdraagt, is ‘Fight Club’ ook een kenmerk van een bepaalde richting van de hedendaagse legende David Fincher. Het sombere kleurenpalet, de scherpe montage en het strakke camerawerk hebben na de film een ​​horde duistere thrillers geïnspireerd. Een keerpuntfilm uit de jaren negentig.

80. Before Sunset (2004)

Hier is de waarheid over de menselijke evolutie die niemand je zal vertellen: de mensheid zal binnenkort de kunst van het praten verliezen. Technologische vooruitgang heeft een groot neveneffect: mensen raken steeds minder geïnteresseerd in het aangaan van echte gesprekken - omdat ze technologie hebben om zich achter te verschuilen. En dat is precies waarom de Before Series het nog tientallen jaren zal volhouden. Een serie films over twee mensen die een echt gesprek voeren, is zelfs voor deze generatie een zeldzaamheid. In de toekomst zullen dergelijke films helemaal niet meer gemaakt worden. Daarom zullen toekomstige generaties met ontzag en verwondering terugkijken op de Before-trilogie. En het zal me niet verbazen als de trilogie zijn welverdiende plaats niet alleen in de filmgeschiedenis, maar ook in de bibliotheek van elke filmschool vindt.

Van de drie Before-films valt ‘Before Sunset’ op omdat het de meest hartverscheurend mooie is. Een film die inherent gaat over het sterkste menselijke verlangen: het verlangen om bij iemand te zijn met wie je de rest van je leven zou kunnen doorbrengen. Als je goed kijkt, wordt ‘Before Sunset’ uiteindelijk een spiegel, door daarin te kijken, kun je je eigen relaties beoordelen: waar ging het mis? Wie was eigenlijk 'degene' voor jou? Welke kansen heb je gemist? Wat had kunnen zijn? Het is een van de zeldzaamste films waarin uw eigen ervaring in het leven uw ervaring met de film zal verrijken en voeden.

79. The Matrix (1999)

Een ingenieus, slim idee dat door de Wachowski's op het scherm werd weergegeven, resulterend in een film die veel kijkers deed twijfelen aan de realiteit waarin ze zich bevonden. Het is waar, zodra 'The Matrix' was gemaakt, was er geen weg meer terug, het veranderde dingen. De film betekende niet alleen een ietwat nieuwe grond in zijn verhaal, maar bracht ook een revolutie teweeg in de manier waarop sciencefiction- en actiefilms daarna werden bedacht. Het succes van ‘The Matrix’ als film ligt ook in de manier waarop het meesterlijk tussen thema's als filosofie, existentialisme en zelfs religie ploetert, terwijl het ondertussen de gedaante van een actie- en sci-fi-film draagt. Neo's vermogen om de gesimuleerde realiteit te manipuleren om schijnbaar onmogelijke prestaties uit te voeren en het gebruik van 'bullet time', een actietechniek die nu ronduit iconisch is, draagt ​​bij aan de vindingrijkheid van de film. Het genre is nu misschien overvol, maar toen het voor het eerst uitkwam, is het veilig om te zeggen dat het publiek zoiets nog nooit had gezien.

78. Het zevende continent (1989)

Michael Haneke's ‘The Seventh Continent’ een horrorfilm noemen, klinkt me heel verkeerd in de oren, maar zo wordt er door de meeste mensen die het hebben gezien naar verwezen. Het is moeilijk om met hen in discussie te gaan, want als je deze film bekijkt, voel je je hopeloos, depressief en bang. Omdat deze klassieker uit 1989 te maken heeft met een gezin dat de wereld en het leven in het algemeen haat, neemt hij een koude en afstandelijke houding aan om de drie spelers verder te isoleren van de rest van de samenleving, waardoor het publiek langzaam maar zeker een diep gevoel voor hen krijgt als hun het bestaan ​​neemt een donkere wending. Haneke's debuutstuk is een van de meest verontrustende films die ooit op het witte doek te zien zijn geweest, en hint de kijker en laat nooit meer los. Als het publiek het een horrorfilm noemt, dan doen ze dat verwijzend naar een enge film die anders is dan alle andere. Bedekt met ambiguïteit en realisme, Het zevende continent is een persoonlijke, intieme en angstaanjagende hervertelling van een waargebeurd verhaal dat je in stilte laat, want gedurende minstens een paar minuten nadat het is afgelopen, kun je geen enkel woord meer uiten.

77. Zodiac (2007)

‘Zodiac’ is niet uw conventionele thriller; het is traag en concentreert zich meer op stemming en karakters dan op plot. Er is een aura die David Fincher zo sterk opbouwt dat je de sfeer van de film in je botten kunt voelen. Het is geen film die je blij zal maken als hij afloopt. Het is ook een film waarin de slechterik wint, goeden verliezen. En daarom is het zo goed. Niet alleen goed, maar ook een modern meesterwerk. Wanneer een film je tweeënhalf uur lang in trilling brengt en je dagenlang laat nadenken, moet hij veel dingen goed hebben gedaan die de routinematig gemaakte thrillers niet hebben. Naar mijn mening is ‘Zodiac’ Finchers beste film, waarin hij, met zijn discipline en scala aan vaardigheden, laat zien waarom 'less is more' soms.

76. Magnolia (1999)

‘Magnolia’ is ongetwijfeld het meest persoonlijke werk van Paul Thomas Anderson. De hysterische vibe waarmee Anderson de film doordrenkt, geeft het melodrama een zekere emotionele vloeibaarheid die zo ongelooflijk verslavend en catharsis in zijn energie is. De film speelt zich volledig af in de San Fernando Valley met verschillende onderling verbonden personages die verschillende fasen in hun leven doormaken, die worstelen om met hun eigen innerlijke demonen en emotionele conflicten om te gaan. Anderson houdt van deze mensen, hij kent ze en begrijpt ze, maar presenteert ze onbeschaamd wie ze zijn; grimmig naakte mensen, rauw en puur, confronterend en overwinnend hun diepste angsten en zwakheden. Wat ‘Magnolia’ zo speciaal maakt, is dat het een film is die zoveel vertelt over de filmmaker. We krijgen een kijkje in Anderson's leven, de plaats waar hij toe behoort en de mensen in zijn leven. Er is gewoon zoveel van Anderson in de hele film. Een film als ‘Magnolia’ zou, als deze door een andere filmmaker was geregisseerd, gedateerd hebben gevoeld en een soort product van zijn tijd lijken, maar met Anderson draagt ​​het alleen maar bij aan de aantrekkingskracht van de film.

75. Rosemary's Baby (1968)

‘Rosemary’s Baby’ is een duister, verwrongen kunstwerk dat speelt met onschuld om een ​​gevoel van afschuw op te bouwen. Omdat de film te maken heeft met een vrouw die complicaties ervaart tijdens de zwangerschap, slaat de film een ​​geheel nieuwe weg in met zijn plot door rituele elementen een grote rol te laten spelen. Er is zoveel aan deze film om van te houden, beginnend bij de goedgeschreven personages tot de verre broeierige omgeving rond elk incident dat zich voordoet. Er is altijd een gevoel van spanning door de hele foto, en dat is deels te danken aan de stille, slepende cinematografie uitgevoerd in Polanski's strakke regiestijl. Mia Farrow geeft hier een beste carrière als Rosemary Woodhouse, een vrouw die zwakker wordt als ze worstelt met de pijn die gepaard gaat met het dragen van een kind. Over het algemeen wordt de sfeer die door deze film wordt vastgelegd, geëvenaard door enkele anderen, en de manier waarop het in je huid sijpelt, is echt iets anders.

74. The Good, The Bad And The Ugly (1966)

Betoverende personages gespeeld door legendarische acteurs, ongebreidelde, brute schietactie, meeslepende muziek en intense cinematografie - het derde deel van de ‘Dollars’-trilogie, naar verluidt de geboorte van spaghettiwesterns, is toegeeflijke, boeiende en vermakelijke cinema op zijn best. Blondie of geen naam (The Good), een professionele revolverheld en Tuco (The Ugly), een gezochte outlaw, vormen een onwillige trouw wanneer ze elk een belangrijk detail ontdekken over een voorraad goud die verborgen is door een voortvluchtige bondgenoot. die Angel Eyes (The Bad), een huurmoordenaar, is gecontracteerd om te doden. De reis van het trio vormt de crux van een meeslepend plot dat eindigt in een klassieke, westerse blik. Clint Eastwood als Blondie is het beeld van machismo, Lee Van Cleef als Angel Eyes is de kwaadaardige verpersoonlijking en Eli Wallach als Tuco voegt een karaktercomplexiteit van impuls en woede toe aan de eenvoudigere maar meer opzichtige Good Vs Evil-handelingen van de twee grotere sterren. Maar de teugels zijn voor altijd de regisseur in de handen van Sergio Leone - hij gebruikt uitgestrekte lange shots en intense close-up cinematografie om een ​​spanning in het proces te creëren. Een genrebepalende film Quentin Tarantino, een van de grootste exponenten van de moderne western, ooit 'De best geregisseerde film ter wereld' genoemd.

73. De reizende spelers (1975)

Veel te lang was het intieme, subtiel samengestelde epos van Theo Angelopoulos bekend bij weinig filmliefhebbers en misschien zelfs gewaardeerd door nog minder. De statige, geleidelijke bouw van een filmisch monument voor onze esoterische, cryptische relatie met de tijd is begrijpelijkerwijs niet voor iedereen weggelegd. Maar voor de nieuwsgierigen onder ons is het bekend dat het troost biedt, wijsheid verleent en een beleving schenkt die helpt bij het vinden van constanten om aan vast te houden in deze universeel en wreed dynamische wereld. Een van de vele dingen die deze film goed doet, is zijn onberispelijke begrip van de onthullingen in het verhaal van ‘Orestes’. De mythologie die bij de tragische figuur hoort, wordt vastgelegd met een geestdodende nederigheid en toch slaagt de film erin om ons door zijn soepele visie te vervoeren naar een melancholische, slepende kijk op het midden van de 20e eeuw. Zijn tijdelijke elegantie rechtvaardigt het bekijken van de geschiedenis door naast de groep te staan: van buiten naar binnen. Je hebt de neiging om zowel de hardheid ervan te voelen als na te denken over de creatie ervan. Het is een zeldzame antifascistische geschiedenisles omdat het ons nooit vertelt wat we moeten denken. Het laat ons alleen zien wat we moeten voelen. Angelopoulos en cinematograaf Giorgos Arvanitis plaatsen ons op hartverscheurende locaties en wassen ze weg met de verwoestende wreedheid van de periode. ‘The Travelling Players’ is een bescheiden, zeldzaam juweeltje dat aanvoelt alsof het is gered uit met oproer beladen straten en de hongerdood heeft overleefd. In eenvoudiger bewoordingen: we verdienen het niet.

72. Cache (2005)

Michael Haneke wordt er vaak van beschuldigd altijd te handelen in sombere verhalen. Die karakterisering is volkomen oneerlijk, want wat hij in wezen doet, is humane inzichten verschaffen in de duisternis die ons allemaal omhult, hoe onze gebrekkige percepties leiden tot pijnlijke isolatie en hoe onze waanideeën onze kansen verminderen om dat isolement te boven te komen. ‘Caché’ is niet alleen een enorm, verschroeiend document dat wijst op de wreedheid van het bloedbad op de Seine in 1961 en onze onmenselijkheid als samenleving, maar ook een poëtisch universele karakterstudie. Georges, onze hoofdrolspeler, ziet het leven en zijn aanwezigheid als een sociaal wezen met een verwrongen gevoel van vreugde. Hij loopt weg van het comfort van vertrouwen in en communicatie met anderen. Hij geniet van zijn vervreemding, net zoals hij zoveel mensen vervreemdt die hem zo dierbaar zijn. Daarmee bespot Haneke de generatie die met rust gelaten wil worden. Zijn camera is soms ongewoon ver weg, net zoals zovelen van ons zijn in relatie tot onze omgeving. Maar onder zijn controle moeten we onze onfatsoenlijkheid, onze onachtzaamheid, onze realiteit onder ogen zien. Een van de meest uitdagende films die je ooit zult zien.

71. Spirit of the Beehive (1973)

De Spaanse meester Victor Erice maakte slechts drie speelfilms voordat hij met pensioen ging. De films als El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ en vooral Spirit of the Beehive, zijn ondefinieerbare debuut, zijn nog steeds in leven en doen ons allemaal wensen dat hij nog steeds films maakte. Een parabiel verhaal van twee kinderen, waarvan de een zijn bestaan ​​verkent met een onschuldige, vaak verbijsterende fascinatie en de ander geobsedeerd door de film ‘Frankenstein’ die in hun plaatselijke theater speelde. Het mystieke portret van het Spaanse binnenland wordt in verleidelijke ambiguïteit achtergelaten door Erice's karakteristieke neutrale richting - zelden waagt hij zich aan een filmische methode ten gunste van stille observatie. Het resulterende werk is verwarrend, boeiend en zal je doen afvragen wat het intrinsieke raadsel van het leven zelf is: de onbeantwoordbare vragen, de grote mysteries en hun verbijsterende onaantastbaarheid. Om je totaal verwoest of onvergelijkbaar ontroerd achter te laten, lijdt het geen twijfel dat ‘Spirit of the Beehive’ voor beide extreme een belangrijke ervaring zal zijn.

