100 beste Japanse films aller tijden

Ten eerste wil ik wat tijd besteden aan eervolle vermeldingen en bijna-ongelukken: de onaantrekkelijke Miko Naruse's moeizame Floating Clouds, When a Woman Ascends the Stairs, Yearning en het meer te vergeven Sound of the Mountain hebben het niet gehaald. Ik heb geprobeerd genoeg tijd over te laten om aan zijn werk te wennen, maar het interesseert me voortdurend, jammer genoeg. Tampopo, Castle of Sand, the Man Behind the Sun, Angel's Egg, Belladonna of Sadness en The Taste of Tea pasten helaas ook niet bij mijn filmpalet. Om de vloedstroom op een overaanbod van Akira Kurosawa en Yasujirō Ozu af te snijden, heb ik hun voortreffelijke Stray Dog, Scandal of Kagemusha niet meegeteld; noch de aantoonbaar productieve Ozu's I was Born But & hellip ;, Early Summer, Late Autumn, The Only Son, The End of Summer, The Flavour of Green Tea over Rice en A Hen in the Wind.

Houd er rekening mee dat deze lijst voor de beste films is: dus geen van deze films heeft het hoe dan ook behoorlijk op de nummer 100 gezet. Ik wilde gewoon hun kwaliteit erkennen temidden van zoveel andere edelstenen. Zo ook zijn Shohei Imamura's solide maar uiteindelijk onbevredigende Pigs & Battleships, The Pornographers en A Man Vanishes afwezig, samen met Yoshishige Yoshida's prachtige Coup D'état en Wuthering Heights, Kon Ichikawa's bescheiden Conflagration, The Heart and Ten Black Women en Hirokazu Koreeda's wat betreft After Life, Like Father Like Son en Nobody Knows & hellip; die me allemaal opgewonden hebben gemaakt om After the Storm op te zoeken als dit voorbij is. Ten slotte wil ik even de tijd nemen om over het werk van Sion Sono te praten: ondanks gefrustreerd doorzettingsvermogen en wanhopige hoop, kan ik niet zeggen dat een enkel stukje van hem dat ik probeerde de moeite waard was. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance en de verschrikkelijk arme Love Exposure zijn allemaal blindgangers, niet in de laatste plaats de laatste - wat de ergste film was die ik zag op deze reis door de Japanse cinema. Ondraaglijk.

Met dat uit de weg: laten we beginnen. Hier is de lijst met Japanse topfilms ooit gemaakt.

100. Gate of Hell (1953)

Gate of Hell is een luxueus ingerichte historische onderneming en de aantrekkingskracht van Gate of Hell ligt in het prachtige palet van ontwerpen. Geregisseerd door Teinsuke Kinugasa, het meest bekend om zijn bezienswaardigheid uit 1926 Een pagina vol waanzin , het is een nauw verward verhaal dat ongeveer twee pogingen kost om volledig te waarderen, vooral voor westerse recensies die niet bekend zijn met de eregebonden code van Feudal Japan, maar beloont met een rijkelijk vervaardigde twist en sinistere hints naar de bovennatuurlijke dreiging waarop de titel zinspeelt.

99. Lone Wolf and Cub Series (1972… 74)

Een vreemde kanshebber voor de koning van stripboekfranchises, Lone Wolf and Cub volgt een verbannen beul en zijn jonge zoon door middel van een zevendelige serie films die allemaal deze plek op de lijst vormen. Deel III: Babykar naar Hades en deel VI: Witte hemel in de hel zijn de sterkste in mijn gedachten, hoewel ze elk een horloge waardig zijn en sinds dit jaar nieuw verkrijgbaar zijn in de Criterion Collection. Het is een selectie van warme karakterstukken met verleidelijke actie en humor om alle formaliteiten in het verhaal te verduisteren - allemaal de moeite van het bekijken waard en meer dan waard om hier hun eigen plekje te smeden.

98. Ichi the Killer (2001)

Schandalig buiten schandalig, Miike's onverschrokken vlaag van stijl ondermijnt elke behoefte aan inhoud, centraliseert een focus op verdorvenheid en overdaad vanaf het begin en vervult zijn belofte van pijn en bloedvergieten tot op zekere hoogte dat maar weinig films aan de juridische kant van de lijn zelfs maar kunnen bevatten. Het is heerlijk maf plezier met een likje duisternis zo extreem dat je het serieus moet nemen. Ik kan het niet helpen, maar respect Ichi de moordenaar omdat hij zo comfortabel is in zijn eigen absurditeit - en hoewel het titulaire personage een clichématige verveling blijkt te zijn, vindt Miike genoeg momentum in de vroege stadia om door te gaan naar de finish, terwijl ik elke keer verward, perplex en volkomen gefascineerd door de ervaring.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, de man achter de misdaadbundel Strijd zonder eer of menselijkheid , is een kunstenaar die hier een doordringende kwaliteit uitdrukt die zo geweldig is over de bredere Japanse cinema: niet bang zijn om genre-filmproductie te omarmen. Battle Royale is uniek ontworpen als een zeer dwaze satirische komedie en terwijl het onderweg humanistische sporen raakt, maken de rivieren van spetters en onberispelijke komische timing Fukasaku hecht aan zelfs de meest morbide situaties de film tot een absoluut knaller. De beurt van Takeshi Kitano is bijzonder opmerkelijk en schrapt alle noties van respectabiliteit voor een totale aanval op humor en smaak. Battle Royale is rommelig, zoveel is waar, maar de manier waarop het zo onvermoeibaar keer op keer hergroepeert voor weer een aanval op de scepticus is heerlijk. Zonder aarzelen begrijpt Fukasaku het botte wapen dat hij in zijn handen houdt en zwaait ermee met volle kracht. Het feit dat het zijn laatste film was, geeft een zekere waardigheid aan de inspanningen van de man - een zelfmoordmissie die een vreemd bot raakt, je zou in coma moeten zijn om niet minstens een of twee keer prikkelbaar te zijn. Essentieel entertainment.

96. Godzilla (1954)

Een klassieke monsterfilm die wedijvert met King Kong en een van de originele series van Universal, althans in schaal. Godzilla heeft niet de menselijkheid en humor van The Invisible Man of het woeste verlangen van The Creature from the Black Lagoon, maar het is leuk. Het is tot op de dag van vandaag een boeiende ervaring om een ​​grote man in een dodelijk moeilijk pak door Japan te zien trekken, vooral vanwege zijn onontkoombaar bescheiden charme. Het voelt in het moment en ondanks de snelle dateringseffecten is het meer dan welkom om daar te blijven als het overblijfsel van een lang geleden verloren tijdperk - en dit is een betere tijd dan wie dan ook om te hopen dat het gemaskerde hoofdrolspeler is, Haruo Nakajima rust in vrede.

95. Crazed Fruit (1956)

Een vooruitstrevende oprichter van de Japanse New Wave, Crazed Fruit's focus on the flame of youth vindt zijn voeten met een eenvoudig verhaal dat veel verder gaat dan zijn bescheiden parameters: over het hek springen van twee mannen die verliefd zijn op dezelfde vrouw om een ​​indruk weer te geven van de naoorlogse generatie als geheel. Deze mensen zijn fel, onafhankelijk en wanhopig om zichzelf te bewijzen - getekend door de herhaalde ontheiliging van de waarden van hun natie. Het vindt een niche in het vertellen van verhalen die door sociale en politieke contexten heen kaatst - en vertegenwoordigt de brede eerste stappen van de New Wave. Terwijl deze lijst verder gaat, zullen we zien dat de langlevende beweging zich voor altijd naar binnen waagde - gefascineerd of bang en daarbij een verhaal vond dat niet over naties ging, maar over seksualiteit, perversie, geweld, hebzucht, bovennatuurlijkheid en psychose. De Tweede Wereldoorlog kan nog steeds op de loer liggen in deze verhalen, maar ik vind het intrigerend om het zo openlijk aan te pakken als Crazed Fruit deed werd uiteindelijk met focus ontmoet, in plaats van een explosie van thema.

94. The Life of Oharu (1952)

Onze eerste film door Kenji Mizoguchi, Het leven van Oharu bewijst een klassiek aangrijpende karakterstudie die de hoofdrolspeler een afspiegeling maakt van de situatie voor vrouwen in het naoorlogse Japan, iets wat Mizoguchi tijdens zijn carrière bewonderenswaardig deed. Een uitgebreid, complex dramatisch stuk dat tijd gebruikt om de benarde situatie te benadrukken die snel de focus wordt, Mizoguchi produceert een van zijn beste werken puur vanwege de manier waarop hij zo humanistisch omslaat en breekt samen met Oharu zelf - de regisseur ontroerd door de tegenslag waarmee ze wordt geconfronteerd. Het is deze relatie die dwars door het scherm loopt, waardoor de film zijn drama boven geloofwaardigheid verheft.

93.Dromen (1990)

Afgeschreven van de achterkant van zijn eigen onderbewustzijn, dat van Akira Kurosawa Dromen is een schilderkunstige weergave van de binnenkant van de geest van één man: losjes vergelijkbaar met Pastorale behalve dat ze de New Wave-gevoeligheden missen ten gunste van een meer afgemeten, rustige verkenning van Kurosawa's nachtelijke omzwervingen. De resulterende verzameling vignetten onthult iets rauws en unieks over de manier waarop het leven wordt gefilterd door de lens van ons onderbewustzijn - en hierin is misschien wel de meest eerlijke film die Akira Kurosawa ooit heeft gemaakt. Een helder, lief klein juweeltje.

92. Funeral Parade of Roses (1969)

Regisseur Toshio Matsumoto's wijd open kijk op Oedipus Rex (misschien wel de beste bioscoop te bieden heeft), Funeral Parade of Roses markeert een cruciale keerpunt voor alternatieve seksualiteit en gender-uitdagende beelden in de Japanse cinema en brengt zichzelf op de markt zonder de grenzen die de beweging vandaag de dag hebben veranderd. Het is zowel een viering als een kritiek op de menselijke expressie, waarbij het de verwarring begrijpt waarmee de karakters worden geconfronteerd en het omarmt hun eigen beslissingen met nederigheid en vreugde. Dit kritische vermoeden van verwarring is wat definieert Funeral Parade of Roses 'Succes en hoewel ik niet denk dat het de bekronende prestatie van de dierbare overleden Matsumoto is, kunnen we vandaag allemaal leren van de manier waarop het zijn onderwerpen op zo'n eerlijk gebrekkige manier verdedigde.