70. All the President’s Men (1976)

Watergate. Een woord dat de gordijnen van het presidentschap van Richard Nixon deed zakken en mensen deed beseffen dat zelfs een persoon met de status van de president zo laag mogelijk kan bukken om zijn dingen voor elkaar te krijgen. Terwijl de trawanten van de president bezig waren met het opruimen van de rommel die hij had gecreëerd, waren er twee verslaggevers die er de geur van kregen. Ondanks dreigende dreigingen werkten ze onvermoeibaar, achtervolgden zelfs de kleinste aanwijzingen en brachten soms gevaar over zichzelf in het proces om de feiten bij de mensen te krijgen. Gebaseerd op het boek met dezelfde naam, geschreven door verslaggevers, Bob Woodward en Carl Bernstein, is ‘All the President’s Men’ een scherpzinnige observatie van wat echte journalistiek zou moeten zijn. Deze film, geregisseerd door Alan J Pakula, werd genomineerd voor acht academieprijzen, won er uiteindelijk drie en verloor incidenteel de beste foto aan ‘Rocky’.

69. Army of Shadows (1969)

Ik denk dat een uitstekend vergelijkingspunt voor nieuwkomers in het werk van Jean-Pierre Melville dat van Stanley Kubrick is. Beiden oefenen extreme technische precisie uit en stralen absoluut vertrouwen uit in elk werk dat ze gedurende lange en creatief lucratieve carrières uitvoeren. Dat gezegd hebbende, een goedkope maar uitdagende klacht die iedereen bij de Amerikaanse regisseur kan indienen, is zijn ‘zielloosheid’. Een vacature van menselijke expressie. Dat is niet het geval bij Melville. In ‘Army of Shadows’ branden de personages van Melville van een bittere, door wanhoop aangewakkerde vonk die elke actie van de mensheid doet overlopen. In de dodelijke wereld van de Wartime Resistance-beweging kan één verkeerde beweging resulteren in totale vernietiging en het is met de eerder genoemde gratie en virtuoze controle over zijn cinema dat Melville de zaden naait van een geheel geloofwaardige, overtuigend dode wereld. ‘Army of Shadows’ is een van de meest stille, intrigerende en monumentale werken die uit de Franse cinema komen - en als je zo'n crimineel over het hoofd gezien klassieker mist, zou je jezelf een ernstige slechte dienst bewijzen.

68. The Shining (1980)

Met zijn bewerking van de Stephen King-klassieker creëerde Stanley Kubrick in 1980 een film die het horrorgenre opnieuw definieerde. Hier is het niet alleen het verhaal of de personages die angst baren. De omgeving en de manier waarop het is gefilmd, helpen wonderwel om geestdodende spanning tot de hoofden van het publiek te laten doordringen. De film volgt Jack Torrence, een nieuw aangestelde conciërge in The Overlook Hotel, en zijn familie terwijl ze een periode van totale isolatie doorbrengen in het mysterieuze gebouw. Door verbluffende uitvoeringen en uitstekend camerawerk zorgt Kubrick ervoor dat de inhoud van de film diep in ons onderbewustzijn zinkt. De manier waarop hij geluid en sfeer manipuleert is absoluut ongelooflijk, en zorgt voor een onvergetelijke en huiveringwekkende tweeënhalf uur. De wereld van ‘The Shining’ is prachtig donker en grijpt je stevig bij de kraag tijdens het hele adembenemende derde bedrijf.

67. Chinatown (1974)

Er is film noir en neo-noir en precies tussen die twee in, zit Jake Gittes, netjes gekleed met een frisse fedora als compliment voor die grijns op zijn gezicht. Hoewel hij een grote bewonderaar van Polanki is, is er altijd iets dat niet past bij het eindproduct van zijn films. Behalve Chinatown. Dit baanbrekende meesterwerk creëerde niet alleen een identiteit voor zichzelf, maar wordt ook altijd bekeken door filmmakers die de stijl lenen om een ​​identiteit voor hun film te creëren. Polanski is een goochelaar op het werk, die ons bedriegt met onderscheidende leads en klassieke noir-pacing en setting. Maar dan komt de laatste act van Chinatown, die zo snel elke conventie die oorspronkelijk aan soortgelijke mysteriefilms was gehecht, zo snel afbreekt, dat je een overweldigend gevoel van shock en wanhoop overhoudt. Het is nog steeds een raadsel dat het niet lukt om Godfather II te verslaan, maar na een halve eeuw zijn de mensen Sicilië vergeten, maar nooit Chinatown.

66. Satan Tango (1994)

Bekentenis nummer één: ik heb het uitgestrekte, wonderbaarlijke meesterwerk van Béla Tarr bijna nooit gezien. Men zou aannemen dat zijn all-time cinefiele favoriete status en de uitstekende reputatie die het heeft opgebouwd in kringen van Amerikaanse kunsthuizen en onder enkele van de meest geïnformeerde filmcritici over de hele wereld me geïntrigeerd zouden hebben. Maar de enorme duur ervan (ongeveer 432 minuten) en het lori-achtige tempo dat ik zo had genoten in Tarrs ‘Werckmeister Harmonies’ leken ontmoedigend. Bekentenis nummer twee: ik zag ‘Sátántangó’ voor het eerst in één keer. Ik werd gehypnotiseerd door zijn pragmatische gevoel voor de echte wereld en zijn geduldige, voorzichtige gevoel voor cinema. Het observeerde meer dan het reflecteerde en overwoog meer dan dat het keurig opgemaakte uitspraken afleverde. Het mythische, sombere realisme was te mooi om waar te zijn en veel te brutaal om met zo'n oog voor schoonheid te zijn gerealiseerd.

Het enige wat ik tegen het einde wilde doen, was al mijn ramen sluiten en mezelf in de duisternis hullen, omdat de film voor mij als die gek in de kerk was geweest en het gejammer ervan te veel zin had gehad. Bekentenis nummer drie: ik ben opgetogen om te melden dat de scherpzinnige sociale en politieke reflecties van ‘Sátántangó's zich duidelijk beginnen te maken naarmate ik er herhaaldelijk op teruggekomen ben. Een zomer doorgebracht met het verslinden van de roman van László Krasznahorkai, die als bronmateriaal voor de film fungeert, was bijzonder gedenkwaardig. Het enige wat ik nu kan doen, is hopen de vruchten te blijven plukken van dit gelukkige ongeluk.

65. The Exorcist (1973)

William Friedkins ‘The Exorcist’ is perfect geregisseerd. De man is berucht om zijn grillige carrièrepad waarin klassiekers met schaamte binnenvallen (en vaak kruisen de twee groepen elkaar voor een aantal fascinerende verkenningen van filmische schaamteloosheid). Met zijn beste film besloot Friedkin een drama op te nemen dat toevallig over demonische bezetenheid ging: pathos naaien voor zijn complexe personages en de tekst van de oorspronkelijke auteur William Peter Blatty's visceraal vertalen, gevangen tussen geloof en verlammende twijfel. Het eindresultaat van twee geweldige artiesten die aan de top van hun spel werkten om een ​​glinsterende klassieker van de Amerikaanse cinema af te leveren: een die bijna elke film in zijn genre overschaduwt (behalve misschien het gewetenloos gruwelijke 'Wake in Fright' of Tobe Hooper's toevallige tour-de -dwingen Het bloedbad van Texas Chainsaw ). Gewoon verbluffend.

64. Suspiria (1977)

'Want in onze dromen betreden we een wereld die helemaal van ons is' - J.K. Rowling. En wat als een van de meest verwrongen geesten van de cinema besloot zijn onderbewustzijn op een stuk film te spuiten? Suspiria van Dario Argento wordt geacht de filmische logica te trotseren met zijn vreemd gestructureerde verhaal. Maar ik geloof dat het een neo-expressionistisch meesterwerk is dat de ware essentie van cinema weergeeft, namelijk ons ​​echt, echt levend laten voelen. Argento begrijpt de waarde van ruimte en toont daarom meer aandacht voor cinematografie en decorontwerp, de dominante bewoners van zijn film. ‘Suspiria’ vertegenwoordigt niet alleen de stijl van Argento, maar de hele Italiaanse horror, een genre dat wordt geprikkeld door de esthetiek van kunst.

63. A Man Escaped (1956)

Onberispelijk nauwkeurig en inspirerend zuinig, de o zo zeldzame roos van Robert Bresson werd geslagen met ‘A Man Escaped’ uit 1956. Het hoogtepunt van de mercuriale krachten van de man als filmmaker volgt de pogingen van de Franse verzetsagent Fontaine om te ontsnappen uit een steeds gevaarlijkere nazi-gevangenis en vindt betekenis in elk frame. Van de verbluffend menselijke vertolking van de hoofdrol door niet-acteur François Letterrier, wiens ingevallen wangen en uitgestraalde ogen zo overtuigend het verpletterende gewicht van het leven in oorlogstijd uitdrukten, tot het minimalisme van Bresson dat erin slaagde een verschroeiende intimiteit tussen het publiek en de wanhopige man te cultiveren : Van frequente POV's en elegante composities die niet teveel aan technieken besteedden, is Bressons omringende werk soms verdronken. Ik zou geen enkel frame weghakken - en daarom dient de film als een absoluut essentiële manier van onderwijs voor beginnende filmmakers: schilder iets zo levendig en dicht zonder dat het ooit aanmatigend aanvoelt.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

In tijden als deze is er geen betere film dan ‘To Kill A Mockingbird’ om de neo-nazi's uit te leggen over de ware betekenis van kaste, geloof en ras. Gelegen in de tijdlijnen van een raciaal verdeeld Amerika, wordt een Afro-Amerikaanse man beschuldigd van het schenden van de bescheidenheid van een blanke vrouw. Op het hoogtepunt van raciale onrechtvaardigheden, wanneer een rechtbank vol blanken om zijn bloed smeekt, komt het erop aan dat één man zijn zaak verdedigt. Een blanke man, genaamd Atticus Finch. Hij vocht dapper om naar voren te brengen dat alle mensen gelijken zijn geschapen in de rechtbank, of het nu gekleurd is of niet. Zijn inspanningen zijn zinloos, aangezien de rechtbank de man schuldig verklaart. Maar wat bij de kijker achterblijft, is de les die Atticus Finch zijn kinderen inprent. Dat wil zeggen: ‘je begrijpt een persoon pas echt als je de dingen vanuit zijn standpunt bekijkt’. ‘To Kill A Mockingbird’ is gebaseerd op de gelijknamige bestseller van Harper Lee en is een van de beste films aller tijden.

61. Achterruit (1957)

Wat een meesterwerkthrillerfilm onderscheidt van het alledaagse rioolwater dat regelmatig op ons wordt gestapeld, is dat in de laatste wendingen in een flits arriveren, meer op onze schok dan op de juistheid van de wending om impact te maken. Maar in films als ‘Rear Window’ blijken kleine dingen duidelijk uit de tijd dat professionele fotograaf L.B. 'Jeff' Jeffries kijkt uit zijn achterruit en hoopt zich druppel voor druppel op tot ze onder water lopen, waardoor de onschuldige Jeff vermoedt dat een man die aan de overkant van de binnenplaats woont, een moord heeft gepleegd. Hitchcock gebruikt zijn camera meesterlijk als het gereedschap van een illusionist om zijn kijkers gespannen, voor de gek gehouden en gissen te houden tot de adembenemende onthulling. Door Jeffs obsessieve stalking van zijn onderwerp, geeft Hitchcock commentaar op de drogredenen van voyeurisme, hoe verleidelijk het kan zijn en de somberheid van een eenzame stedelijke levensstijl die er toe leidt. Nog ongelofelijker is dat het net zo goed een commentaar is op het voyeurisme van de kijker als dat van Jeff; aangezien we gefascineerd zijn door Jeffs fascinatie. Kijken zonder bekeken te worden is een goddeloze vreugde; Hitchcock weet het, bewondert het en haalt ons erbij.

60. 4 maanden 3 weken en 2 dagen (2007)

Sommige films raken je; sommigen maken je aan het lachen; sommigen breken je hart. ‘4 maanden, 3 weken en 2 dagen’ behoren tot een speciale categorie films: films die je angstig en nerveus maken. Zoals je al geraden had, zijn dergelijke films waarschijnlijk de zeldzaamste van zeldzame rassen. De film volgt twee vrienden die proberen een abortus te regelen in het brutale communistische regime van Ceausescu in Roemenië. Visceraal en compromisloos, de film grijpt je bij je nekvel en laat je nooit meer los. Als je naar deze film kijkt, ervaar je het hartverscheurende gevoel dat je krijgt als je zenuwachtig wacht tot een van je dierbaren na een operatie uit een operatiekamer komt. Het is niet alleen realistische cinema op zijn best; het is ook een van de levensveranderende films die je ooit zult zien.

59. Vorig jaar in Marienbad (1961)

Alan Resnais 'film uit 1961' Last Year At Marienbad ' is het dichtst bij het visualiseren van een droom, en het wordt op een zo vreemd mogelijke manier gedaan. De muziek die het grootste deel van de looptijd de achtergrond inneemt, werkt als een kalmerend middel dat het publiek in een slaperige staat brengt. Desondanks is het vrijwel onmogelijk om onze ogen van het scherm af te houden, omdat er zoveel gebeurt op de foto, hoewel er maar weinig wordt getoond. Ik denk graag aan ‘Last Year At Marienbad’ als een film die vanuit het onderbewustzijn wordt voorgesteld, vanwege zijn repetitieve en verwarrende karakter. De personages zijn ook in de war over de bizarre wereld waarin ze zijn gestopt. Het is een volwassen en verfijnd stuk, en ik vind het kernperceel - met betrekking tot een man en zijn relatie met een vreemde vrouw die hij zich duidelijk herinnert dat hij het jaar ervoor ontmoette, hoewel ze zich niet hetzelfde over hem herinnert - erg meeslepend, origineel, gepassioneerd, romantisch, dromerig en natuurlijk briljant.

58. Wilde Aardbeien (1957)

Ooit een roadtrip gemaakt waarbij je niets beters hebt dan uit het raam te kijken? Een bepaalde tijd staar je naar het uitzicht buiten, voordat je gedachten naar binnen stormen en wat er buiten is, is nu slechts een sjabloon - het houdt je aandacht niet meer vast. Dat geldt ook voor Isak Borg, de hoofdrolspeler van Bergmans klassieke stemmingsstuk dat zijn plaats heeft gevonden in talloze lijsten met beste films aller tijden, waaronder een die in 1963 door Stanley Kubrick is samengesteld. Hij reist met zijn schoondochter om het diploma te behalen. van 'Doctor Jubilaris' uit zijn alma mater. Ze mag hem niet en is van plan zijn zoon te verlaten. Maar onze professor, gespeeld door de briljante Victor Sjöström, is niet erg geïnteresseerd in de toekomst. Zijn gedachten en als gevolg daarvan de film, gekatapulteerd door de vele mensen die hij op zijn reis tegenkomt, werpen alleen licht op zijn verleden. Gezien door Bergmans vergevingsgezinde, zelfverzekerde lens, zijn zijn herinneringen eenvoudig, vertrouwd en menselijk. Ze verheerlijken zijn leven niet en verwerpen zijn prestaties niet. Ze zijn rommelig, zoals de meeste van ons, en opzettelijk vervormd. Als hij eindelijk op de plaats aankomt om de eer te krijgen, beseffen we dat hij nooit een beloning nodig had. Hij kreeg het al in die aardbeien die hij verzamelde met zijn jeugdliefde, de koopman die hem herinnerde, de moeilijke relatie met zijn vrouw, het goede en het slechte, het verlossende en het onvergeeflijke. Net als wij, in de vorm van deze mysterieuze, onverklaarbaar bewegende film.

57. De regels van het spel (1939)

De ingenieuze, bijtende komedie van manieren van Jean Renoir houdt het na al die jaren verrassend goed stand, terwijl hij net zo speels en beklijvend blijft als altijd. Het werd op het moment van de release door zowel critici als publiek gemeden, wat ertoe leidde dat Renoir een aanzienlijk deel van de film na de rampzalige première uitsneed - een deel dat vooral het personage van Octave bevatte, die door Renoir zelf werd gespeeld. Niet verwonderlijk is de groei in gestalte sindsdien. De film, in zijn sluwe, gezaghebbende jongleren van personages, thema's, tonen en setting, is altijd uitzinnig vermakelijk, maar nooit minder ijverig of minder weelderig gemaakt dan de beste wereldcinema uit die periode. De nauwgezet gesmede visuals pulseren van verfijning, maar de moeite wordt nooit gezien en de film laat je met open mond verbazen hoe diep je verward was in zijn vakkundig gebouwde atmosfeer. Cinematograaf Jean Bachelet en Renoir spelen met de camera op een manier die de film luchtig maakt, maar hun niet aflatende beheersing maakt het tot een constant intrigerende onderneming. Als dit alles niet voldoende is, moet je weten dat Alain Resnais ooit zei dat de film de meest overweldigende ervaring was die hij ooit in de bioscoop had gehad. Het zou moeilijk zijn om een ​​betere aanbeveling te vinden.

56. The Third Man (1949)

Film-noir is een genre dat wordt geassocieerd met films met weelderige donkere steegjes, geheimzinnige, verleidelijke personages, een gevoel van mysterie en romig zwart-wit om het allemaal te bedekken. Hoewel veel van deze foto's intrigerend zijn en een leuke tijd bieden, proberen maar weinigen iets innovatiefs en anders. The Third Man is een van de grootste film-noir ooit gemaakt, omdat het zijn verbazingwekkende verhaal uitzonderlijk goed vertelt, gebruikmakend van indrukwekkende Nederlandse tilts, opvallend licht en prachtige muziek. De film heeft te maken met een man en zijn zelfgeleide onderzoek naar de moord op zijn financieel welvarende vriend. De plot van De derde man is bekleed met romantiek, donkere humor, wendingen en spanning. In de kern mag de film een ​​zoet liefdesverhaal worden genoemd, maar met al het andere erin gegooid, blijft die verliefdheid twijfelachtig. Het magnum opus van Carol Reed speelt een meesterlijk geschreven scenario en houdt je op het puntje van je stoel, van de bescheiden, luchtige eerste akte tot het einde dat misschien wel de slimste finale is van elke foto die jij ' Ik zal het ooit zien.

55. Cries and Whispers (1972)

Het tragische familiedrama van Ingmar Bergman gaat over een verdriet dat zowel onberispelijk wanhopig als koortsachtig urgent is. Het is niet geduldig scène voor scène opgebouwd en aan het einde op een schaal afgeleverd. Je moet het inademen vanaf het allereerste begin van de film die de hoofdrolspelers en hun verharde, brandbare verdriet introduceert met prachtige close-ups die hun verstikkende ongemak duidelijk maken. Dit alles is bedekt met een meedogenloze overvloed aan rood, in de vorm van de karmozijnrode waarmee de muren van het huis waarin het verhaal zich afspeelt, zijn beschilderd. Bergman maakt ons bewust van de stank van de dood die de vrouwen zo indringend omgeeft dat een daadwerkelijke dood geen reden tot ongerustheid is. Het inherent gewelddadige verlangen van de vrouwen maakte van alles in de film een ​​beklemmende, met bloed doordrenkte herinnering in mijn hoofd. De constant fascinerende beelden van Sven Nykvist worden getemperd door Bergmans subtiele schrijven en de meesterlijk doorleefde uitvoeringen van de acteurs. De lichtgevende Liv Ullman lijkt elke keer dat de camera op haar gericht is, te mystificeren en boeien, terwijl de ongelovige Ingrid Thulin en Harriet Andersson zo onaangetast zijn in hun werk dat het invasief aanvoelt om in contact te komen met hun gevoelens. Bergman geeft ons geen duidelijke ideeën om mee naar huis te nemen, maar ontkent ons alle andere sensaties dan degene die zijn personages ervaren. We vragen ons af hoever zijn toegang tot onze emoties gaat en hij breidt die bij elke stap uit. Uiteindelijk is ‘Cries and Whispers’ niet te geloven, maar te leven.

54. Once Upon A Time In The West (1968)

Misschien is het de beklijvende partituur van Morricone of misschien de visie van Delli Colli die zo groots is als het Westen of misschien het onwankelbare gruis dat bruist in de ogen van Bronson en Fonda en misschien is het het hoogtepunt van al deze aspecten in bijna elk frame door de maestro, Sergio Leone . Als je een western nodig hebt die zowel de schoonheid van John Ford als de meedogenloze wildheid van Sam Peckinpah heeft, dan is er gewoon niemand in de buurt van Leone. In zijn magnum opus bereikt hij wat hem eerder 3 films kostte, om een ​​mystieke wereld in the middle of nowhere te creëren. Hoewel er aan de oppervlakte misschien niets spiritueels is, heeft de film goden. Gods sportieve kronen gevuld met 10 gallons buskruit en gruis dat ze met water inslikken. Ook was de cast van Henry Fonda als antagonist waarschijnlijk de beslissing van dat decennium, aangezien zijn ijsblauwe ogen anders waren dan alles wat het Westen ooit had meegemaakt.

53. Annie Hall (1977)

Niemand kan beweren het verwarrende, allesverslindende raadsel dat liefde is te begrijpen, zoals Woody Allen. En geen enkele Woody Allen-film komt in de buurt om het in zijn oprechte, eigenzinnige glorie te laten zien dan dit verhaal van Alvy Singer, een neurotische, nihilistische komiek in New York die 'meer dan verliefd' wordt op de ditzy, vluchtige, opgewekte Annie Hall, en valt er dan uit. De film onderzoekt ook genderverschillen in seksualiteit door middel van de soort relatie van Alvy en Annie ‘Yin en Yang’. Op het einde accepteert zelfs Alvy liefde als ‘irrationeel en gek en absurd’, maar noodzakelijk in het leven. Het gebruik van meerdere innovatieve verteltechnieken, zoals het spontaan doorbreken van de vierde muur, snelle afwisseling van heden en verleden door middel van vloeiende sneden, in ondertitels laten zien hoe Alvy of Annie zich voelen terwijl ze daadwerkelijk iets totaal anders spreken, en de toevoeging van een ' verhaal in een verhaal 'als climax, verhef het toch al boeiende verhaal. ‘Annie Hall’ is waarschijnlijk de eerste echt modernistische romance op celluloid en heeft in plaats daarvan een generatie romantische komedies geïnspireerd. Geen enkele is echter zo charmant als degene die ze proberen te imiteren.

52.M (1931)

De opkomst van spraakopnametechnologie, een fenomeen waarvoor de masthead de ‘The Jazz Singer’ uit 1927 was, leidde tot een absurde verzadiging van dialogen in films. De technologie werd als vanzelfsprekend beschouwd als een directe upgrade, in plaats van als een hulpmiddel dat in combinatie met de gevestigde filmtaal moest worden gebruikt. Fritz Lang, een man die zijn carrière in de stille cinema begon met een reeks meesterlijke werken, waaronder Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen en het uitzonderlijke Metropolis. Zijn migratie naar geluid bereikte zijn hoogtepunt in de ‘M’ uit 1931 - een film die in tegenstelling tot alle omringende bronnen bijna al het omgevingsgeluid had weggenomen. Het resultaat is een stille talkie met een overweldigend levenloze sfeer: een die het verhaal zo effectief ondersteunt. Het verhaal in kwestie slaat op een kindermoordenaar en de incompetentie van het Duitse bestuur om hem te betrappen - het vormen van hun eigen kangoeroe-rechtbank om de moordenaar te straffen. Wat Lang hier communiceert, is van een ongelooflijke volwassenheid in de boodschap: de gerechtigheid die het verdient om gediend te worden volkomen ondermijnd door de politieke context van die tijd - met het vastgelegde beleid van euthanasie van de Nationaal-Socialistische Partij en steeds gewelddadiger idealen die zich manifesteren als een kwaadaardige tumor op de beschuldigingen van het volk . De prestatie van Peter Lorre, rijk aan pathos en gekweld humanisme, helpt het diepe bedrog van 'M' te huisvesten - een die zelfs tot op de dag van vandaag onmetelijk ontroerende is.

51. 12 Angry Men (1957)

Het antwoord of de jongen schuldig was of niet, zullen we nooit weten. Maar één ding dat 12 Angry Men wel bevestigt, is dat logica altijd zal prevaleren boven intuïtie, als er één gezond mens is te midden van een wereld van dwazen. En is dwaasheid een ziekte of slechts een bijproduct van onwetendheid? Het drama van Sidney Lumet vraagt ​​je niet om je hersens boven het hart te gebruiken, maar streeft ernaar een punt te bereiken waarop je een beslissing kunt nemen, waarbij beide samenwerken. Samen met het meeslepende scenario, dat trots in het curriculum van elke filmschool over de hele wereld staat, zijn het camerawerk en de enscenering rechtstreeks uit een Japanse New Wave-klassieker. Met een onvergetelijke uitvoering van de cast van het ensemble, is 12 Angry Men een monument van de Amerikaanse cinema.