91. Paprika (2008)

De film uit 2008 van Satoshi Kon wordt vaak vergeleken met die van Chris Nolan Inception - beide gebaseerd op concepten van droominvasie en dwang. Ik denk dat het belangrijkste verschil dat fans over een barricade laat splitsen, het feit is dat Nolans poging een grotere emotionele resonantie en karakterfocus heeft, maar dit alles loopt vast in een vervelende structuur. Kon schrijft 85 minuten lang en vult elk frame met een bedwelmende bloei van energie en kleuroverbrugging tussen lagen met zo'n vrijheid en flexibiliteit in het vertellen van verhalen dat Nolans dichtere werk het gewoon niet bij kan houden. Uiteindelijk staan ​​beide als solide voorbeelden van vakmanschap en vindingrijkheid, maar in termen van wat ik liever aan het einde van een zware dag zou aantrekken, is er geen wedstrijd. En om de enorme hoeveelheid creatieve krachten te ontdekken Paprika bezit in zijn arsenaal, boven gewoon een leuke smaak van Inception - je hoeft alleen maar een blu-ray te pakken en op play te drukken.

90. Ecstasy of the Angels (1972)

Als industriebrede beweging voel ik dat de heersende punten van de Japanse New Wave draaien om seks en geweld. Beide zijn intrinsiek aan het leven en aan kunstelementen die de wereldwijde filmische output blijven vormen, maar ik heb het gevoel dat maar weinig films ze op een geëngageerde manier aanpakken. Ecstasy of the Angels begrijpt zijn eigen vulgariteit. Regisseur Kōji Wakamatsu's voortdurende omgang met dergelijke extreme onderwerpen gaf hem de mogelijkheid om de weergave van brutaal gewelddadige persoonlijkheden aan te scherpen - en het resultaat is een waanzinnige Sid & Nancy-achtige verkenning van anarchistisch zelfverlies, evenals een bittere zweem van romantiek. de blender. Ongeacht je uitzicht aan het einde, het is een wilde rit.

89. Ornamental Hairpin (1941)

Van alle vooroorlogse kunstenaars wiens geheugen door de tijd wordt geabstraheerd, is Hiroshi Shimizu misschien wel de belangrijkste van degenen die dringend behoefte hebben aan herontdekking. Ondanks een overvloedige Eclipse-release door de Criterion-collectie (lastig om te bemachtigen en overal buiten Amerika te spelen), lijkt hij slecht genoemd te worden onder de belangrijkste regisseurs van die periode en ik ben er absoluut van overtuigd dat hij moet worden verdedigd onder de beste van hen. Sier haarspeld werd vrijgelaten toen Japan Amerika de Tweede Wereldoorlog in sleepte en toch is het doorspekt met een hoop en eenvoud die verwijst naar een meer beschaafde tijd - of spreekt op zijn minst tot het pacifisme dat Shimizu van dag tot dag zou hebben geleefd - een conflict negerend hij achtte het barbaars en trotseerde destijds het uiterlijke beeld van Japan. Zonder deze beschrijving in al te veel politiek te vertroebelen, Sier haarspeld is een van de beste kenmerken die Shimizu heeft gemaakt en het is zijn blijvende minimalisme dat zijn prachtig ingetogen resonantie verzekert.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Ik twijfel er niet aan dat ik een wijdverbreide vitriool heb gekregen voor het plaatsen van zo'n universeel bewonderde klassieker zo laag - maar het moet gezegd worden dat onder de talloze duizenden Ugetsu Monogatari behoort nog steeds tot de 100 beste Japanse films ooit gemaakt. Ik heb een duidelijke afkeer van Mizoguchi's vermeende meesterwerk: een aanhoudende wond van soms al te eenvoudige richting die vaak zijn zo vaak perfecte kunstgreep vernietigt en al het eerdere effect ervan ruïneert. Dat gezegd hebbende, zou ik liegen als ik niet zou willen zeggen hoe buitengewoon fascinerend deze film voor mij was toen ik jonger was en, ondanks een teleurstellende reeks rewatches in de afgelopen tijd, de magische momenten waarop alles op zijn plaats valt en Mizoguchi's wonderbaarlijk gecomponeerde, filmisch boeiende en uiteindelijk menselijke aantrekkingskracht kroop terug in mijn aderen. Ugetsu Monogatari glijdt gedeeltelijk op de lijst omdat het een baanbrekend werk is, wat jammer is omdat ik er trots op ben dat ik persoonlijke voorkeur boven status geef: maar de kern van de zaak is dat ik er van wil houden. Op een dag kan de genegenheid snel weer de kop opsteken en zal het meesterwerk van Mizoguchi nog hoger stijgen. De tijd zal het leren.

87. Inferno of First Love (1968)

Parallellen in zijn conceptie traceren helemaal terug naar die van Ademloos en Eric Rohemers meditatieve gezelschap in Mijn nacht bij Maud's uit de lopende Nouvelle Vague, Inferno of First Love is een stille, prachtig innemende observatie van een stel dat samen hun eerste stapjes zet en de uitnodigende, gepassioneerde, nors, koude, vaak lege lucht die om hen heen hangt terwijl ze proberen de connectie te benutten die de titel van de film zo brutaal aan het publiek belooft. Het is een onderhoudsarm kunstwerk dat geduldige kijkers beloont met ontroerende menselijke interactie.

86. Cure (1997)

Het bewerken in Genezen is dodelijk. Het vordert tot een punt waarop je weg wilt kijken, en Kurosawa vult het publiek met een onvoorwaardelijk begrip van de genadeloosheid van zijn film in de manier waarop hij door de huiselijke routine en met bloed bespatte lijken heen snijdt, net zo natuurlijk als ademen; en het is deze uitzonderlijk koude, bijna psychotische acceptatie van de dood in het leven die me doet twijfelen aan de leidende officier, Takabe, en hoe hels de situatie met betrekking tot geweld in Japan zo gewend is geraakt aan brute moorden. Terwijl het beweegt met een trage kruip die de ademloze spanning begint te ondermijnen die Kiyoshi Kurosawa in het stuk heeft kunnen ademen, Genezen is nog steeds een meer dan waardige aanvulling op zijn sterke filmische canon.

85. The Bad Sleep Well (1960)

Akira Kurosawa's zwakste Shakespeare-bewerking blijft een van zijn sterkste films, waarbij hij losjes het verhaal van Hamlet volgt met een barb van bedrijfskritiek in de coulissen. Tegenover andere versies, ondanks zijn tangentiële, zit BSW als een zwakke vertolking van het gerespecteerde stuk waarvan de met dialogen beladen compositie niet de breedte en het gewicht van Shakespeares drama vastlegt - hoewel het wel een unieke Kurosawan-stijl van vertellen cultiveert die een extra dimensie toevoegt aan het bronmateriaal en smeedt een heerlijk meeslepende verhalende beat. Al met al moderner en spannender dan zijn inspiratie, is The Bad Sleep Well een must-see voor Kurosawa-fans die hunkeren naar de vaardigheid en subtiliteit van zijn eigentijdse inspanningen.

84. Tetsuo: The Iron Man (1989)

Tackelen Tetsuo met een zwakke maag is als het nemen van een kogel zonder vest. Samengepakt met een hoop schroot rekwisieten, rommelige sets en pijnlijke speciale effecten - er is een levendigheid aan Tetsuo: The Iron Man ’s het nastreven van het onaangename dat het bewonderenswaardig maakt. Ik heb respect voor de lage prijs die de makers hebben aangewend om de meest vernederende ervaring te bereiken: schokkend met hun beukende geluidsmix en groezelige monochromatische beelden die wat we weten in het rijk van enigma werpen. Zwart-wit schildert zelfs de meest herkenbare objecten waaruit ze bestaan Tetsuo ’s wereld als gruwelijke bastions van het onbekende, kruipend onder spleten en klampt zich aan ons vast om een ​​metamorfose van mutatie te beginnen, zowel gewelddadig als onvermijdelijk misselijkmakend. Het is een werkstuk voorbij het punt van zorg voor de delicate gevoeligheden van het publiek - en dat is precies wat goede lichamelijke horror zou moeten zijn. Tetsuo: The Iron Man is zonder twijfel een van de allerbeste.

83. Black Rain (1989)

Een vreemd getimede film, aangezien het samenging met Isao Takahata's eigen verhandeling over de menselijke tol van de atoombommen die op het hoogtepunt van de Tweede Wereldoorlog werden afgeworpen en handelt over soortgelijke thema's, Black Rain's minderwaardigheid aan het wonderbaarlijke Graf van de vuurvliegjes op geen enkele manier mag het worden genegeerd. De legioenen bewonderaars die terecht rond het werk van Takahata verzamelen, zouden hier in ieder geval moeten samenkomen. Shohei Imamura's eerste film op deze lijst, Zwarte regen neemt een diep tragische, nauwgezette persoonlijke kijk op het gewicht van de nucleaire explosie: het aanpakken van de schuld, de uitsluiting, het verdriet, het verlies en de acceptatie van de gebeurtenis en de ernstige gevolgen van de overlevende op een tactvol rechttoe rechtaan stijl die kenmerkend is voor Imamura, dat is het zijn eigen manier net zo opvallend en direct als Hiroshima mijn liefste dromerige helderheid.

82. Humanity and Paper Balloons (1937)

Een formalistische klassieker in hetzelfde rijk als het eerbiedwaardige oeuvre van Kenji Mizoguchi, behalve dat de even gerespecteerde regisseur Sadao Yamanaka zich nederig houdt waarvan iedereen die van plan is de filmwereld te betreden, kan leren. Zijn andere beroemde foto, De Million Ryo Pot , is een vergelijkbaar kalm, sober gecomponeerd en vakkundig gedramatiseerd verhaal, hoewel ik denk dat De mensheid en papieren ballonnen omdat het erin slaagt een bredere uitspraak te doen over de essentie van het dagelijks leven. Het comfort van zijn speels ambitieuze titel weerklinkt in elk frame en hoewel het geen film is, vond ik het intens meeslepend of zelfs geduldig ontroerend - er is hier iets dat een horloge vereist.

81. Silence (1971)

Aangepast van dezelfde roman die onlangs werd aangepakt door Martin Scorsese, Masahiro Shinoda's Stilte dient als een fascinerende schijnwerper op de verschillen tussen westerse en oosterse filmstijlen. Scorsese's uiterlijk stoïcijnse, harde toon wordt opgevouwen ten gunste van een veel bescheidener kijk onder Shinoda's leergierige hand, waardoor een haar van wroeging en sentimentaliteit mogelijk is in een anders boeiend naturalistische, uitgeklede kijk op het boek. Een scène die Shinoda's bekwaamheid benadrukt om een ​​wereldse sfeer voor zijn religieuze verhaal te ontwikkelen zonder de noodzaak van manipulatie, komt in de vorm van een oude vrouw die zingt voor een kamer vol mensen: er klinkt nauwelijks een woord dat resoneert met het verhaal dat voorhanden is, en dat is ook niet het geval. verdere karakterisering overgebracht - en toch doordrenkt het de rest van de film met een onontkoombare vitaliteit die zo suggestief bezwijkt onder het gewicht van de angst en wanhoop waarmee de priesters en hun discipelen worden geconfronteerd. Ingetogen en aanlokkelijk, zijn nederigheid staat voor mij elke dag bovenaan het legendarische Italiaans-Amerikaanse regisseursstuk.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Het zichzelf onmiddellijk moeilijk maken, Ga voor de tweede keer Maagd bereikt zijn looptijd van 65 minuten met een van de vele ongemakkelijke verkrachtingsscènes. Door een verhaal te verzinnen uit de toevallige relatie van het getroffen jonge meisje met een al even jeugdige, gestoorde moordenaar die van verre toekeek, definieert het korte maar essentiële opus van regisseur Kōji Wakamatsu zichzelf door nooit een verhalende conventie aan het paar te hechten. Aan hun lot overgelaten, onthullingen en gesprekken, maakt de film verrassend gebruik van het overvloedig lage budget met vaak effectieve samenstelling in het karakter van de Japanse New Wave - evenals een confronterende weergave van seksueel geweld veel boeiender, dichter en vooruitziender dan Nagisa. Oshima's beruchte artistieke misfire uit 1976 (en dat is genereus gesteld) In het rijk van de zintuigen .

79. The Sinners of Hell (1960)

Gekenmerkt door een minder dan intuïtief script en een matte plot, De zondaars van de hel slaagt er nog steeds in om zijn plaats op deze lijst te veroveren vanwege zijn anders uitzonderlijke controle over het kunstgreep. Elk montuur is doordrenkt van vochtige verlichting en voorzien van een troebel kleurenpalet, af en toe onderbroken door doordringende rode steken die dienen als een subtiele herinnering aan de pijn die komt. Zie je, Jigoku is een wachtspel: een film die zijn tijd afwacht in de eentonige echte wereld voordat hij in de hel stort. De uitstekende openingsscène geeft het publiek een vleugje bloed dat voorlopig prikkelt in elke andere scène totdat we eindelijk Tartarus zelf mogen ervaren: een stoet van verbluffend setwork, glorieuze kleuren, buitensporige extra's en echte paniek terwijl de personages de tijd krijgen om denk na over de gevolgen van hun daden. Dus hoewel vervelend, beloont de beloning ons met het kijken naar een gerecht De zondaars van de hel minstens een keer voor weinig in de bioscoop komt overeen met zijn intrinsiek tegenstrijdige, griezelig levenloze visie op de onderwereld.

78. Vierentwintig Eyes (1954)

In navolging van de matriarchale plaats van een jonge vrouw aan het hoofd van een klas schoolkinderen en de implicaties ervan voor de omringende samenleving, is Twenty-Four Eyes een feministische tekst die de transcendentale sekseneutraliteit mist van zoiets meesterlijks als Jeanne Dielman, maar zijn plaats als belangrijk behoudt. werk voor sterke centrale prestaties van Hideko Takamine en het Thiassos-achtige verhalende spoor dat loopt van 1928 tot 1946 in een brede studie van interne politiek en de progressie van perceptie door de jaren heen van vrede tot oorlogstijd.

77. Mr. Thankyou (1936)

Hiroshi Shimizu's tactvolle meditatie over onze interactie, Meneer dank u volgt een groep mensen in een bus en verkent allerlei emotionele karakters op de reis van een uur naar hun bestemming (gelukkig wijkt ze af van een busrit die iets later op deze lijst veel minder soepel zou eindigen). Het is een charmant portret van de poëzie in het dagelijks leven dat boven zoveel meer oppervlakkig ambitieuze films op deze lijst uitstijgt vanwege het vermogen om iets meer dan 60 minuten te zitten en te praten zonder een tel te missen. Een kleine schat.

76. Street of Shame (1956)

Wankelend op de rand van een opus, Kenji Mizoguchi's Straat van schaamte is een van de grote zwanenzang - een die put uit alle filmische ervaring van de man tot dusver in zijn carrière en deze samenbrengt tot een actueel, karakteristiek zorgvuldig en opmerkelijk menselijk werk. Mizoguchi woont in een hoerenhuis tijdens de schemering van de legaliteit van prostitutie in Japan, en construeert een prachtig bewegend tapijt van conflicten en schijnbare ‘amoraliteit’ gezien zijn ware gezicht dat de perceptie doorboort en ons in staat stelt om vroegere vooroordelen te zien. Tegenwoordig geniet het publiek vaak van ronduit anti-heroïsche of crimineel ondeugdelijke karakters dankzij de flitsende glitter van GoodFellas en andere leeuwachtige, vaak vrolijk sadistische afbeeldingen van moreel ondeugdelijke karakters. In 1956, vooral tijdens een juridische overgang, moet zo'n film ongehoord zijn geweest. De vrouwen van Straat van schaamte proberen gewoon te leven - en dat maakt hun last des te hartverscheurend.

75. Floating Weeds (1959)

Met recht beschouwd als een van de grootste prestaties van Ozu als kunstenaar, 1959 Drijvend onkruid volgt een reizende groep artiesten en de familieproblemen waarmee ze tijdens hun reizen worden geconfronteerd - met name de hereniging van voorheen gescheiden partijen die het lucratieve theatergezelschap dreigen vrij te geven. Het is net zo krachtig als de beste films van Ozu, maar ik heb hier moeite met een mate van verhalen vertellen, met name de structuur. Tegenover enkele van de latere Ozu-films die we hier zullen tegenkomen, kan het hen geen kaars houden, maar het is op zijn minst een maatstaf van hoe bekwaam een ​​kunstenaar hij was Drijvend onkruid slaagt er nog steeds in om de top 75 te doorbreken in lichtstille, contemplatieve vorm. Nog steeds baanbrekend.

74. Pastoral: to Die in the Country (1974)

Shūji Terayama ’s Pastorale is een sublieme oefening in eigenaardigheid. Het zou naïef zijn als iemand deze specifieke tak van het bizarre ‘surrealistisch’ zou noemen omdat Pastorale is veel minder subtiel dan dat: de korte looptijd vol absurdistische komedie en fantastische beelden inpakken die herinnert aan een herinnering die de regisseur in zijn toekomst heeft meegemaakt. Het onbegrijpelijke van een dergelijke inspiratie is weinig in het licht van de plot en ideeën ervan - hoewel Terayama's laksheid van plot, net als bij zijn eerdere werk, op geen enkele manier afbreuk doet aan de ervaring die hij probeert te bieden - en als zijn magnum opus probeert uit te drukken de woede en passie van een ontevreden jeugd, dan is dit zijn eigen, meer persoonlijke follow-up: een verkenning van een boeiende geest, prachtig gefotografeerd en warm gerealiseerd. Het is gemakkelijk om een ​​film raar te maken, maar om vervolgens de impact van de visuele virtuositeit te accentueren met persoonlijkheid, techniek en regie, is iets wat de man hier bereikt. Het is echt iets om te zien.

73. Perfect Blue (1998)

Een bepalende schreeuw van talent van animator Satoshi Kon, Perfect blauw vindt lichamelijkheid in de interne strijd van een gepensioneerd popidool die probeert haar nieuwe identiteit te vatten - allemaal verpakt in de steeds evoluerende druk van de moderne wereld. Kon's visuele gevoeligheden leiden tot zowel fantastische als zo helaas overdreven filmische momenten, maar ik denk dat het bedwelmende verhalende ontwerp Perfect blauw vindt in de meedogenloosheid waarmee zijn hoofdpersoon zichzelf martelt en, daarbij, wordt gemarteld, duwt het voorbij alle regisseurshik. Het is een metafysisch stuk dat zichzelf in staat stelt om horror echt te maken - dat de grenzen van traditionele geanimeerde functies verlegt voor iets heel duisterder en verontrustender vanwege zijn moed. Ondanks zichzelf schuwt Kon de werkelijkheid niet in zijn voorstelling van mentale degradatie - en dat is wat de anders gedateerde dilemma's van Perfect blauw tot op de dag van vandaag. Een fascinerend, vaak verwarrend animatie-experiment.

72. Dark Water (2002)

Een directe evolutie van het angstaanjagende De ring , Hideo Nakata ’s Donker water vertegenwoordigt de tweede en misschien wel enige andere hit van de regisseur - en een die erin slaagt zijn stijl nog verder te brengen. Het is gezegend met een volwassenheid die aan vele J-Horrors ontsnapt, en ondersteunt de kracht van het drama met een sluwe aandacht voor evenwicht en precisie die mindere artiesten totaal niet zouden kunnen bevatten. Het pulserende nastreven van een onzichtbaar doel weerklinkt in elke scène en maakt van onvermijdelijkheid een wapen, niet alleen van angst, maar ook van dwang.

71. Yûkoko: the Rite of Love and Death (1966)

Yûkoko: het ritueel van liefde en dood is berucht om een ​​aantal redenen, namelijk omdat directeur Yuiko Mishima ook zelfmoord pleegde door middel van seppuku na een mislukte militaire coup. De man was de basis van de allerbeste film van Paul Schrader, Een leven in vier hoofdstukken , en centreert zichzelf hier als een aantoonbaar fascinerend onderwerp - gebruikmakend van Noh-enscenering en sterke compositie om zijn woordeloze boodschap te belijden. De squeam-opwekkende speciale effecten zijn enorm indrukwekkend voor hun tijd, ze simuleren de handeling van Harakiri tot een verrassend effect en zorgen voor de perfecte interpunctie van Mishima's patriottisme. Geen overgave.