50. City Lights (1931)

Niet veel vroege filmmakers hebben de erkenning en populariteit in de hedendaagse cultuur die Chaplin geniet. Dit kan verschillende redenen hebben. Zijn films spreken iedereen aan en zijn hartverscheurend hilarisch, maar meer dan dat kijken zijn verhalen naar melancholische situaties in een humoristisch licht. Dat is het geval met wat waarschijnlijk zijn meest persoonlijke foto is, ‘City Lights’, die het verhaal vertelt van een zwerver en zijn pogingen om zowel indruk te maken als een arme blinde bloemenmeisje te helpen. Hij doet dat onder een façade, doet alsof hij een rijke man is om haar aandacht te trekken, maar komt daarbij in de problemen. Wanneer een film tegenwoordig nog steeds net zo grappig en ontroerend is als meer dan 75 jaar geleden, betekent dat meestal dat er iets goed is. 'City Lights' heeft zijn stempel op de wereld gedrukt met zijn afbeelding van armoede en leven tijdens de zware jaren van de depressie, die zo goed wordt uitgevoerd en het gevoel heeft dat het het publiek nooit in beweging brengt, terwijl het hen tegelijkertijd hoop geeft op een betere morgen.

49. Come & See (1985)

De tweede helft van een ongelooflijk bekwaam filmteam, regisseur Elem Kilmov, was getrouwd met Larisa Shepitko - de lichtgevende virtuoos achter ‘Wings’ en ‘The Ascent’. Toen ze zo verdrietig omkwam bij een auto-ongeluk, voltooide Kilmov het werk aan haar uitzonderlijke onafgemaakte project 'Farewell' (dat gewoon deze plek had kunnen innemen) - en ik denk dat wat al deze context zo krachtig maakt, de manier is waarop het verdriet van de man wegstroomt. elk frame van zijn werk. Kilmovs cinema bruist van onuitgesproken woede en wanhoop: Hulking in zijn eigen overweldigende gewicht van emotie - en maar weinig films ooit gemaakt hebben een zo krachtig gevoel als Kom kijken . De beste oorlogsfilm ooit gemaakt, de helse voorstelling van de Wehrmacht-invasie in Wit-Rusland weerklinkt met oorverdovende explosies, nachtmerrieachtige beelden en een wereld die langzaam van het leven verdwijnt - de scènes zijn opgenomen in een prachtig, hol licht. Maar ondanks al deze angst, vindt Kilmov zijn weg naar begrip in zijn transcendentaal volwassen conclusie. Misschien vindt hij, in zijn toewijding om de vergankelijkheid van het leven te overdenken, eindelijk de kracht om de botten van zijn overleden vrouw te begraven. Men kan alleen maar hopen.

48. The Seventh Seal (1957)

Vanaf de allereerste afbeeldingen van Bergmans iconische document over geloof, angst en tevredenheid, is er een betovering over je uitgesproken. De grimmige, korrelige blik op de zee, de kust en daarop een moedige ridder en zijn noodlottige ontmoeting met de personificatie van de dood bepaalt de helderheid van het doel van de film, ook al laat het ruimte voor een verleidelijke, bijna angstaanjagende dubbelzinnigheid om constant aanwezig te zijn. Profiteren van een magnetische uitvoering van de onvergelijkbare Max von Sydow en een groep acteurs die Bergmans verbazingwekkende materiaal, gebaseerd op zijn toneelstuk 'Wood Painting', tot onverwachte niveaus verheffen, 'The Seventh Seal' in zijn magere 90 minuten heeft de invloed van een oude fabel die van generatie op generatie is doorgegeven en die de verbeelding voortstuwt die veel uitgebreider is dan ze zelf kan hopen te bevatten. Gunnar Fischer's sprankelende, heldere zwart-wit zorgt ervoor dat de schrijnende intensiteit onder onze huid kruipt. De stroomachtige vloeibaarheid is het resultaat van een verhaal dat zich ontvouwt met subliem vertrouwen en een tastbare nuchterheid. Het mag dan een door en door eenvoudig verhaal zijn, dat niettemin waardevolle ideeën in zijn boezem herbergt, maar het is genaaid met een stof die zo ingewikkeld en gedurfd is dat je er steeds weer naar moet kijken om het in een blijvende herinnering te laten vertalen.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellini's voorzichtig, geduldig en poëtisch verzachte virtuoos is volledig te zien in zijn Palme d'Or-winnaar die in zijn soulvolle en schimmige glamour een manier van leven vastlegt die te ongrijpbaar en in sommige opzichten veel te echt lijkt. Zijn tempo onderstreept het gevoel van doelloosheid van de hoofdrolspeler en dwingt ons om te baden in de symfonische ordening van de levendigheid van het leven en hoe vluchtig het allemaal is. Deze hoofdrolspeler wordt gespeeld door Marcello Mastroianni, een beste uit zijn carrière, die dit geschenk van tijd gebruikt om zijn ogen te vullen met een onweerstaanbare wereldvermoeidheid. Door de betekenis in twijfel te trekken van bepaalde delen van ‘La Dolce Vita’ die misschien geen filosofische betekenis of narratieve relevantie hebben, moet je de mogelijkheid afwijzen om de pikante details over je heen te laten spoelen en dan de gevolgen ervan te overdenken. Terwijl de hemelse partituur van Nino Rota ons meeneemt naar de duizelingwekkende wereld van Rome, gezien door Fellini's illusoire oog, zie je alleen wat hij wil dat je ziet en het wordt al snel wat jij ook wilt zien.

46. ​​Psycho (1960)

Mensen kunnen op zijn best worden omschreven als eigenaardigheden. De menselijke geest, die tot veel verbazingwekkende dingen in staat is, is ook in staat zichzelf te degenereren tot boven het bevattingsvermogen. Alfred Hitchcocks ’Psycho’ heeft geen introductie nodig, want het houdt zijn hoofd hoog, temidden van tijdloze bioscopen. Behalve dat het een klassieker is, is het ook een triest commentaar op de falende moraal van mensen. En het is niet Norman Bates hoor! De bijtende greep van mevrouw Bates die het leven van Norman tijdens zijn kindertijd en uiteindelijk volwassenheid in een slop heeft gezet, herinnert ons eraan hoe liefde verstikkend kan zijn. Beroemd is dat de heer Hitchcock een vreemd beleid had aangenomen voor ‘Psycho’, waaronder het niet toelaten van late deelnemers aan de film. Het werd aangenomen om volledige recht te doen aan de pulserende climaxscène van de film. Een thriller in zijn meest ware vorm, ‘Psycho’ is een verhaal over een zoon, zijn moeder en hun ongezonde band van bezitterigheid. Hitchcock werd zo fel bewaakt over de finale, dat hij de film promootte met deze slogan: 'Geef het einde niet weg - het is de enige die we hebben!'

45. Solaris (1972)

Tarkovski's ‘Solaris’ lijkt veel op de verschijnselen die in de film worden afgebeeld. Van het puzzelen met zijn diepgewortelde concept tot het evolueren naar een entiteit waar ik geen afstand van kan doen, het is een ervaring die me doet afvragen wat de onwetendheid is van elk molecuul dat het universum vormt. We zijn ons misschien bewust van de wetenschappelijke dimensies, maar kan elk instrument de hoeveelheid liefde of verdriet berekenen die iemand in een nanogram van het hart vasthoudt? Kan iets de hersencel vinden waar een onvergetelijke herinnering verblijft? Van Bachs betoverende muziek in de openingsscène tot de eeuwige snelwegscène, Tarkovski's gebruik van de tijd om de kijker los te koppelen van het functioneren van een normale wereld is meesterlijk. Solaris is een rijk waar emoties je met waanzin een draai geven, maar wie zou er niet emitteren als waanzin mooi is om aan te raken en visceraal genoeg om je van jezelf te verlossen.

44. Schindler's List (1993)

Een belangrijke film die enorm profiteert van Spielbergs flair voor dramatiek, het is een even verontrustende en gevoelige ervaring op zich. De film is, net als vele anderen op deze lijst, een masterclass in iets dat ik graag simplistische, impactvolle verhalen noem. Het verhaal volgt Oskar Schindler, een Duitse zakenman die het leven van meer dan duizend Joden redde door ze tijdens de Holocaust in zijn fabrieken in dienst te nemen. Alle drie de hoofdrolspelers, Liam Neeson als Oskar Schindler, Ralph Fiennes als Amon Goth en Ben Kingsley als Itzhak Stern, zijn in geweldige vorm en leveren de meest oprechte uitvoeringen op. Een scène in het bijzonder tegen het einde van de film, waarin Schindler het begeeft als je bedenkt hoeveel levens hij had kunnen redden, is diep ontroerend en blijft in mijn hoofd gegrift als een van de krachtigere, hartverscheurende scènes in Cinema. Dat de film is opgenomen in zwart-wit, met zeldzaam af en toe kleurgebruik om een ​​belangrijk element te symboliseren of te benadrukken, verhoogt de beleving. Spielbergs beste film, het blijft zonder meer een essentiële filmervaring.

43. Lawrence Of Arabia (1962)

Cinema als medium wordt steeds grootser. Met de allernieuwste technologie tot hun beschikking, bieden de hedendaagse filmmakers ons een aantal viscerale filmische ervaringen. Maar er zijn enkele films gemaakt voordat CGI in de mode was, waarvan de enorme en monumentale schaal geen gelijke heeft gevonden. Het epische historische drama van David Lean gebaseerd op het leven van T. E. Lawrence , een van de bekendste figuren van Groot-Brittannië, is zo'n film. Het speelt Pater O'Toole als Lawrence en vertelt over zijn avonturen op het Arabische schiereiland tijdens WOI. Vanaf het allereerste begin schetst David Lean een schitterend ontroerend beeld van de oneindige woestijn in al zijn glorie, geholpen door cinematograaf Freddie Young en een aangrijpende partituur van Maurice Jarre. Maar het offert op geen enkele manier emotie op voor extravagantie. In de kern is 'Lawrence of Arabia' een verbluffende karakterstudie van Lawrence - zijn emotionele worsteling met het persoonlijke geweld dat inherent is aan oorlog, zijn eigen identiteit en zijn verdeelde loyaliteit tussen zijn geboorteland Groot-Brittannië en zijn leger en zijn nieuw gevonden kameraden binnen de Arabische woestijnstammen. Deze gezonde kwaliteit maakt ‘Lawrence Of Arabia’ een van de meest invloedrijke films ooit.

42. The Searchers (1956)

Misschien wel de beste western ooit gemaakt, de beste film van John Ford's grote carrière, ‘The Searchers’ is een Amerikaanse klassieker, een van de beste films uit de jaren vijftig. Hoewel hij destijds bewonderd en gerespecteerd werd, werd zijn verscheurende, duizelingwekkende kracht een paar jaar lang niet erkend, maar tegen het begin van de jaren zeventig werd het geprezen als een klassieker van het genre en misschien wel de beste western ooit gemaakt. De tijd heeft zeker een deel van de macht van de film uitgehold, maar niet die torenhoge, razende prestatie van Wayne, noch het racisme in de film dat de woede en woede voedt. Het drijvende verhaal van de film, Ethan en zijn zoektocht, is tijdloos, net zo krachtig als toen, misschien nog wel omdat zoveel van de subtiele verhaalpunten nu duidelijk zijn.

41. Pather Panchali (1955)

De film die de Indiase cinema naar de wereld bracht en de cinema een van de beste auteurs gaf, Satyajit Ray. Gebaseerd op de roman van Bibhutibhusan Bandopadhay, vertelt ‘Pather Panchali’ het verhaal van een verarmd gezin dat probeert te gedijen door vele tegenslagen van het leven. Men kan stellen dat het armoede romantiseert, aangezien de kijker getuige is van de vele beproevingen waarmee het gezin wordt geconfronteerd en waarmee ze in hun levensonderhoud kunnen voorzien. Desondanks zijn het de momenten, afgewisseld met de muziek van maestro Ravi Shankar die bij de kijker blijven. De liefdevolle relatie tussen Appu en haar zus Durga, de treinreeks die een van de hoogtepunten van de film is, tilt de film naar een totaal ander niveau. ‘Pather Panchali’ is in de loop der jaren een van de cultfilms geworden en komt regelmatig voor in de lijsten met beste films aller tijden, en terecht.

40. Casablanca (1942)

De typische Amerikaanse klassieke film. Er is misschien iets zo aanstekelijks aan zijn charme dat je er nog steeds verliefd op wordt, zelfs al die jaren. Afgezien van de immense factor om opnieuw te bekijken, zorgen de gedenkwaardige score (As Time Goes By!) En de buitengewoon aanhaalbare dialoog voor een sterke zaak. Simpel gezegd, het is een feest als alle elementen van een geweldige filmervaring in precies de juiste hoeveelheden aanwezig zijn!