70. Akira (1988)

Een glinsterende, neon-geregen mijlpaal van Japanse animatie en de infiltratie van het internationale centrum, Akira markeert een revolutionair punt uit anime en maakt zelfs vandaag indruk met zijn glinsterende kleuren, schattig futurisme en amorfe, afschuwelijke grimmige transformatie van het titelkarakter. Terwijl de verhaalstructuur vol zit met kanttekeningen en niet in staat is een duidelijke richting te vinden om te gedijen, wordt het knallende besef van Akira's actie en meer indrukwekkende animaties maken het zo invloedrijk en agressief boeiende schermen met expressief vervaardigde vignetten en het overstijgen van de slappe kaken van zijn progressie voor iets echt spectaculairs. Het is gemeen, dynamisch en vertederend - een waardige klassieker en een kick-start voor een wonderbaarlijke tijd waarin hoogwaardige animaties worden geproduceerd.

69.Sansho the Bailiff (1954)

Op dit punt moet ik bekennen: ik heb het werk van Kenji Mizoguchi nooit leuk gevonden. Ondanks dat ik verschillende keren geprobeerd heb me een weg door zijn foto's te banen, is er nooit echt iets blijven hangen. Weinig aan zijn werk boeit me en wat er op geschreven niveau is, vervalt in saaiheid zodra hij het zo botweg op het scherm transplanteert. Er is ongetwijfeld verwondering te vinden in het werk van de man, maar het blijft me illusteren. Dit alles in gedachten, vond ik op zijn minst enige troost in mijn heroverweging van Sansho de deurwaarder voor deze lijst - een film die me vroeger gefrustreerd had achtergelaten door de verspilling van zulk krachtig materiaal. Deze poging bloeide uit tot een hernieuwde waardering van Mizoguchi's iconoclastische benadering, een die in zijn eerdere werk leeg aanvoelt. Het is doorspekt met diepgaande scènes en hoewel ik vind dat de film ongeveer 20 minuten te lang duurt - en zou kunnen stijgen tot het rijk van meesterschap in een beknoptere bewegende ruimte - heeft het in ieder geval terrein gewonnen voor de legendarische artiest op deze lijst. Misschien had ik het werk van Mizoguchi hier over jaren hoger opgeschoven - dat kan alleen maar hopen.

68. Onibaba (1964)

Onze eerste film van Kaneto Shindo, Onibaba draait een verhaal van wantrouwen en misleiding - twee stelende vrouwen die worden beïnvloed door een bezeten masker dat al snel zijn eigen agenda zoekt. De sfeer van paranoia die Shindo ontwikkelt door zijn zorgvuldige enscenerende en schokkende verhaal komt neer op het succes van de film in nieuwe personages en evenementen om het gevoel van ongerustheid van het publiek te vergroten, samen met dat van zijn belangrijkste spelers om een ​​uniek parallelle emotionele band te voeden. Maar ik denk vooral Onibaba's blijvende status als een klassieker van de Japanse horrorfilm komt voort uit één opname: een enkel beeld dat zoveel viscerale energie verpakt in zijn verlammende stilte dat ik er fysiek door verrast werd - ontmoedigd om terug te gaan naar Onibaba uit angst om diezelfde angstaanjagende aanwezigheid tegen te komen. In het licht van die ene, perfect beklijvende set frames, verbleekt de rest van de film bijna in vergelijking: maar als je het volledig negeert, zou je het punt van zo'n gecontroleerde opbouw missen, evenals de sensationeel behandelde climax.

67. Sonatine (1993)

Wat altijd indrukwekkend is aan het werk van Takeshi Kitano, is de manier waarop hij zelfs de meest slopende scenario's lichter maakt. De bijna-vermisten Vuurwerk en Gewelddadige agent delen op een bepaalde manier hun plek op de lijst met zijn opus, Sonatine , en ze spreken allemaal over zijn populariteit in geboorteland Japan als filmkomiek en hoe die wortels subtiel doordringen in zijn filmische aanbod. Elk frame dat hij bewoont, schittert - ondanks zijn compositie van donkere en vaak brute verhaallijnen. Zo behendig spelen met onze perceptie van menselijke moraliteit en sympathie is wat Kitano een zo fascinerend figuur maakt als naar voren is gekomen uit de Japanse cinema in de afgelopen decennia - en bewijst, zoals zo bedreven werd gezegd door Rodger Ebert nadat ik het zag Sonatine , dat gruizige misdaadstudies geen diepte hoeven op te offeren voor engagement a-la Tarantino met zijn oppervlakkige monologen en mondstuk ‘karakterisering’. Kitano kan beide.

66. Demons (1971)

New Wave-watermerk Toshio Matsumoto verbaasde 2 jaar eerder met zijn voortreffelijkheid Funeral Parade of Roses en 71's demonen handhaaft zijn zintuiglijke momentum met een grimmig geschoten nachtlandschap dat elk beeld onderdompelt in volslagen duisternis - alleen plaatsen en spelers verlicht in de nachtmerrieachtige duisternis. Andere regisseurs hebben met deze techniek geëxperimenteerd, misschien een vroegst opmerkelijk voorbeeld dat ligt bij de ondervraging van Louis Malle in Elevator to the Gallow - maar weinigen hebben het tot dergelijke invasieve effecten geduwd - elk schot wekte een uitgebreid gevoel van angst en, cruciaal, wanhoop. Hoe dicht de hoofdrolspelers ook komen om aan hun bovennatuurlijke aanvallers te ontsnappen, niets is ooit veilig. Dat is duidelijk een voorbeeldige existentiële horror.

65. Still Walking (2008)

Ik denk dat de torenhoge schaduw van Yasujiro Ozu een aanzienlijke schaduw kan werpen over elke dramatische filmmaker, en de zeer gewaardeerde Hirokazu Koreeda is misschien wel de belangrijkste onder de getroffenen. De man probeert de vergelijking te omzeilen door zijn werk te vergelijken met dat van Ken Loach, meer dan de Japanse legende, maar een dergelijke gelijkenis is onontkoombaar en wijst op verschillende tekortkomingen in de methode van Koreeda. Ozu nodigt je uit om met zijn personages te gaan zitten en ontrafelt geleidelijk het punt van het verhaal, terwijl Koreeda zijn camera in dezelfde kamer als het drama steekt en gewoon stilletjes observeert. Zijn stijl is een stuk minder direct, doet enigszins denken aan de techniek van de Taiwanese meester Hsiao-Hsien Hou, maar nog meer afstandelijk.

Dit alles in gedachten, leidt Koreeda's weigering om binnen te dringen echter wel tot enkele krachtig intieme momenten later op de lijn - waar hij begint te bloeien terwijl de personages ons in staat stellen de zes graden van scheiding tussen hun wereld en de onze te overbruggen. Iets eenvoudigs als een persoon die een piano nadert, extreme ongelijkheid in focus die het belang van de scène onderstreept, doet wonderen door het publiek een kleine, suggestieve glimp te geven in de hoofden van zijn personages. Inderdaad Nog steeds aan het wandelen is een bolwerk van hoop dat de filmmakers van het hedendaagse Japan aanmoedigt om in de plooi van familiedrama te vallen en ernaar te streven het te doordrenken met dezelfde dwang en impact als artiesten als Ozu en Naruse al die jaren geleden deden. Met regisseurs als Sion Sono op het toneel, is het een geschenk dat mensen zoals Hirokazu Koreeda nog steeds in de buurt zijn om boven de louche onderbuik uit te komen en ons zoiets stils en boeiend te geven in zijn portret van het leven in de buitenwijken.

64. Confessions Among Actresses (1971)

Een brutaal eerlijke, karakteristiek open film - niet anders dan de meedogenloze inquisitie van Winterlicht - Yoshishige Yoshida ’s Bekentenissen onder actrices volgt de trauma's die ervoor zorgden dat drie vrouwen zich inzetten voor hun vak - de eerste film van de regisseur in kleur en, fascinerend genoeg: een film die in deze nieuwe, blozende rijkdom aan kleuren veel van zijn extreme camerawerk weghaalt voor een saaie, blote zoektocht naar de waarheid en het effect ervan op deze mensen. Openbaring is, op zijn eigen manier, een vorm van genezing- en die van Kiju Yoshida Bekentenissen onder actrices werkt wonderwel als een debat over dat idee.

63. The Ballad of Narayama (1984)

De ballade van Narayama vertegenwoordigt misschien wel de beroemdste film van Shohei Imamura, op zichzelf een remake van een al even gerespecteerde klassieker. Wat Imamura's stuk onderscheidt, is zijn tactiele benadering van menselijk handelen - gefascineerd door de grimmige reacties en gemuteerde psyches, grote emotionele druk op de geest van een man of een vrouw. Zijn eerdere films behandelden dergelijke onderwerpen veel beter, maar ik denk dat dat niet uitsluit De ballade van Narayama van staande tussen hen. Het bekende volksverhaal is een even zorgvuldige studie van menselijk gedrag en hoewel het de morbiditeit mist die zijn jaren '60 werk zijn beet gaf, levert Shohei Imamura nog steeds een bevredigend, medelevend, echt kunstwerk.

62.Mandara (1971)

Mandara is op zijn eigen manier een van de meest cinematisch fascinerende films van de vroege jaren zeventig. Uitdagend maar universeel lonend qua thema, fotografie en de verbazingwekkende sfeer die het creëert - het is een ongeëvenaard vreemd werk dat zijn weg naar de bovenste regionen van deze lijst zou hebben gevonden als ik tijd had gehad om dieper in zijn rijk bizarre wereld te duiken. Het volstaat om te zeggen: dit weinig geziene New Wave-juweeltje is een absolute must.

61. The Tale of Princess Kaguya (2012)

De eerbiedwaardige Isao Takahata's 2012-terugkeer naar vorm na de verbluffende 1988 Graf van de vuurvliegjes , Het verhaal van prinses Kaguya is gewoon prachtig. Een familiefabel die geschikt is voor elke leeftijd, de absoluut mooie animatiestijl grijpt terug naar klassieke ontwerpen die in een deken van wit zijn geverfd - een back-to-basics-ideaal dat sindsdien eigenschappen in meer dan één medium heeft geïnspireerd. De verreikende esthetische aantrekkingskracht van Kaguya wordt niet helemaal overschaduwd door het verhaal, maar de lichtgevende filmische dwang is nog steeds onvermijdelijk bedwelmend van begin tot eind en vereist aandacht van elke animatiefan.

60. Uw naam (2016)

De meest recente film op deze lijst, van vorig jaar Uw naam is een openbaring. De populaire cinema in Amerika kan vaak zo levenloos en cynisch zijn, dat zelfs de indiescène ervan meer door roem dan artistieke verdienste begint te worden aangetrokken (om de voor de hand liggende uitzonderingen op deze groeiende observatie niet in diskrediet te brengen). Ik zeg dit allemaal omdat het na het bestuderen van hedendaagse Japanse releases voor deze lijst opwindend is om een ​​film te hebben die zo geweldig is als Uw naam net zo succesvol zijn in de mainstream als het was. Japan is sindsdien zowel overspoeld als begiftigd met een hele reeks geanimeerde functies Akira in 1988 en terwijl het ruwe de diamanten eronder vaak overspoelt, brak een film van deze sterke met gemak door. Zonder inleiding of commentaar gewoon zien Uw naam . Het is iets met het hart en de eerlijke bedoelingen waarvan we allemaal een les kunnen trekken van vandaag.

59. Nausicaä of the Valley of the Wind (1984)

Nausicaä van de Valley of the Wind is een vroeg bastion van de sublieme vaardigheid van animatietitaan Hayo Miyazaki als kunstenaar. Het vertellen van verhalen is voortreffelijk - het bouwen van een soort sombere apocalyptische toekomst alsof in onze eigen wereld met vrijheid van richting en prachtige realisatie van de unieke flora en fauna van het land - allemaal bevolkt met een diverse cast van eenzame zielen die de sluipende erkenning van hun ongewenste wereld wonderbaarlijk. De eerste van vele echt oprechte, originele en heerlijk geïnspireerde werken van Miyazaki.

58. Zullen we dansen? (1996)

Ik denk dat wat scheidt Zullen we dansen? van elke andere ‘levensbevestigende’ film is hoe serieus het is. Akira Kurosawa's eigen verhandeling over vervulling (of gruwelijk gebrek daaraan) in Ikiru staat in schril contrast met de onschadelijke charme hier - een die op natuurlijke wijze ontkiemt en in ons hart sluipt, in plaats van zich een weg naar binnen te krabben door cynisch gedreven plot-punten. Het is een prachtige film - een film die zo'n hoge positie heeft gekregen vanwege hoe vreugdevol geloofwaardig het verhaal is en hoe comfortabel regisseur Yoshikazu Suo is met zijn product. Een genot.

57. Akitsu Springs (1962)

Kiju Yoshida's grote doorbraak, Akitsu Springs vertegenwoordigt de dageraad van iets speciaals binnen de rijken van de Japanse New Wave. Al in 1962 was Yoshida in staat om de psychoseksuele focus van veel Japanse films op dat moment naar een hoogtepunt te brengen en de innerlijke diepten ervan met een onberispelijke nauwkeurigheid te dichten - een fascinatie die hij alleen maar zou blijven scherpen naarmate de tijd verstreek. Een reeks vergelijkbare fantastische follow-ups bevestigde hem als een belangrijk lid van de beweging, maar voor mij is het dat wel Akitsu Springs dat geldt het sterkst als de eigenaar van zijn filmische genie.

56. Een vrouw bekent (1961)

Onze eerste film met dank aan de productieve Yasuzo Masumura, 1961's Een vrouw bekent is een bekroning van de vroege Japanse New Wave. In navolging van een vrouw die beschuldigd wordt van de zogenaamd accidentele dood van haar echtgenoot, legt het de golven van agressie, cynisme en afleiding vast die kenmerkend waren voor de duistere kant van de Japanse cinema op dat moment, behalve zonder het vaak bloedige, brute geweld ervan. Wat we hier hebben is geweld van de geest, geschoten door stemmen die van bitterheid zijn weerkaatst en bekeken door ogen die lachten om een ​​of andere armzalige, levenslange gevangenisstraf om hun eigen ellende mee te vergelijken. Het is de verhulde morbiditeit van Een vrouw bekent dat geeft een gewichtige handomdraai aan zijn maatschappelijke beet.

55. Diepgaande verlangens van de goden (1968)

Shohei Imamura ’s langste film, Diepgaande verlangens van de goden is misschien ook de film die zijn stijl het meest illustreert. Na de gespannen dynamiek van een geïsoleerde kolonie en de ontluikende romantiek die in haar kielzog bloeit, zorgt Imamura's ietwat afwijkende richting en doordringende glans van bijna journalistieke integriteit voor een fascinerend document over het inheemse leven, de liefde en hoe we onlosmakelijk worden aangetrokken door onze eigen verlangens- hetzij door een bewust gedeelde oerdrang, of door een of ander immaterieel implantaat dat rechtstreeks van bovenaf wordt gestuurd. Uiteindelijk was Imamura's hoofdvraag aan mij moeilijk te beantwoorden: is het gemakkelijker om te accepteren dat onze goden wreed zijn, of dat wij dat zijn?

54. The Human Condition deel 1: No Greater Love (1959)

De eerste in een epische filmtrilogie, The Human Condition deel 1: Geen grotere liefde is een film die de precedenten zou scheppen voor de follow-ups - een lijst van zowel sterke als zwakke punten waar regisseur Masakai Kobayashi alleen achteraf van kan leren, en nooit helemaal de perfecte balans voor zijn enorm ambitieuze stuk duidelijk maakt. Geen grotere liefde bevat verschillende onsterfelijke momenten, met name een executiescène die 10 minuten duurt en de ziedende toorn van de onderdrukte Manchu-bubbel voorbij de angst ziet, alle kanonnen en prikkeldraad inspireren tot iets dat bijzonder resoneert tot op de dag van vandaag - evenals het einde van een boog voor meerdere karakters. Het is een te lange, oververzadigde en uiteindelijk ondoelmatige film & hellip; maar het is ook een meesterlijk behandeld onderzoek naar de tol van oorlog. Extreem onevenwichtig, De menselijke conditie In het openingshoofdstuk vindt u voldoende grond om een ​​film te vormen die niet verwerpelijk of uitzonderlijk is: maar een die nog steeds meer dan waardig genoeg is om hier de top 60 aan te boren.

53. Gooi je boeken weg, Rally in the Streets (1971)

Gooi je boeken weg, Rally in the Streets is een stroom bloed naar het hoofd. Een levendige, lusteloze opstelling van losgekoppelde vignetten die een levendig beeld schetsen van de onthechting van de Japanse jeugd van oude waarden. Een afwijzing van formalisme voor iets heel moderners, futuristisch - in stukken gesneden en toch totaal comfortabel in zijn eigen onbegrijpelijkheid. Het is de creatieve aard van de industrie die tot uiting komt in de hoofden van de jongeren, wat resulteert in een verrassende, aanlokkelijke en vaak verbijsterende batchscènes. Er zijn maar weinig films, zelfs uit de Japanse New Wave, die hetzelfde rigoureus opstandige vuur kunnen aansteken.

52. Red Angel (1966)

De enorm productieve meester Yasuzo Masumura werkte alleen in de jaren zestig aan maar liefst 33 films en een van de hoogtepunten van zijn aanzwellende oeuvre is de sublieme Red Angel uit 1966. Gericht op een romantisch geëngageerde jonge verpleegster die in oorlogvoering wordt geduwd, ontwikkelt Red Angel zijn slopende wereld uitzonderlijk goed: te beginnen met de legioenen veteranen die zijn gesaldeerd met littekens en bespat met hun eigen bloed en zweet op de operatietafel in een groezelig, vervallen complex. voordat ze uiteindelijk in de smeltkroes van dit dodelijke conflict worden gegooid. De tastbare angst is een kenmerk van Masumura's overdadig impressionistische randje - en markeert hem als een bepalende, helaas overschaduwd stem van de nationale cinema in de jaren zestig.

51. The Man Without a Map (1968)

Een jammerlijk ondergeziene inzending uit Hiroshi Teshigahara's onberispelijke oeuvre, plichtsgetrouw overschaduwd door zijn torenhoge oeuvre van '62 tot '66, 1968's De man zonder kaart ziet de rigoureus iconoclastische regisseur de overgang van grimmige zwart-wit- naar verleidelijke kleurenfotografie: starend over het uitgestrekte labyrint van het industriële Japan met een somber, ietwat saai palet dat zo rijkelijk het onverzadigde verlangen van de protagonist naar antwoorden weerspiegelt. De man zonder kaart rent in rivieren van twijfel en verwarring, landt zijn detective in diep water voor de kleinste invallen en geeft hem zelden een seconde de tijd om te ademen en de uitgestrektheid van dit alles in zich op te nemen.

Teshigahara verstedelijkt op speelse wijze de martelende achtervolging van zijn hoofdrolspelers met een wereld die catharsis bij elke stap ontkent, en becommentarieert de onophoudelijke onzekerheid van het moderne leven met duivelse precisie. Hij verlaat de genuanceerde bovennatuurlijkheid en het surrealisme van zijn eerdere werk voor een veel meer gefundeerd stuk dat als resultaat misschien nog meer beklijvend is dan de Sisypheïsche lijdensweg van Vrouw in de duinen of Valkuil onnadenkend, gevoelloos voortschrijden van de dood. De man zonder kaart treft ons op ons thuisveld en daarom is het zo verwarrend - zo zenuwslopend - en waarom het tot op de dag van vandaag zo'n vitaal stukje cinema blijft.