De verhaallijn is op zijn zachtst gezegd eenvoudig, soms bijna banaal. Een cynische man met een gebroken hart die de beroemdste nachtclub van Casablanca runt, staat op een kruispunt wanneer de dame van wie hij houdt, samen met haar man verschijnt. De plotapparaten hier zijn de beroemde doorvoerbrieven, maar het verhaal gaat helemaal over de twee geliefden die zich afspelen tegen de achtergrond van de vroege stadia van de Tweede Wereldoorlog en de moeilijke beslissing van Bogarts personage: vasthouden of loslaten. Echter, zoals bij veel films van dit genre, doet de uitvoering de truc door ‘Casablanca’ te transformeren in een van de meest meeslepende romantische drama's aller tijden die ook ongelooflijk goed wordt geacteerd; Humphrey Bogart en Ingrid Bergman zijn top, en worden bekwaam ondersteund door spelers als Paul Henreid, Claude Rains en Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Als je cinema als een kunstvorm beschouwt, valt de perfectie van Barry Lyndon niet te ontkennen, van prachtige cinematografie, betoverende decorstukken, uitstekende muziek tot krachtige regie. Als verhaal gaat het over het leven van een jonge man in het 18e-eeuwse Europa terwijl hij de trap oploopt naar de aristocratie, om vervolgens door zijn noodlot weer naar beneden te worden geleid. De foto bevat enkele van de beste scènes die ooit zijn gefilmd, waarbij verbluffend gebruik wordt gemaakt van licht, kleuren, fysieke kenmerken, enz. Er is geen betere manier om het leven van een persoon samen te vatten dan er objectief naar te kijken, en dat is wat deze film heeft een onbetrouwbare verteller gebruikt. Het is koud en afstandelijk, waardoor het publiek zelden de kans krijgt om met de hoofdpersoon te voelen. Van dit perspectief, Barry Lyndon is een weelderige karakterstudie, met rijke karakters, een realistische toets en een poëtische manier om emotie over te brengen. Het is gewoon bioscoop op zijn best.

38. De generaal

Een van de oudste titels op de lijst, ‘The General’, herinnert ons eraan dat menig modern actiemasterwerk in een zeer lange schaduw zit van niemand minder dan het stomme komische genie Buster Keaton. Met een oeuvre dat even indrukwekkend is als zelfs Charlie Chaplin, ruilt de sympathieke landloper van laatstgenoemde kunstenaar plaatsen in met een stoet van heerlijk gekke personages in het geval van Keaton; allemaal omringd door stekelige filmische nieuwsgierigheid die de grenzen van het medium verlegde in films als Sherlock Jr. en The Cameraman. Dit alles zonder zelfs maar zijn magnum opus te noemen, The General uit 1927: een Zuidelijke ingenieur die zich haastte om zijn kant te waarschuwen voor de oprukkende Unie-troepen tijdens de Amerikaanse Burgeroorlog. Het verhaal vormt een sjabloon voor George Millers recente 'Mad Max: Fury Road' en vrijwel elke kat-en-muisfilm ooit gemaakt, met zijn hilarische komedie, indrukwekkende speciale effecten en bravoure stuntwerk waardoor Keaton zijn leven meer in gevaar brengt dan eens allemaal voor de bewondering van zijn liefdevolle publiek. The General blijft een van de, zo niet de, beste actiefilm ooit gemaakt - een die plezier heeft met elk grammetje van zijn wezen en erin slaagt om zoveel mogelijk prachtig afgewerkte momenten van epische schaal op te roepen om te wedijveren met elke met CG beladen ravotten die vandaag zijn gemaakt.

37. Blow Up (1966)

De tijd ? De swingende jaren zestig. De plaats? Londen. De stad die verblindt en schittert. Levendig en glamoureus. Seks, drugs en rock n roll. Al met al een dag uit het leven van Thomas, een modefotograaf die een leven leidt van, laten we zeggen, dubieuze moraal. In een dag vol gebeurtenissen, terwijl hij de foto's van een stel doorneemt die hij nogal stiekem in een park heeft vastgelegd, ontdekt hij daarin een lijk. Hij gaat naar dezelfde plaats en vindt dat het lichaam de man van het paar is. Bang, komt hij terug naar zijn studio en vindt het geplunderd, maar met nog één foto over, die van het lijk. De volgende dag verdwijnt het lichaam. Wie heeft hem vermoord? En waarom verdween het lichaam? Waarom voelde Thomas dat hij werd gevolgd? ‘Blow Up’ is de klasse-act van regisseur Michelangelo Antonioni die in de loop der jaren vele filmmakers heeft geïnspireerd, waaronder Brian De Palma en Francis Ford Coppola.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

De duizelingwekkende, surrealistische openbaring van liefde en liefdesverdriet is nog nooit onderzocht op de manier en de mate van succes waarmee ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ dat doet. Weelderig met prachtige beelden en inventieve partituur vergelijkbaar met soundtrack uit het stille tijdperk, het is onmogelijk om alles uit te leggen over ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’. De film is ongetwijfeld gelaagd met een moeilijk te volgen verhaal - hoewel het eigenlijk eenvoudig is als je eenmaal begint te volgen - het is een van die films die rijkelijk lonend is, simpelweg omdat je jezelf er niet van kunt weerhouden te bezwijmen over het zeer doordachte concept en diep ontroerende film dat het is. Maar de echte ster van de show is de schrijver, Charlie Kaufman , die in de vorm van ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ misschien wel het meest briljante scenario ooit in de filmgeschiedenis heeft geschreven. Een film die niet alleen uniek is op zijn eigen manier, maar ook eindeloos opnieuw te bekijken is met bij elke kijkervaring iets nieuws.

35. Taxichauffeur (1976)

In ‘Taxi Driver’ geeft Martin Scorsese ons een van de meest gestoorde, onwaarschijnlijke maar toch grillige protagonisten van onze tijd in Travis Bickle. De film volgt hem terwijl hij taxichauffeur wordt om met zijn slapeloosheid om te gaan en ziet hoe hij langzaamaan overwonnen wordt door alle waanzin in de stad om hem heen. De echte manier waarop Taxi Driver wint als een film, is hoe hij erin slaagt om naar je toe te kruipen, langzaam zijn weg banen door de smerigheid en horror die Travis Bickle lijkt te beledigen. Daarin verdient het terecht zijn onderscheiding als een psychologische thriller meer dan als een drama, en werkt het vaak op meer niveaus dan alleen de twee. De film kan voor sommigen een verontrustend horloge zijn vanwege het donkere onderwerp, een nog donkerdere behandeling en een handvol geweld, maar voor kijkers die er langs willen kijken, is het niets minder dan een briljante poging om het deel van de film te begrijpen. menselijke psyche die meestal uit zichzelf voortkomt in de vorm van vigilantisme. Ik bedoel, wie denkt er niet over om op te staan ​​tegen de onjuistheid van onze tijd en het terug te geven? Het is die diepgewortelde wensvervullingsfantasie waar ‘taxichauffeur’ op een zeer effectieve manier mee speelt. De film wordt nu algemeen beschouwd als een van de belangrijkste films ooit gemaakt, en introduceerde de wereld bij de kracht die Scorsese was.

34. Paths Of Glory (1957)

Voordat Stanley Kubrick verder marcheerde om de onverklaarbare aspecten van de samenleving te verkennen die niet alleen de tijd overstegen, maar ook de verwachtingen van de kijkers van zichzelf, maakte hij dit meeslepende oorlogsstuk dat ik naast ‘Come and See’ plaats. In tegenstelling tot het laatste haalt Paths of Glory zijn hartverscheurende vertolking van WW uit dezelfde oppervlakkigheid van de mensheid, die Kubricks laatste werken domineerde. In Kubricks wereld zijn de demonen niet bedekt met bloed en modder, maar met medailles en trots, en de hel duikt in de meest heilige plaatsen, de rechtbank. In een tijd dat de industrie de aantrekkelijke 3-strook had aangenomen, schilderde Kubrick's monochroom de oorlog met een enkele tint. De lijken, de vodden, de kazernes, de rook, de as, alles gecamoufleerd met de gewone aanblik van pijnlijke pijn.

33. Three Colors: Red (1994)

Het meest trieste van de ondergang van een kunstenaar is wanneer je denkt dat hun laatste werk hun grootste ooit is. Dit was het geval met de Poolse auteur Krzysztof Kieslowski en zijn laatste film ‘Red’. Kieslowski had al aangekondigd dat hij met filmmaken zou stoppen na de première van de film in Cannes in 1994, maar het is zijn tragische ondergang, bijna twee jaar nadat hij zijn pensionering had aangekondigd, die het nog veel verdrietiger maakt. ‘Red’ is het laatste deel van zijn veelgeprezen ‘Three Colors’-trilogie en gaat over een jonge vrouw die een oude man tegenkomt nadat ze per ongeluk zijn hond aanrijdt met haar auto. De oude man is een gepensioneerde rechter, onthecht van het leven en alle soorten emoties en besteedt zijn tijd aan het bespioneren van andere mensen. Tussen de twee ontwikkelt zich een onwaarschijnlijke band met subtiele romantische ondertonen. ‘Rood’ gaat over kansen en toevalligheden die ons elke dag treffen en over ons onvermogen om de schoonheid en betekenis ervan te erkennen. Er is een onverklaarbaar gevoel van melancholie dat door de film loopt over de tragedie van het menselijk lot en de tijd en hoe wij als mensen in de wereld allemaal op de een of andere manier met elkaar verbonden zijn. ‘Red’ is een verbazingwekkende prestatie in het maken van films en is gewoon een van de beste films ooit gemaakt.

32. The Treasure of Sierra Madre (1948)

Zoals de naam al doet vermoeden, associëren we speurtochten vaak met het pulserende avontuur en de adrenalinestoot die ermee gepaard gaat. Maar er zijn maar heel weinig verhalen die spreken over de emoties die mensen ondergaan terwijl ze op reis gaan om dat goud te bemachtigen. Er wordt vaak gezegd dat tegenslag je ware karakter naar voren brengt. ‘The Treasure Of Sierra Madre’ vertelt een verhaal waarin de lust naar het goud onsmakelijke veranderingen in de personages met zich meebrengt, wat uiteindelijk resulteert in hun individuele verlatenheid. Hoewel de focus ligt op de hebzucht die het geweten bederft, is het de studie van het menselijk karakter in ongunstige situaties die de kijker bijblijft. Een tragisch verhaal over hebzucht en verraad, deze film won de Academy Award voor beste regisseur, best aangepast scenario en beste acteur in een bijrol. In de loop der jaren is dit een cultklassieker geworden voor cine-liefhebbers over de hele wereld.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, een term die wordt gebruikt in tijdschriften of boeken die de nadruk leggen op geweld, seks en misdaad. Deze elementen zorgden ervoor dat de tijdschriften verkochten als hete pannenkoeken. Tarantino nam deze elementen, mengde ze rond drie verhalen en creëerde een verhaal dat niet minder was dan een filmisch genie. Een van de meest unieke popcultuurfilms die ooit is gemaakt, de kijker maakt kennis met de wereld van maffia-huurmoordenaar Vincent Vega, zijn partner in crime en motor de mond Jules Winnfield, de gangstersvrouw Mia Wallace, de bokser Butch Coolidge en wordt omver geblazen met zijn stijlvolle behandeling van misdaad en geweld. Een van de belangrijkste aspecten van de film die heeft bijgedragen aan het succes ervan, was de uitvoering van Samuel L. Jackson. Als huurmoordenaar Jules Winnfield die bijbelverzen citeert als punchlines, was hij fenomenaal. Een van de beste films van dit tijdperk, ‘Pulp Fiction’, is een leerboek geworden voor beginnende filmmakers over de hele wereld.

30. De slag bij Algiers (1966)

Er zijn maar weinig films die de last van de politiek hebben gedragen op een manier die hun filmische effect verrijkt, maar laat het over aan de gelikte, opruiende Italiaanse maestro Gillo Pontecorvo om het nog steeds sudderende vlampunt van de Franse koloniale onderdrukking van het Algerijnse volk uit de late jaren 50 te nemen en er iets van te maken. volkomen overtuigend. De nog steeds vooruitziende parallellen die Pontecorvo's bewonderenswaardig neutrale observatie van terreur en terrorisme door beide partijen vandaag trekt, maken het ervaren van 'The Battle of Algiers' tot een fascinerende intellectuele uitdaging voor ons begrip van zwart-wit oorlogsvoering, a-la de gespietste kou van Miklós Jancsó's onuitwisbare filmografie. Bovendien zijn de journaalmontagetechnieken een mijlpaal in filmische communicatie en hebben ze naar mijn mening de hectische snijtechnieken van de Nouvelle Vague veel sterker gebruikt dan veel van zijn verkennende mastheads. Eenmaal gezien, nooit vergeten: ‘The Battle of Algiers’ is gewoon een baanbrekend stukje wereldcinema.