50. The Insect Woman (1963)

Onze vierde film tot nu toe van de vereerde meester Shohei Imamura, de ietwat respectabelere kant van Nagisa Oshima's meer gevaarlijk buitensporige munt, The Insect Woman is een voorbeeldige weergave van waarom Imamura's visie op seksuele politiek altijd veel fascinerender was dan die van zijn controversiële tijdgenoot. Het is een film van weelderige visuele controle: zijn beelden voorzien van betekenis en gewicht, evenals een heerlijke esthetische kracht die zoveel betekenis geeft in zwart-wit - Het dagelijkse leven van de vrouw wordt geteisterd door een zee van zwart en wit die zozeer in mysterie verandert, als in Tetsuo: The Iron Man . De griezelig vooruitziende openingsscène, hoewel eenvoudig, naait de zaden van de Kafkan-kooi Tome (prachtig gespeeld door de welverdiende Sachiko Hidari) wordt geplaatst in en verwijst naar de monsterlijke implicaties van Imamura's vicieuze titel in bewegingen. Het is moeilijk om te zien, niet in het minst geholpen door Imamura's problemen met het tempo, maar het blijft echt een vitale cinema.

49. Pulse (2001)

Kiyoshi Kurosawa is gestaag boven zijn klasse gestegen onder het gewicht van zijn bekende naamgenoot met een fantastische reeks onheilspellende inspanningen, maar geen enkele heeft de overweldigende leegstand van de jaren 2001 overschaduwd. druk op . Druipend van angst en scherp gebruikmakend van tijdige technologische referenties zonder er zodanig op te vertrouwen dat het beeld verouderd, druk op is een buitengewoon angstaanjagende kijk op moderne spookachtigen die veel effectiever gebruik maakt van het bekende gezicht van zijn Yūrei-geesten dan veel meer beroemde afbeeldingen van de bleke stalkers.

48. Battles Without Honour of Humanity (1973 & hellip; 1975)

Kinji Fukasaku's meerdelige misdaadbundel is De peetvader elke drug opgekrikt onder de rijzende zon. Vrij van het vaak overheersende structuralisme van Coppola's perfectionistische stuk, filmt Fukasaku geweld als jazz terwijl hij een heersende criminele familie door de jaren heen volgt - vaak duikt hij in nodeloze hyperstylized hoeken en monteert hij om het vluchtige effect van zijn kinetische montage te verzekeren. Hoewel het een complexe karakterontwikkeling, thematische resolutie of zelfs basissmaak mist, leeft er iets zo zinderend in Strijd zonder eer of menselijkheid dat ik het niet kan helpen, maar er dol op ben. Elke film draagt ​​bij aan de laatste en vertegenwoordigt samen een hoogtepunt voor de populistische misdaadbioscoop in het Japan van de jaren 70. Er kan maar weinig in de buurt komen.

47. Kwaidan (1964)

Masakai Kobayashi's karakteristiek goed gemaakte Horror-bloemlezing, Kwaidan, is een meeslepende duik in het mysterie en de boosaardigheid van oude Japanse fabels, de middeleeuwse wortels van J-Horror's diverse cast van griezelige verschijningen en onontkoombare vloeken. Het meedogenloze gebrek aan genade of uitstel dat alomtegenwoordig is in de bloeiende horrorscène van Japan wordt hier aangeraakt door de hand van een meester, wat resulteert in een visueel weelderige edelsteen die erin slaagt alarmerende nieuw leven te blazen in anders gedateerde verhalen. Het is zonder enige twijfel de beste Horror Anthology ooit gemaakt: met de onvervalste stem van een voortreffelijke filmmaker die luid en duidelijk klinkt, is J-Horror iets om bang voor te zijn. Tientallen jaren later zitten we nog steeds vast in zijn griezelige greep.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

Het vernietigende stukje pop-artgenie van een vlammend buitenbeentje Seujin Suzuki, Tokyo Drifter gaat af als een vuurwerk en geeft meer aan zijn stilistische rand dan zelfs Quentin Tarantino en Martin Scorsese vandaag kunnen beweren. De vurige invloed van de film markeert met name hun montage en benadering van actie - niet ongelijk aan de manier waarop Goddards eindeloos overdreven Ademloos blijft de manier waarop we snijden vormgeven. In veel mindere mate sluipt Suzuki's stuk weg in zoveel frames van de moderne misdaadbioscoop, maar het is het sterkere voorbeeld van stijl die alle behoefte aan inhoud verjaagt: het vuurwerk gaat af als een vuurwerk met zappige neoneffecten die karmozijnrode glorie opwekken bij elke hagel geweervuur. Gemaakt door een meesterchoreograaf aan de top van zijn spel- Tokyo Drifter is pulp cinema op zijn best. Elektrisch en nog steeds een groot vat plezier.

45. Grave of the Fireflies (1988)

Op het eerste gezicht een inverse van Hayo Miyazaki's fabels voor het universele publiek, de eerbiedwaardige Ghiblian-icoon Isao Takahata Graf van de vuurvliegjes staat als een van de meest geprezen animaties ooit gemaakt - zwaar emotioneel gewicht geboren uit het meesterlijke gebruik van het medium. Voorbeeld: Graf van de vuurvliegjes zou niet zo universeel gewaardeerd of zelfs opmerkelijk zijn als het genoemd verhaal in het rijk van de realiteit zou hebben aangepakt. De lens van Takahata is echter getekend. Zijn beelden zijn geïnjecteerd met een elegantie en onschuld die kenmerkend zijn voor de kindertijd, een die perfect past bij de situatie van zijn hoofdrolspelers. Hoewel ik er zeker van ben dat het voor sommigen een batant-schakelaar overkomt, hebben maar weinig films de kunst van het animeren zo bedreven gebruikt om de kracht van hun boodschap gracieus te accentueren. Verlammend anti-oorlog, Takahata's expressief elegische beelden beginnen te botsen tegen de overweldigend trieste opzet van het verhaal: een vleugje cynisme laten ontsnappen uit zijn luchtdichte esthetische greep - hoewel het van weinig belang is. Graf van de vuurvliegjes is een beklijvende en vaak mooie ervaring in oorlogstijd.

44. De Samurai-trilogie (1954-55-56)

De heerlijk aansprekende populistische serie van regisseur Hiroshi Inagaki, een uitgelezen strook van swashbuckling entertainment, is een mijlpaal in het maken van actie-avonturenfilms en misschien wel de beste trilogie die het subgenre siert. Geleid door een zoals altijd uitstekende uitvoering van Toshiro Mifune en pokdalig met kleine glimpjes van volwassenheid, vooral aan het einde van de eerste film, worden Inagaki's relatief onschadelijke en incomplexe verhalen ondersteund door een even scherp en opwindend begrip van filmische actie als de jaren 1950. te bieden hebben. Zijn beweging van de camera is opwindend en regisseert acteurs met een wreedheid en kracht die de trilogie helpt bij het overwinnen van de verhalende droge spreuken met de toevoeging van een spannende reeks zwaardvechten. Het is niets bijzonders op een dramatisch front, maar het heeft genoeg passie voor het vak en verrassende soulfulness in zijn successen om zo'n hoge plaatsing te rechtvaardigen. Vitale kijkervaring voor fans van avontuurlijke cinema.

43. The Birmese Harp (1956)

Kon Ichikawa's ontsnappingsstuk over een Japanse soldaat die het land binnenglipt dat hij ooit bezette en die probeert vrede te vinden in de pijn van een naoorlogse wereld, De Birmese harp heeft begrijpelijke kritiek gekregen vanwege de vaak botte weergave van oorlog: meer dansende pelotons en gemakkelijke plot-point bewegingen dan een volledige, boeiende kijk op de tijd. Paradoxaal genoeg denk ik dat wat helpt De Birmese harp het overwinnen van deze problemen is het hart erachter. Ondanks zijn overvloedig gecontroleerde vertelkunst, weeft Ichikawa prachtige beelden door de hele film heen - waarbij hij elke scène in minstens één kadertableau siert dat, hoewel hij bijdraagt ​​aan het statische sophomoricisme van zijn regie, er effectief in slaagt om de stemming over te brengen - met name in een reeks waarin de dood wordt gedreven. soldaten worden neergeslagen door mortieren en onze held wordt wakker temidden van een bloedige zee van lijken: met geïnspireerde shots die meer lijken op de verbluffend strakke compositie van Rembrandt dan welke reguliere oorlogsaffaire dan ook. Het is in zekere zin simplistisch, maar zijn zwakheid overschaduwt nooit de collectieve impact die Ichikawa's verhelderende fotografie en onwankelbare nederigheid creëert.

42. A Page of Madness (1926)

Het vroegste stuk op deze lijst, Een pagina vol waanzin is een hoofdbestanddeel van de stille Japanse cinema vanwege zijn klinkende esthetische stem: een stuk dat de waanzin en de bruisende creatieve vonk heeft geïnformeerd die zelfs vandaag de dag de meest wonderbaarlijke werken van hun industrie voeden. Zijn portret van een gesticht mist de nuance of diepgang van zoiets Titucut Follies of zelfs de mensheid van One Flew Over the Cuckoo's Nest in fictieve vorm - maar de transcendente afweging van deze mijlpaal uit 1926 is een grotere waardering voor de Japanse vooroorlogse cinema buiten dramatische titanen als Ozu, Mizoguchi, Yamanaka en Shimizu. Wat we hier hebben, is een bron van hun nog steeds stromende rivier van cinematografisch uitdagende, stilistisch provocerende en opzettelijk gevaarlijke stukken werk die des te fascinerender is met deze groep tragische kunstenaars in gedachten.

41. The Hidden Fortress (1959)

De beruchte kleine franchise Star Wars van George Lucas is gebouwd op de achterkant van The Hidden Fortress, waarbij A New Hope alles heeft gestolen, behalve het komt uit dit uitzonderlijke avonturenverhaal. Het is een schande om te zien dat deze ‘onofficiële remake’ wegkomt met moord en Kurosawa's film verplettert onder het gewicht van zijn kolossale aanhang - omdat The Hidden Fortress een veel waardiger klassieke film is dan de serie van Lucas ooit zou kunnen zijn. Boordevol spannende actie, hilarische karakterisering en een sterke visuele flair die zelfs bij Akira Kurosawa gebruikelijk is. Dit alles in gedachten, ik misgun Star Wars dit niet - ik wou dat Kurosawa's briljante werk in één adem werd gehouden.