29. Goodfellas (1990)

Het is de droom van een regisseur om een ​​film te creëren die even uniek is als de periode waarin hij is gemaakt. Maar voor Martin Scorsese is het een gewoonte. Voor elk decennium dat hij een A-Lister is, heeft hij een film gemaakt die wordt beschouwd als een van de beste van de periode. Hij maakte ‘Taxi Driver’ in de jaren 70, ‘Raging Bull’ in de jaren 80, ‘Goodfellas’ in de jaren 1990, ‘The Departed’ in de jaren 2000 en ‘The Wolf Of Wall Street’ in de jaren 2010. En het is het gangsterdrama uit 1990, gebaseerd op het waargebeurde verhaal van gangster-medewerker Henry Hill, dat een van de benchmarks in het genre werd. De film, verteld in de eerste persoon door Hill, beschrijft zijn opkomst en ondergang als onderdeel van de New Yorkse maffia van 1955 tot 1980. In tegenstelling tot alle gangster-extravagantie in 'Godfather' of 'Scarface', gaat 'Goodfellas' over de authentieke details van het dagelijkse gangsterleven, waarbij zowel aandacht wordt besteed aan Hill's relatie met zijn vrouw Karen als aan zijn heldendaden met zijn bendeleden. Maar Scorsese gebruikt alle pijlen in zijn tricks om deze affaire verleidelijk te maken, zoals deze legendarische lange tracking shot , een memorabele dialoog en een explosieve act door Joe Pesci als Tommy DeVito, Hill's onstuimige medewerker. Als het gaat om het misdaadgenre, is ‘Goodfellas’ zo goed als maar kan.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese staat erom bekend verhalen over gebroken, gebrekkige, vaak zelfvernietigende hoofdrolspelers in zijn films weer te geven. En hij heeft vaak de annalen van de geschiedenis doorzocht om zijn gevallen helden in waargebeurde verhalen te vinden. ‘Raging Bull’ is het levensverhaal van de legendarische bokser Jake LaMotta, wiens zelfvernietigende en obsessieve woede, seksuele jaloezie en dierlijke eetlust, waardoor hij een kampioen in de ring was geworden, zijn relatie met zijn vrouw en familie vernietigde. De film is volledig in zwart-wit gedraaid, om het tijdperk waarin het zich afspeelde en de donkere, deprimerende sfeer die het definieerde, echt weer te geven. Scorsese verwachtte dat dit zijn laatste project zou worden. Hij was dus nauwgezet veeleisend in zijn films. Even toegewijd was Robert De Niro, die schittert in de titulaire rol. Hij kwam 60 pond aan en trainde eigenlijk als bokser. Hij absorbeert de kortstondige maniertjes van LaMotta met vurige perfectie terwijl hij zichzelf volledig onderdompelt in karakter. Hij ontving een verdiende voor zijn problemen. Dit is de grootste overwinning van Scorsese-De Niro. Een intens, krachtig magnum opus.

27. The Godfather: Part II (1974)

In de geschiedenis van de tweede afleveringen is bekend dat er maar weinig films zijn die de glorie van de eerste hebben waargemaakt, laat staan ​​ze in sommige opzichten te overtreffen. Als er een lijst met dergelijke films wordt gemaakt, wordt ‘The Godfather: Part II’ het kroonjuweel. Het naleven van de erfenis van de eerste was een gigantische taak op zich, maar deze voortzetting van de ‘The Godfather’-saga slaagde daar niet alleen in, het breidde ook haar nalatenschap uit om deel uit te maken van het grootste Amerikaanse verhaal over de georganiseerde misdaad ooit verteld. De film presenteert twee parallelle verhalen; de ene handelt over Michael Corleone als het nieuwe hoofd van het ‘familiebedrijf’ van Corleone, de tweede toont een uitstekende Robert De Niro als jonge Vito Corleone, en zijn opkomst aan de macht. De twee verhalen zijn vakkundig geweven en zorgen voor een aanlokkelijk verhaal dat de kijker niet één keer loslaat. Al Pacino doet hier een aantal van zijn beste werk, zijn hernieuwde blik kauwt het landschap bijna elke keer als hij op het scherm verschijnt. Een van die bijna perfecte films die ongeacht tijd, plaats en je laatste keer bekeken kunnen worden, en je eindigt nog steeds in totale onderwerping en ontzag ervoor. Als deel I het heilige altaar is, is deel II het brood en de wijn.

26. A Clockwork Orange (1971)

Het eerste dat waarschijnlijk in me opkomt als je wordt gevraagd deze film in één woord te beschrijven, is ‘verontrustend’. De enige film op de lijst die ik opnieuw durf te bezoeken, ik betrapte mezelf erop dat ik meerdere keren terugdeinsde tijdens het kijken naar deze film. ‘A Clockwork Orange’ is sociaal commentaar op zijn meest compromisloze wijze en levert grimmige beelden op waarvan men misschien nooit meer zal herstellen. Het is donker, het is verwrongen en het biedt geen verlossing voor degenen die ernaar zoeken in een film met waarschijnlijk de meest sombere vertolking van een dystopie in maatschappelijke termen. En daarin, denk ik, schuilt het succes van de film om een ​​verontrustende boodschap naar huis te sturen. Onconventioneel op welke manier je je ook kunt voorstellen, het levert ons protagonisten op die tot in de kern hatelijk zijn en zich overgeven aan daden van 'ultrageweld' en verkrachting; het becommentarieert de sociaal-politieke toestand op de meest harde manier die je je kunt voorstellen, brengt je in verwarring omdat Alex DeLarge (gespeeld door een charismatische Malcolm McDowell) wordt onderworpen aan onmenselijke manieren van reconditionering en het publiek uiteindelijk in een farrago van alle dingen die deze verontrustende ervaring je meteen laat voelen. Echt een werk van Kubrickiaanse proporties.

25. Vertigo (1958)

Het verhaal van ‘Vertigo’ gaat als volgt: voormalig rechercheur Scotty (James Stewart) lijdt aan hoogtevrees als gevolg van een incident dat plaatsvond tijdens het werk. Hij wordt benaderd door een oude vriend om een ​​oogje in het zeil te houden op zijn vrouw Madeleine die volgens hem bezeten is. Aanvankelijk sceptisch, raakt Scottie al snel zelfdestructief geobsedeerd door de mooie dame, die veel meer lijkt te zijn dan ze laat merken. De genialiteit van Alfred Hitchcock ligt in het feit dat zijn grootste films, opwindend om de eerste keer te bekijken, bij elke volgende blik een nieuwe laag van begrip voor de kijker lijken te openen. Zeker, op een vluchtige blik, ‘Vertigo; is een goed gemaakt psychologisch moordmysterie. Maar terwijl je er steeds weer naar kijkt, beginnen de thema's van mannelijke agressie en de constructie van een vrouwelijk beeld in de geest van een man zich te ontvouwen als een oneindige doos en je te overspoelen. Waarschijnlijk de fijnste verouderde film ooit gemaakt, de traag brandende schittering van Vertigo wordt getuigd door het feit dat de film bij het openen voor gemengde recensies algemeen wordt beschouwd als een van de beste films ooit gemaakt. Een meesterwerk van de meester van thrillers.

24. Hiroshima, mijn liefde (1959)

‘Hiroshima mon amour’, geboren uit de geest van de Franse visionair Alain Resnais op de linkeroever, is een film die huilt van transcendentale kracht. Het verhaal van de tijd verweven met de herinnering en de littekens van beide die plaatsvonden in Hiroshima tijdens de Tweede Wereldoorlog, verteld door twee mensen - een Fransman, een Japanner - terwijl ze proberen de heersende boodschap van de daar veroorzaakte verwoesting samen te brengen. Behalve dat er, intellectueel of emotioneel, niets te winnen valt bij zo'n dwaasheid. Het is een werk dat doordrenkt is van internationaal verdriet, dat verder reikt dan het conflict zelf en naar de waarheden en onderdrukkingen die mensen elke dag achtervolgen. Door de weerkaatsingen van de atoomontploffing ontdekken we een klein deel van wat er zo mis is met onszelf. Het feit dat Resnais deze onaantastbare verwarring eenvoudigweg begrijpt, in plaats van te proberen deze op te lossen, maakt ‘Hiroshima mon amour’ tot een van de grote meesterwerken van de cinema.

23. Random Balthazar (1966)

Het desolate meesterwerk van Robert Bresson is een oefening in gevoel. Het wijkt af van het definiëren van een duidelijke hoofdrolspeler of een centraal thema, tenzij je de wonderbaarlijke natuurkracht die Balthazar is, meetelt en als je de film op het eerste gezicht neemt, doe je dat niet. Maar als je hem toestaat om je toegangspunt te zijn tot het emotionele en thematische landschap van de film, is het moeilijk om er onbeloond uit terug te keren. Balthazars eigenaardige, slanke en koele visuele stijl lijkt achteraf bijna glamoureus; zijn kalme kwetsbaarheid verpakt in een berustend, buitengewoon wijs gevoel van controle. Zelfs zijn tastbare eerlijkheid verbergt een bestudeerde poging om een ​​beetje in te houden, om in zijn eenvoud van setting en karakter een rijkdom te voeden die aan het publiek is overgelaten om te ontdekken en in sommige adembenemende gevallen, voor te stellen. Omdat de acteurs zo weinig over hun hachelijke situatie spreken, ervaren we de willekeurige, onredelijke wreedheden en voelen we het verstikkende verdriet voor hen. In een vorm waarin zelfs de meest getalenteerde artiesten er alleen naar streven de zintuigen van de kijker te verhogen door te voldoen aan de beproefde en beproefde beelden, verschaften Bressons beelden mij een lyrische sjabloon om de omvang van mijn mededogen op te baseren, om zelfs te beoordelen hoe bewust dat mededogen is. .

Dit alles brengt me terug bij mijn oorspronkelijke gedachte. Het toekennen van betekenis aan elk moment in ‘Balthazar’ hangt niet af van of we aannemen dat de inhoud allegorieën van sociale of zelfs politieke aard is, maar van de manier waarop ze ons voelen door te genieten van hun complexiteit en rust, in plaats van te vertrouwen op de hersenloze expositie waar de meeste films hun toevlucht toe nemen. Het is dan ook volkomen logisch dat de hoofdrolspeler de gelijknamige ezel is.

22. Andrei Rublev (1966)

Ik geloof dat ‘Andrei Rublev’ het beste voorbeeld is van het concept van de Russische auteur Andrei Tarkovsky van beeldhouwen in de tijd. Veel van zijn laatste werk was abstract, omdat hij zich bezighield met ongelooflijk persoonlijke thema's en visualisaties, die verspreid waren over perioden van tijd. Met ‘Andrei Rublev’ legde Tarkovsky de tijd zelf vast en streelde die vervolgens met de diepste tinten van de ziel van een kunstenaar. Tarkovski is waarschijnlijk de enige filmmaker die de hoogste prestatie kon neerzetten bij het weergeven van de onderdrukking van een kunstenaar. Hij verkent de onderdrukkende regimes van Rusland die even inheems zijn in het land als de diepgaande literatuur die verrassend genoeg vraagtekens plaatst bij de meest dwingende vragen over het spirituele en metafysische. Veel van de latere eigenschappen van Tarkovski, waaronder het filmen van de stroom van de natuur, zijn te zien op de reis van Andrej Roebel. Het is een film die je filmt, verbrijzelt en aan het denken zet - zowel tijdens de film als lang nadat de aftiteling is gedraaid.

21. The Adventure (1960)

Wat vind je van een onopgelost mysterie? Of een onafgemaakt verhaal? Zoek je afsluiting door er wanhopig naar te zoeken? Of accepteer je de feiten en ga je verder? Is dat niet alles over het leven? Een compromis sluiten en verder gaan? De film die Michelangelo Antonioni erkenning bracht over de hele wereld, ‘L'Avventura’, is het verhaal van een jonge vrouw die verdwijnt tijdens een zeiltocht over de kust van Sicilië. De zoektocht naar haar brengt haar voormalige minnaar en beste vriendin bij elkaar en een verontrustende relatie begint. Hoewel het verhaal is geweven rond de zoektocht naar een vermiste vrouw, is het ware doel om een ​​verhaal te construeren, zonder gecentreerd te zijn rond een grote gebeurtenis en toch het publiek te kunnen boeien. De ware motieven van de hoofdpersonages worden nooit volledig uitgelegd en aan het einde van de film wordt de kijker gedwongen te accepteren dat sommige gebeurtenissen onverklaard blijven, net als het leven. Een onbetwistbaar meesterwerk!

20. Breathless (1960)

Lang voordat Quentin Tarantino zich een weg baant naar de Amerikaanse indiescene met zijn wild eigenzinnige benadering van het maken van films die de focus van stijl boven inhoud versterkte, was er deze man genaamd Jean Luc-Godard die onbevreesd de traditionele filmische grammatica overnam en roekeloos brak. films herdefiniëren en vormgeven zoals we die nu zien met een film genaamd 'Breathless'. Misschien is geen enkele andere film erin geslaagd om de vluchtige waanzin van de jeugd vast te leggen op een manier die ‘Breathless’ doet met zijn roekeloze energie en bedwelmende sfeer. Het bizarre gebruik van jump-cuts wakkert de inherente waanzin van het uitgangspunt aan, terwijl Godard je fel wegduwt van zijn personages en je vraagt ​​om je te concentreren op de gefragmenteerde aspecten van de verhaallijn in plaats van op het verhaal als geheel. ‘Breathless’ is een van de belangrijkste filmdebuten in de filmgeschiedenis en hoewel het cinefielen en critici blijft polariseren, valt niet te ontkennen dat het een invloed heeft op de moderne cinema.