40. The Human Condition pt 2: The Road to Eternity (1960)

Het door de strijd gebeten stuk uit de epische trilogie van Masakai Kobayashi, De weg naar de eeuwigheid dient als een aanzienlijk Japans oorlogs-epos dat geschikt is om iedereen te betwisten Saving Private Ryan , zo niet zo gevaarlijk als zoiets als Sam Fuller De grote rode of zelfs Stalen helm . Het behoudt de rommelige ethische obsessie van The Human Condition deel 1: Geen grotere liefde maar slaagt erin daarop voort te bouwen met viscerale gevechtservaring en een afgemeten, consistente benadering van de personages die wordt onderstreept door hun leven en dood in een dodelijk deel van de menselijke geschiedenis. Zoals bij elk verdergaand segment, De menselijke conditie komt steeds dichter bij het bereiken van zijn naamgenoot en hoewel deel 2 deze ambitie niet realiseert, probeert het in ieder geval. Meer dan we kunnen zeggen voor de meeste films uit die tijd.

39. Heroic Purgatory (1970)

Onmiddellijk onbegrijpelijk, expressief en visueel verwarrend: Heroic vagevuur is een perfecte primer voor de uitzonderlijke filmografie van Yoshishige Yoshida. Zijn prachtig buitenaardse esthetiek is vaak desoriënterend - elk schot verbuigt onze relatie met de ruimte, elke fragmenterende tijd verschilt niet van het hectische, door herinneringen geïnspireerde verhaal van Alain Resnais - en in alle eerlijkheid maakt hij de plot van Heroic vagevuur in het bijzonder echt moeilijk te volgen en te begrijpen. Zijn gefragmenteerde verteltechniek legt nog meer druk op het verlangen van een minder open publiek naar een totaal samenhangende vertelervaring, maar de ondefinieerbare geneugten die in Yoshida's verwrongen wereld liggen, doen recht aan hun precedent over strak gestructureerde verhaallijnen. Omschrijven Heroic vagevuur zou onmogelijk zijn. Het zou een misdaad zijn om het niet puur vanwege zijn eigen onmogelijkheid aan te bevelen.

38. Intentions of Murder (1964)

Shohei Imamura ’s sombere drieluik van Varkens en slagschepen, Intentions of Murder en De pornografen raakte het onbetwiste hoogtepunt van het dode punt met een film die met gevaarlijk detail de benarde situatie observeert van een vrouw die flirt tussen een vernederende relatie met haar man en een gekwelde affaire met haar verkrachter. De eerste ontmoeting van laatstgenoemde en de scène die er direct op volgt, zijn prachtig beknopte voorbeelden van hoe subliem lelijk de werelden van Imamura kunnen zijn en hoe menselijk contact zijn personages vaak tot het uiterste kan drijven, velen zouden kunnen proberen in diskrediet te brengen als onaanvaardbaar. In werkelijkheid, Intenties van moord wrede maar eerlijke studie van onderdrukking en een zieke vrijheid door middel van vleselijke expressie slaagt erin een even nauwkeurig portret te geven van ieder van ons in dezelfde situatie als zijn beste films.

37.Moord (1964)

In het jaar waarin Masahiro Shinoda in 1964 twee keer uitkwam, waren twee van de beste films die het land tot nu toe heeft geproduceerd, te zien, waarvan de laatste was Moord . Een lichtend voorbeeld van comfort op schaal, Moord weeft een thematisch niet-ambitieus drama dat genoeg uit zijn eenvoudige verhaal haalt om te worden gezien te midden van de fijnere films op deze lijst: zo prachtig belicht en gefotografeerd als elke film uit het midden van de jaren 60 met actie die zo nauwkeurig en krachtig is als je zou verwachten van de stallen van Shinoda. Het is een ondergewaardeerde nabootsing van de mentale toestand, terwijl wilde geruchten over het doelwit worden vernietigd en overal worden onderdrukt en een verhaal vormen dat oproept in zijn momenten van onvoorspelbare onbegrijpelijkheid - snel overschakelen van de realiteit naar het verleden om zowel het publiek als verschillende bezorgde groepen potentiële klanten achter te laten. moordenaars op het scherp van de snede van triomfantelijke overwinning en zeker dodelijke nederlaag.

36. The Naked Island (1960)

Kaneto Shindo's stoïcijnse onderzoek naar een rustig plattelandsleven, The Naked Island, bevat bijna geen gesproken dialoog - de focus verschuift volledig naar zijn beelden om zijn verhaal te vertellen of, nauwkeuriger, om zijn gevoel te creëren. Shindo's iconoclastische benadering van het maken van films leidt tot een aantal prachtig resonerende beelden in zijn filmografie, maar terwijl de beelden van Onibaba en Kuroneko hun verhaal versterken in kleine vakken met visuele inspiratie - The Naked Island is 96 minuten essentiële fotografie. Het weeft samen op een manier die Bergman doet blozen, een gemoedstoestand cultiveert en het laat bloeien tot iets universeels en beïnvloedends. De rust en beproevingen waar Kaneto's kleine eilandbewonersfamilie elke dag mee te maken heeft, bijna als een merkwaardig optimistische inverse van Béla Tarr's The Turin Horse. Wat het ontbreekt aan de verpletterende kracht van die film, ontwikkelt Shindo zich in plaats daarvan tot een rituele viering van het menselijk uithoudingsvermogen en de natuurlijke schoonheid die zo'n inspanning kan schenken. Vertederend, verhelderend en een onmogelijk boeiende kleine ervaring.

35. Branded to Kill (1967)

Als de eerder genoemde Sejiun Suzuki zijn stilistische hoogtepunt zou bereiken met de jaren 1966 Tokyo Drifter , een film die zo werd beschimpt door zijn producenten dat ze zijn vervolgfoto's vervloekten tot krappere budgetten en elke kans dat hij kleur gebruikte, wegnam, Gebrandmerkt om te doden zou zijn creatieve hoogtepunt worden en een perfect voorbeeld van kunst door tegenspoed. Het opwindende magnum opus van de man, Gebrandmerkt om te doden volgt een huurmoordenaar die probeert een nog dodelijkere huurmoordenaar te illusteren terwijl hij zich een weg baant door legioenen goons en een bliksemschicht. Het is voor altijd scherp zonder zijn gruis te verliezen, reikt voorlopig naar dramatischer ambitieuzer terrein en slaagt er nog steeds in om omgevingen vol anonieme slechteriken te pakken zodat onze antiheld in groten getale kan neerschieten. Branded to Kill's stijl die er nog steeds in slaagt om naar betekenis te zoeken, ongeacht het resultaat, is wat het markeert boven de rest van het pakket.

34. The Sword of Doom (1966)

Actiemaestro Kihachi Okamoto’s stijlvolle piloot voor een helaas geannuleerde trilogie, The Sword of Doom, is de ultieme filmische catharsis. Het is een vakkundig gechoreografeerd vertoon van duivels zwaardvechten terwijl de leidende legende Tatsuya Nakadai het opneemt tegen Toshiro Mifune en een eindeloze horde naamloze goons die er alles aan doen om te laten zien hoe dodelijk het titelwapen kan zijn. Tientallen vallen voor het lemmet, met name in de glorieus roekeloze, onopgeloste slotscène van de film, en hoewel de toewijding aan het vertellen van verhalen en het karakter op zijn best tangentieel is, zorgt de sfeer en de regisseurs bravoure ervoor dat het niet zomaar een actie-hoogtepunt wordt. Het is de moeite waard om door te kijken tot het bittere, bloedige einde.

33. Hausu (1977)

Een hoog compliment dat iemand voor een rare film kan betalen, is dat het raar blijft. Velen van ons hebben iets vreemds genoemd omdat we niet-ingewijden zijn - alleen om te ontdekken dat het vermeende eigenaardigheid verbleekt in vergelijking met latere filmische ontdekkingen. Dat is de weg van onze weg door film, en dit is een zeer langdradige manier om dat te zeggen Hausu is totaal mentaal. Voortdurend gekweld door een soms geïnspireerde, vaak raspende maar altijd krankzinnige achtergrondmuziek en gevuld met scènes van schoolmeisjes die vechten tegen bezeten watermeloenen, opgegeten worden door moordende piano's en ontsnappen aan een griezelige fantoomkattenhel die erop uit is elke ziel die over de drempel komt te vervloeken. Kortom, het is Ju-On maar met het zelfbewustzijn en de duizelingwekkende creativiteit om de hele weg op stijl alleen te gaan - zonder de mythos-verhaallijn op de achtergrond die zo vaak spookhuisverhalen vertoont met een absolute toewijding aan duizelingwekkende kunstgrepen. De resulterende ervaring is een glorieuze hoogoven vol plezier.

32. Ikiru (1951)

Akira Kurosawa's veelgeprezen portret van ouderdom, Ikiru loopt als een onwrikbare parallel met Ozu's eigen werk over mensen in hun winterjaren en verliest zijn minimalistische richting voor Kurosawa's veel directere, intensere werk. Het resultaat is indrukwekkend: verschillende scènes likken met kinetische feedback uitsluitend door de kracht van hun beelden en de stilte of deining van geluid die ze vergezellen. Ik denk dat de stem van Kurosawa weinig nieuws bijdraagt ​​aan de uitzonderlijk sterke canon van cinema over veroudering en over het algemeen niet de onthullende hoogten bereikt van Wilde Aardbeien of Het leven en de dood van kolonel Blimp ondanks hun relatief gebrek aan filmische directheid, doet dat niets af aan de verbluffende resonantie van AK's werk hier.

31. Blind Beast (1969)

Een onvergelijkbare verkenning van sensualiteit en fysieke essentie, Blind beest volgt de relatie tussen een blinde man en een vrouw die hij gevangen neemt, gevangen in een moeizaam ontworpen labyrint dat is bekleed met sculpturen van de menselijke vorm - met muren bedekt met ogen en lippen, terwijl de vloer is bedekt met een onbevaarbare wirwar van ledematen. De surrealiteit en het intrigerende uitgangspunt zijn geen vensters in een echt dicht thematisch terrein, hoewel regisseur Yasuzo Masumura erin slaagt om de relatie tussen lust en verlangen veel beter naar buiten te brengen dan de consistente scherpe rand van mislukking Nagisa Oshima glijdt zo vaak uit en snijdt zichzelf op. Voor meer contemplatieve stukken over seksualiteit is Yoshishige Yoshida een essentiële kunstenaar - maar het zou misdadig zijn om Masumura's volledig unieke visie hier te ontkennen - ongeacht de inhoud ervan. In plaats daarvan vult hij zijn film met prachtige decors en pijnlijke gevoelens die naar de personages grijpen. Op een stilistisch front, Blind beest absoluut stijgt.