19. Seven Samurai (1958)

Akira Kurosawa is een van de meest originele, invloedrijke en meest gerefereerde regisseurs die ooit hebben geleefd. Roger Ebert zei ooit over Kurosawa: 'Men zou kunnen zeggen dat deze grootste regisseur de komende vijftig jaar actiehelden werk gaf' en hij had niet eerlijker kunnen zijn. ‘A Fistful Of Dollars’ van Sergeo Leone, waarvan wordt gezegd dat het de geboorte heeft gegeven aan het Spaghetti Western-genre, was geïnspireerd op Kurosawa’s ‘Yojmbo’. Ook onze huidige inzending is een technisch en creatief keerpunt en heeft talloze directe vertellingen geïnspireerd, evenals menig visueel element in de moderne cinema . Het epische drama vertelt het verhaal van zeven ronin (meesterloze samoerai) die de wapens opnemen om een ​​arme beschaving te verdedigen die niet langer een plaats voor hen heeft tegen het aanvallen van bandieten in het 16e-eeuwse Japan, dat culmineert in een hevige climax. Maar de schittering van ‘Seven Samurai’ ligt in het feit dat het een groot aantal goed gemaakte verhalen vertelt, variërend van genres binnen het hoofddrama. Er zijn elementen van actie, avontuur, romantiek en coming-of-age overal in de film aanwezig. Het bevat ook karakters die zo rijk ontwikkeld zijn als een zeldzame biefstuk, die later hoofdbestanddelen van meerdere genres zou worden. Echt een inspirerend kunstwerk.

18. The Tree of Life (2010)

‘The Tree of Life’ is de hoogste vorm van cinema: het vertelt niet alleen een verhaal, maar heeft als doel je leven te veranderen. Het is een film die tijd nodig heeft om op je te groeien, en als dat zo is, zal je het moeilijk vinden om er niet constant aan te denken. ‘The Tree of Life’, een filmisch gedicht van buitengewone omvang en ambitie, vraagt ​​niet alleen om te observeren, maar ook om na te denken en te voelen. Op zijn eenvoudigst is het een verhaal over de reis om jezelf te vinden. Op zijn meest complexe manier is het een meditatie over het menselijk leven en onze plaats in het grote geheel van dingen. Het maakt niet uit welk geloof je gelooft, of dat je überhaupt in een hogere entiteit gelooft. Het echte gevoel van verwondering in de film komt voort uit de magie die het leven zelf is. Het mooiste van de film is dat het met de tijd steeds beter wordt, zoals een goede wijn.

17. van dichtbij (1990)

De overleden grote Iraanse auteur Abbas Kiarostami zag schoonheid en poëzie vaak in de meest absurd alledaagse periodes van mensenlevens. Met bedrieglijk eenvoudige plots en naturalistische settings verkende Kiarostami universele thema's die naadloos culturele barrières overstegen vanwege het soort menselijkheid waarin zijn cinema inherent was verpakt. 'Close Up' is misschien wel zijn meest volbrachte werk en een van de meest originele, inventieve werken van filmische kunst ooit geproduceerd. De film neemt de vorm aan van een docu-fictie om het echte proces te beschrijven van een man die de Iraanse filmregisseur Mohsen Makhmalbaf nabootste. De cast bevat mensen die daadwerkelijk bij het proces betrokken waren en zichzelf speelden in de film. 'Close Up' is een verbazingwekkende verkenning van de menselijke identiteit gezien door de ogen van een gewone man die worstelt om met zichzelf en zijn leven om te gaan en uit wanhopige droefheid en oprechte liefde voor de filmkunst stapt hij in de schoenen van zijn idool om weet hoe het voelt om echt te leven, bewonderd en gerespecteerd te worden. Dit is het maken van films van de hoogste orde.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brussel (1975)

Deze Franse avant-garde speelfilm met Delphine Seyrig als titelpersonage is niet zomaar een filmische ervaring. Het lijkt meer op een oefening - een test, en beïnvloedt je op een manier die maar weinig andere films eerder of daarna hebben gedaan. Het onafhankelijke stuk concentreert zich op drie dagen uit het leven van een eenzame, onrustige huisvrouw, terwijl ze haar strikte schema vol met alledaagse huishoudelijke taken doorloopt. Zij is een moeder en een weduwe die 's avonds sekswerk voor heren verricht om zo de kost te verdienen. Er ontstaan ​​problemen wanneer, op de tweede dag, haar routine enigszins wordt verstoord, wat leidt tot een soort domino-effect dat wordt weerspiegeld in de uren die erop volgen. Jeanne Dielman trekt iemand in zijn langzame en meditatieve wereld met Akermans kenmerkende regiehandtekening, met een diegetische atmosfeer, en een hypnotiserende uitstraling die wordt voortgebracht door de kalme, subtiele en geduldige persoonlijkheid van het meesterwerk, dat een pijnlijke viering is van de eentonigheid van het bestaan.

15. Rashomon (1950)

Een van de meest onconventionele en experimentele films van zijn tijd, ‘Rashomon’ kijkt naar de meester aan het werk en gaat helemaal los met zijn vertelvaardigheden. Simpel gezegd, het is een verslag van een incident dat plaatsvond vanuit vier totaal verschillende standpunten: die van de beschuldigden, de slachtoffers en degenen die beweren ooggetuigen te zijn. Het onderscheidt zich op alle technische gronden met bijna onberispelijke montage en meesterlijke regie, maar de film behaalt zijn overwinningen op de thematische vragen die het behandelt; de vragen over het bestaan ​​van een absolute waarheid. Is de waarheid werkelijk zo objectief en onrechtvaardig als men beweert te zijn, of is er enige subjectiviteit aan verbonden? Normaal gesproken is het objectief, of wordt het in ieder geval algemeen beschouwd als te zijn, met schijnbaar geen andere versies ervan. Deze film stelt het op een manier in vraag dat de kijker zelf geïrriteerd blijft door vragen, waarbij hij ook regelmatig commentaar geeft op hoe mensen soms zelfs niet helemaal eerlijk zijn tegenover zichzelf. Het is zo thematisch complex als het wordt, maar schijnbaar zo eenvoudig als je wilt.

14. Stalker (1979)

Door zijn mindere nakomelingen, waaronder de enorm succesvolle televisieserie ‘Westworld’, op afstand te houden, kan de enorme invloed van ‘Stalker’ op het vertellen van visuele verhalen niet genoeg worden benadrukt. Ideeën - filosofische, spirituele en wetenschappelijke - evenals hun behendige, glorieuze filmische verkenning in ‘Stalker’ hebben hun indrukken gevonden op menig sciencefiction die erna komt. Het zijn niet zozeer het zweefvliegen, trance-inducerende en op bepaalde punten, het abstracte tempo of het ontroerende gebruik van monochromatisch sepia buiten de 'Zone' en de afdrukkleuren van de locaties in Estland, die worden weerspiegeld in het werk van filmmakers zoals Terrence Malick en Lav Diaz, om er maar een paar te noemen, maar het aanhoudende geduld en de nederigheid. Tarkovsky geeft de filosofische heerschappij grotendeels aan het publiek en laat de kijkers zoveel ruimte over om de vele metafysische facetten van de film zelf te ontdekken, dat zelfs de ongeëvenaarde letterlijke en visuele poëzie ervan net zo goed een verzinsel van ons als van hem lijkt. en zijn medewerkers '. En toch blijft de film afstandelijk en leidt ons naar de ondoorgrondelijke mysteries van de geest en het hart, en uiteindelijk zullen we ze nooit ontrafelen, omdat de rechte weg nooit de juiste is.

13. Fanny en Alexander (1982)

Bijna 35 jaar na de eerste release is Bergmans laatste regiefilm net zo fascinerend om te ontleden als voor critici over de hele wereld in die tijd, die allemaal leken te worstelen om ervoor te zorgen dat hun mening erover werd gehoord. Deze meningen waren veel meer verdeeldheid dan nu, maar de plaats van de film in Bergmans filmografie lijkt nog steeds moeilijk te definiëren. Het is in toon, structuur en pure omvang anders dan alles wat Bergman tot dan toe had gedaan. Maar het is ook een onbetwistbare samensmelting van al zijn thematische en visuele instincten die kriskras door elkaar lopen in dit levensbevestigende wandtapijt van een familie in het Zweden van begin 1900. Zijn pittoreske uitbundigheid lijkt al je aandacht te trekken bij de eerste keer kijken met zijn diep meeslepende variaties van rood, groen en milde, warme gele tinten die zo'n bedwelmend kleurenpalet vormen dat de afwezigheid ervan - wanneer alles is gedrapeerd in wit, zwart en hard blauw - lijkt bestraffend. De zorgvuldig vervaardigde kronieken van Bergman stralen de verve uit van een familiepicknick en bezitten de vertrouwdheid van menselijke banden die decennialang bijeen worden gehouden door oprechte, kwetsbare genegenheid. In deze royaal opgezette weergave van het leven zijn geboorte en dood beide incidenteel. In de kleine wereld bewonen deze karakters, zoals de meesten van ons, alles waar men op kan hopen, en ze zijn genoeg voor hen, zoals ze zouden moeten zijn voor ons. Is het allemaal een illusie? Je zou kunnen denken van hoe dit gigantische ensemble zulke wonderen verricht. Als dat zo is, geloof me, je wilt niet dat het kapot gaat.

12. Apocalypse Now (1979)

Er zijn oorlogsfilms die de fijne kneepjes van oorlogvoering laten zien (zoals 'Enemy At The Gates'), andere die de notie ervan hekelen en verafschuwen (zoals 'The Pianist') en dan is er het gedurfde 'Apocalypse Now', dat geen mening of conclusie, maar legt in plaats daarvan een grafische voorstelling van de verschrikkingen van de oorlog bloot en verheerlijkt de soldaten die eraan deelnemen. Tot op heden woedt het debat of ‘Apocalypse Now’ pro-oorlog of anti-oorlog is. Houd ervan of haat het; het is zeker dat je het gaat onthouden. Een van de meest problematische producties in de geschiedenis van Hollywood, de definitieve versie van schrijver-regisseur Francis Ford Coppola eindigde zijn technisch meest briljante werk. Het kale uitgangspunt is simpel: kapitein Willard moet “eindigen met extreem vooroordeel” kolonel Kurtz die vijandelijk gebied is binnengegaan en AWOL is geworden. Maar het is Willards slopende reis door de aangrijpende slagvelden van Vietnam (verheven door de adembenemende cinematografie van Vittorio Storaro) die nog lang in de geest gegrift blijft nadat de credits rollen. Met de ene gedenkwaardige scène na de andere en definitieve uitvoeringen van Martin Sheen als Willard, Marlon Brando als Kurtz en Robert Duvall als ‘napalm-liefhebber’ luitenant-kolonel Kilgore, ‘Apocalypse Now’, zoals Coppola terecht zei: ‘gaat niet over Vietnam. Het is Vietnam ”.

11. The 400 Blows (1959)

François Truffauts ‘The 400 Blows’ is een waar kunstwerk dat voortkomt uit echte pijn. Truffaut, een echt oprecht en zeer persoonlijk werk, droeg de film op aan zijn spirituele vader en de internationaal geprezen filmtheoreticus André Bazin. Duidelijk autobiografisch van aard, Truffauts eigen jeugd was onrustig, en dat wordt heel duidelijk weerspiegeld in de film. Aan de buitenkant gaat de film over jeugd- en jeugdcriminaliteit die vaak wordt gedreven door maatschappelijke en ouderlijke verwaarlozing. Kijk wat dieper, en je zult een film over hoop vinden; hoop dat het zowel intens als therapeutisch is. Antoine Doinel, de hoofdrolspeler, is op de een of andere manier een grimmige weergave van de samenleving zelf, een samenleving die haar eigen fouten verbergt achter regels, straffen en oordelen. De film stroomt als een rivier en neemt het publiek mee op een reis van hoop, wanhoop, empathie en zelfs pure woede. Als je ooit wilde zien hoe een meesterwerk eruitziet, zoek dan niet verder dan ‘The 400 Blows’.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch is geen filmmaker. De man is een dromer. En ‘Mulholland Drive’ is de grootste droom die hij ooit heeft gedroomd. Een droom die elke emotie omvat die het menselijk bestaan ​​omvat. Het is moeilijk om een ​​film als ‘Mulholland Drive’ uit te leggen of te beschrijven, omdat dit een film is over ervaring en wat je eruit haalt, in plaats van een plot gebaseerd op een conventioneel verhaal dat je voedt met antwoorden die je graag mee naar huis kunt nemen. Lynch heeft vaak gezegd dat zijn visie voor een film in wezen is gebaseerd op talloze ideeën en gevoelens. En dit wordt een toegangspoort tot het begrijpen van een film die zo complex en gelaagd is als ‘Mulholland Drive’. Het is een labyrint van dromen, ambities, verlangens en nachtmerries. Lynch weet wat ons het meest beangstigt en wat ons tot pure waanzin drijft. En het is deze verontrustend intieme weerspiegeling van het menselijk onderbewustzijn dat ‘Mulholland Drive’ zo'n diep aangrijpend kunstwerk maakt. Een die je omhult met een gevoel van warmte en tederheid voordat je dwars door je schedel snijdt.

9. Bicycle Thieves (1948)

'Eenvoud is de ultieme verfijning' - Leonardo Da Vinci. Een van de moeilijkste taken bij het maken van films is uitzoeken wanneer je film moet eindigen. Het einde in Bicycle Thieves is tonaal zo synchroon met het begin, als we beginnen met Antonio, een alledaagse man die uit de menigte tevoorschijn komt, naar Antonio, een alledaagse man, verdwijnend in de menigte. Het leven in het naoorlogse Rome was elke dag in een strijd veranderd, en er was nauwelijks iemand die uit dat moeras van ellende kwam. Er zijn maar weinig films die een zo diepgaande introspectie bieden als Bicycle Thieves. Het is een film die je hart in stukken zal breken en je toch zal inspireren om ten volle te leven. Zelden is een film zo eenvoudig in zijn uitgangspunt zo briljant effectief in zijn boodschap. Het is vrijwel onmogelijk om de film te vergeten als je hem eenmaal hebt bekeken. Hoewel de grootste prestatie van de film zit in het aantal onafhankelijke filmmakers dat het inspireerde, die tot op de dag van vandaag ‘Bicycle Thieves’ als hun inspiratiebron noemen.

8. Tokyo Story (1953)

‘Tokyo Story’ is waar elke filmmaker naar streeft die een betekenisvol verhaal wil vertellen. Het is duidelijk dat ze allemaal te kort schieten! Er is geen beter voorbeeld van een film die op zo'n eenvoudige maar meesterlijke, effectieve en onvergetelijke manier een episch verhaal weergeeft. Met ‘Tokyo Story’ bereikte Yasujiro Ozu iets dat de droom is van elke levende filmmaker: voor altijd in het hart en de geest van het publiek verblijven. Iedereen die ‘Tokyo Story’ heeft gezien, weet waar ik het over heb. De film vertelt het verhaal van een ouder wordend, traditioneel Japans echtpaar dat hun kinderen in Tokio bezoekt om vervolgens tot het harde besef te komen dat hun kinderen het te druk hebben met hun leven om voor hen te zorgen en enorm ver van hen af ​​zijn gegroeid, cultureel en emotioneel. . Wat ook zo geweldig is aan de film, is het universele thema waar iedereen, overal zich mee kan identificeren. De filmstijl van Ozu zorgt er ook voor dat je wordt verdiept in een verhaal dat diepgaande inzichten biedt in de veranderende menselijke psyche met veranderende tijden. Gewoon briljant!

7. In the Mood For Love (2000)

‘In the Mood For Love’ is simpelweg het grootste liefdesverhaal dat ooit op film is gezet. Periode. Het had zo gemakkelijk een toneelstuk of zelfs een poëzie kunnen zijn. Met prachtige, boeiende beelden en voortreffelijke, soul-doordringende muziek vertelt ‘In The Mood For Love’ het complexe verhaal van twee eenvoudige individuen. Twee individuen die de angst en de verleiding van verliefdheid doorstaan; en eenmaal verliefd, de pure pijn om het onvolledig achter te laten. ‘In the Mood for Love’ toont liefde in haar meest kwetsbare vorm. En door dat te doen, onthult het onze eigen kwetsbaarheden en hoe hulpeloos we zijn tegenover liefde. Zelden heeft een film die zo ingetogen en zo gereserveerd is, zo'n impact na het bekijken.

Ik weet niet zeker of regisseur Wong-Kar-Wai van plan was de film te maken die hij maakte, aangezien hij de film meestal zonder script opnam. Als je naar de geschiedenis kijkt, zijn de meest bepalende kunstwerken gelukkige ongelukken. Tel ‘In the Mood For Love’ onder hen.

6. 8 1/2 (1963)

Nummer acht-en-een-half in de filmografie van de Italiaanse maestro, dit zinderende, weelderige epos van fantasieën, nachtmerries en een al te vertroebelde realiteit is als een biscotti - resoluut absurd van vorm en gebakken op een manier die het niet toelaat om het helemaal in te verslinden. een poging. Het angstaanjagende, rusteloze camerawerk complimenteert Fellini's bewuste visie van een filmmaker die probeert de vele veranderende ervaringen die hij heeft opgedaan tijdens zijn geknoopte leven in zijn nieuwe film te kanaliseren. Hoe semi-autobiografisch het ook mag zijn, '8 1/2' waait langs zijn publiek met al zijn verrukkelijke complexiteit intact in zo'n radicaal tempo, dat ik merkte dat ik probeerde de scherp gecomponeerde beelden te deconstrueren om mijn eigen plek te vinden in Fellini's torenhoge specificiteit, maar was nooit in staat om stevig op de grond te landen.

Door gebruik te maken van de schaduwrijke gravitas van Marcello Mastroianni, kan de pure elektriciteit van Fellini overweldigend zijn. Je houdt vast aan je perceptie van een bepaald moment en herkent de zwoele rijkdom ervan, alleen om te ontdekken dat de filmmaker is overgegaan op een andere fladderende, heerlijk evenwichtige reeks. Zijn ideeën over kunstenaars en hun verbijsterende, belachelijke obsessie met zichzelf lijken misschien gedateerd - of erger nog, irrelevant - maar de brutaliteit van hun constructie en expressie gaat nooit verloren. Het betovert en bedriegt ons, laat ons nooit toe onze ogen eraf te houden en glipt dan door onze vingers als het tot ons doordringt dat we het nooit in onze greep hadden. Fellini verschilt niet veel van de helderziende Maya in de film die lijkt te weten wat iedereen denkt: een vaardigheid die door haar assistent wordt toegeschreven aan telepathie. Wanneer onze hoofdrolspeler, Guido, de assistent vraagt ​​hoe ze het doet, merkt hij ronduit op: 'Het is deels een truc en deels echt. Ik weet het niet, maar het gebeurt. ' Geen woorden zijn zo geschikt om de film mee te beschrijven.

5. Persoon (1966)

Ik denk dat het veilig is om te zeggen dat ‘Persona’ in zijn eentje de bioscoop brak. Als een horrorfilm aan de oppervlakte, is Ingmar Bergmans klassieker uit 1966 meer een studie van de individuele identiteit dan iets anders. Gebruikmakend van innovatieve montagetechnieken, scherpe camerahoeken, koude uitdrukkingen, meeslepende dialogen en prachtige regie, vertelt deze film op een zo perfect dubbelzinnige manier mogelijk het verhaal van een beroemde actrice die haar stem verliest en de verpleegster die voor haar zorgt. in een afgelegen huis, waar hun karakteristieke persoonlijkheden langzaam met elkaar versmelten. Omdat ‘Persona’ de meest ‘filmische’ onderneming van de regisseur is, zorgt ‘Persona’ ervoor dat elke conventionele regel van het maken van films wordt omgedraaid om een ​​frisse en boeiende ervaring te creëren. Met een van de beste acteerprestaties ooit op celluloid, helpt de sfeer van de film ons de vragen die we erover hebben te waarderen door onze focus slim te verleggen naar het ambacht dat in het spel wordt gebracht. Er bestaat gewoon niets zoals ‘Persona’, en dat zou heel goed een feit kunnen zijn.

4. The Godfather (1972)

Misschien wel de meest invloedrijke film ooit gemaakt. Een van de zeldzaamste aanpassingen die eigenlijk beter is dan het bronmateriaal - in dit geval de gelijknamige roman van Mario Puzo - de film heeft door de eeuwen heen standgehouden en is een klassieker in de ware zin van het woord die steeds beter wordt met elke bekijken. De film beschrijft een maffiafamilie onder Don Vito Corleone en concentreert zich op de overgang van zijn zoon terwijl hij het familiebedrijf overneemt na het overlijden van de patriarch. Prestaties zijn ongetwijfeld een van de belangrijkste sterke punten van deze film, met grootheden als Marlon Brando als Vito Corleone en Al Pacino als Michael Corleone die acteernormen opnieuw definiëren met hun uitvoeringen. Al het andere, vooral het scenario en de sfeervolle cinematografie en partituur, zijn naar verwachting A-rate en genrebepalend. Terecht bestaat er geen cinefiel die dit meesterwerk van een film niet heeft gezien. Het is het altaar waar we heen gaan om te bidden.

3. Citizen Kane (1941)

De heilige graal van de Amerikaanse cinema. ‘Citizen Kane’ definieerde bijna elk aspect dat de kunst van de cinema omvat. Een film die talloze conventies van het maken van films doorbrak om nieuwe te creëren. Meteen van de baanbrekende technische details, waaronder de belichting, het geluid en de beelden tot de zeer innovatieve vertelstijl, veranderde ‘Citizen Kane’ de manier waarop films werden gemaakt. De film is een diepgaande karakterstudie die de vorm aanneemt van een mysteriedrama waarin de waarheden van het leven worden onthuld van een raadselachtige uitgeverij wiens laatste woord de interesse van een verslaggever heeft gewekt. Hij gaat op reis en onderzoekt een mens die ooit zijn leven begon met rauwe ambities en verlangens, maar al snel zou bezwijken voor de verleidelijke krachten van hebzucht en autoriteit. ‘Citizen Kane’ is een enorm krachtig kunstwerk dat diepgaande thema's onderzoekt en de oneindig complexe emotionele facetten van het leven als mens vastlegt.

2. The Mirror (1975)

Zou kunst ooit zo persoonlijk kunnen zijn dat men het niet zou kunnen onderscheiden van de maker? Dit is een vraag die me opviel toen ik 'The Mirror' van Andrei Tarkovsky voor het eerst zag. Dit is een kunstwerk waarbij de kunstenaar zich volledig overgeeft aan zijn werk dat je niet onderscheidt tussen hem en het werk dat hij doet. Het is bijna alsof Tarkovsky de hele film heeft ingeademd. Auteurs hebben hun meesterwerken gemaakt door de cinema te veranderen en vorm te geven zoals we die nu zien, maar Tarkovsky ging een stap verder en bereikte het onbereikbare; leven geven aan zijn kunst. ‘The Mirror’ ademt gewoon cinema. Je kon Tarkovski zien, zijn familie, de cultuur waarin hij opgroeide. In feite zou je erin kunnen slagen jezelf erin te zien, je moeder en er is dat gevoel van Deja Vu dat in je opkomt als je naar deze plekken kijkt. Het is bijna alsof je er bent geweest, misschien in het leven of in een droom die ergens verloren is gegaan. En voor een kunstenaar om iets persoonlijks en intiems te maken, is iets echt niet te zeggen. Het is een film die onderbouwt wat we altijd wisten: cinema is de grootste kunstvorm.

1. 2001: A Space Odyssey (1967)

Net als elk ander item op deze lijst, is ‘2001’ ook een les in het maken van films. Verschillende filmmakers, waaronder Christopher Nolan en Denis Villeneuve, hebben verteld hoe de film hun inspiratie was. Dus ja, de film is een technisch wonder. Maar dat is niet waarom de film bovenaan deze lijst met zoveel geweldige films stond. Het zit bovenaan omdat het een film is die naar een plek durfde te gaan waar nog geen film is geweest. Verdorie, niemand wist zelfs dat er zo'n plek was waar de bioscoop naartoe zou kunnen gaan. En als de kunst van de film ooit een reden of een bewijs nodig had om te bevestigen dat het doel van het bestaan ​​veel meer is dan louter amusement, dan is het hier: het uiterst meeslepende en uiterst mythische '2001: A Space Odyssey'.

Stanley Kubrick verbreedde de horizon van de cinema met bijna al zijn films. Met ‘2001: A Space Odyssey’ gaf hij ook een nieuwe betekenis aan wat cinema kan bereiken. De meerderheid van de filmmakers gebruikt cinema als medium om een ​​verhaal te vertellen. Maar Kubrick gebruikte cinema om vragen te stellen. Wat vroeg hij? Alles, van God tot het doel van ons bestaan. Hoewel ‘2001: A Space Odyssey’ een zeer intelligente sciencefictionfilm op zich is, is het ook zoveel meer. Ik geloof dat het een film is die meer een filosofische zoektocht is om te bepalen of God bestaat. Over hoog mikken gesproken!

.