30. The Human Condition pt 3: A Soldier’s Prayer (1961)

Masakai Kobayashi's vernietigend krachtige conclusie van zijn tien uur durende trilogie, The Human Condition deel 3: A Soldier's Prayer dient als een hoogtepunt van alles wat Kobayashi gedurende de hele ontwikkeling heeft ontwikkeld, gelijke delen indrukwekkend en overspannen, net als bij de andere stukken. Het is jammer dat de serie nooit de slappe lengte van het boek heeft overwonnen, noch het gedwongen humanisme dat af en toe de anders zo sterke vorm van de regisseur kan belemmeren: zonder deze hoogdravende momenten zouden we echter nooit een overweldigende verzameling prachtig gerealiseerde scènes die op zichzelf een meesterwerk hadden kunnen maken. Een soldatengebed is niet delicater dan zijn voorgangers - maar dat gevoel van een einde hangt als een vermoeide dageraad boven Kobayashi's werk - gretig om de nieuwe dag in te slaan met een hernieuwde voorraad in de Japanse filmindustrie. Zowel een torenhoge triomf van epische cinema als, nog belangrijker, die laatste stap door de poort van roem die Kobayashi het volgende decennium overvloedige artistieke vrijheid gaf. Het resultaat is, zoals we zullen zien, een paar uur oefenen meer dan waard & hellip;

29. Double Suicide (1969)

Een alarmerend griezelige verkenning van het creatieve proces, Dubbele zelfmoord ziet een houten poppenspel opgevoerd met de bedoeling dat de twee hoofdlijnen zelf tot leven komen - met schimmige figuren die door de podia sluipen om hun mock-verhaal voort te zetten. Een koortsachtig eng verhaal wanneer de façade naar beneden valt en de nachtmerrieachtige poppenspelers hun volgende zetten bepalen - vaak veranderen ze de sets in combinatie met de verschuivende camera van Masahiro Shinoda om een ​​vreselijk verwrongen gevoel van ruimte te vormen. Buiten zijn veelzijdige artistieke apparaat, de plot van Dubbele zelfmoord is relatief conventioneel en vindt geen diepgaande grond - maar dat is misschien wat het succes ervan verzekert: Shinoda onderzoekt zorgvuldig zijn eigen creatieve blok terwijl nieuwsgierige demonische handen aan de randen van zijn visioen trekken om het preciezer te maken - en het kan ook ontsporen. bedoelingen volledig. Of het nu gaat om een ​​weergave van zijn innerlijke strijd of om een ​​personeelsbestand, de directeur slaagt er niet in om de tweevoudige verwaandheid van Dubbele zelfmoord overstijgt zijn middelmatige fabel voor een filmische ervaring die de top 50 verdient en meer dan voorbeeldig is voor de kolossale talenten van Masahiro Shinoda als filmmaker.

28. Ring (1998)

Terwijl de enigszins vergelijkbare Ju-On stikt onder de spanning van zijn eigen lege verveling, Ringu ’s leegte is zijn dodelijkste wapen. De zee van stilte van regisseur Hideo Nakata doordringt en dringt door in elke voorbijgaande scène, waarbij elk geluid wordt benadrukt met de verhoogde intensiteit van een door angst aangewakkerd persoon die pulseert van de adrenaline - hoe alledaags de scène ook is. En dus snijden relevante geluidstellers, zoals het overgaan van de telefoon, door de stilte met compromisloze wreedheid. Er is geen ontkomen aan De ring in elke hoek van je geest. Waar je ook rent, zodra je op play drukt, verleng je alleen maar het onvermijdelijke. Wat is er tenslotte angstaanjagender dan de dood, bevestigd door onze eigen onontkoombare nieuwsgierigheid?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo ’s Kuroneko voelt als een zinderende luchtspiegeling van horrorfilmcomposieten die samen zijn uitgestrooid voor een perfect demonische visie van een absolute nachtmerrie. Het complexe morele dilemma dat onder de oppervlakte suddert, is een frisse kijk op die niet te stoppen geesten waarop de Japanse horrormedia sinds het begin heeft gerekend - een intrinsiek verhaal smeden dat de ruwheid van Shinoda's eerdere overwint Onibaba om iets speciaals te vormen. Het is een verleidelijk gefilmd, esthetisch boeiend werk dat de kloof overbrugt tussen realiteit en sinistere fantasie met een duidelijk medelevende blik - ondanks de brekende woede van de onderwerpen. Niet alleen een definitieve J-Horror-film, maar ook een klassieker uit het werelddrama eind jaren zestig.

26. Spirited Away (2001)

Er is weinig in de weg van animatie dat volledig kan concurreren Spirited Away , althans in creatieve zin. De film is overladen met een verbluffende zee van unieke ontwerpen en memorabel vervaardigde personages die allemaal even expressief bewegen en spreken als de hoofdrolspelers. Het gedetailleerde universum dat Hayo Miyazaki heeft weten te maken, weegt naar mijn mening veel zwaarder dan de karakteristieke, vreemde verhalen en het tempo van zijn werk - niet anders dan Akira in dat het met willekeurige tussenpozen vooruit en achteruit springt om de waarde van een andere handeling te halen; hoewel het lusteloze gevaar Spirited Away zich in bevindt, stelt ons op zijn minst in staat om nog wat langer in zijn levendige creaties te genieten.

25. Death by Hanging (1968)

Ik heb in deze hele lijst kleine opmerkingen gemaakt over de veelgeprezen regisseur Nagisa Oshima en begrijp de infantiliteit van zo'n standpunt: maar ik doe dit alleen omdat deze echt getalenteerde filmmaker zo vaak wordt verdronken in obsessief overgeseksualiseerde filmische uitvoer. Imamura's vergelijkbaar confronterende reeks vroege werken is effectief in het onderliggende commentaar op menselijke emotie, maar met Oshima wordt er zo weinig aan de verbeelding overgelaten dat ik begin te geloven dat er niets achter frustrerend onbekwaam werk zit. Dat wil zeggen, met uitzondering van de briljant bizarre Death by Hanging uit 1968. Het verhaal van een executee die weigert te sterven, Oshima gebruikt zijn lompe maar niettemin opmerkzame lens om een ​​hoop sociale kwesties, overheidsfalen en menselijke uitdrukkingen te belichten - allemaal verpakt in een constant hilarische komedie met een zelfverzekerd zelfbewustzijn dat een filmmaker zo vaak doet vies zoals Oshima eerder zo ver verwijderd leek. Niet eerder of daarna is hij erin geslaagd om dit geïnspireerde schot op de doodstraf te evenaren, wat jammer is, maar we hebben hem tenminste één keer zien zweven.

24. A Fugitive from the Past (1965)

Tomu Uchida ’s Een voortvluchtige uit het verleden is, in één woord: uitzonderlijk. De overgebleven films van de bekwame regisseur zijn eenvoudigweg onvergelijkbaar met het hier getoonde werk, sprekend met een soort toevallige bliksem in een fles, aangezien Uchida begiftigd was met precies het juiste verhaal om zijn belofte als kunstenaar waar te maken. Een voortvluchtige uit het verleden kijkt naar geweld en zelfveroorzaakt verdriet op een manier die maar weinig films kunnen - meten zowel tegen het zand van de tijd als het naar beneden sijpelt en meer personages komen dicht bij het leveren van goddelijke vergelding op onze hoofdrolspeler - een uniek uitdagend personage om zowel voor als tegen een hij probeert te ontsnappen aan het bloedige pad van geweld dat hij in zijn jonge jaren door Japan heeft uitgehouwen. ik vind dat Een voortvluchtige uit het verleden is zo buitengewoon krachtig en zelfs mogelijk diepgaand in zijn resolutie dat ik niet meer zou moeten zeggen dan het natuurlijk zo snel mogelijk te zien.

23. Valkuil (1962)

Hiroshi Teshigahara's verrassende speelfilmdebuut, Valkuil combineert genres met het vertrouwen en de precisie van een oude meester, laat staan ​​een regisseur die eerder alleen documentaires had gemaakt. Terwijl hij enigszins worstelt om zijn verhaal de volle 97 minuten boeiend te houden, wat Valkuil aanbiedingen wegen zwaarder dan eventuele problemen met de verhalende uitvoering. Spelen met onze perceptie van de werkelijkheid door moordenaars, fantomen en surrealistische beelden te mengen Valkuil is vaak angstaanjagend omdat de vele personages wanhopig proberen hun niet te stoppen aanvaller af te weren: een normale man gekleed in een wit pak zwaaiend met een stiletto. De menselijkheid van Teshigahara's griezelige moordenaar fungeert als de eerste van vele sociale commentaren die zijn werken alleen in beeld geven - nooit tijd of geloofwaardigheid opofferen om een ​​punt naar huis te duwen. Afwezig van zijn linkse neigingen, Valkuil behoudt zijn kracht als een aangrijpende filmische ervaring: met verschillende schokkende scènes die spreken over de duidelijkheid en het vakmanschap van Teshigahara's methode, terwijl hij zelfs de meest bijzondere momenten injecteert met een breed scala aan emoties die zo vrij om elkaar heen dansen - van humor tot horror in een hartslag. Er zijn maar weinig debuten die zich zo nauwgezet bewust waren van het carrièrepad van hun meester.

22. Tokyo Twilight (1957)

Yasujirō Ozu's laatste zwart-witfilm, Tokyo Twilight's luidt als zowel een contextuele elegie op de monochrome uitstapjes van de man, als misschien wel zijn meest duistere eigenschap. Ozu's opmerkelijke verschuiving van zijn eigen 360-gradenregel om in plaats daarvan achter personages te zitten, hun norse gezichten vervangen door een overweldigend blanco, koude haardos, is een meesterlijke afwijking van zijn kenmerkende blokkering en compositie voor een veel sombere affaire - een weerspiegeling van zijn de onverzettelijke benarde situatie van de belangrijkste spelers. Tokyo Twilight neemt aanwijzingen uit Hollywood noir met zijn slepende schaduwen en modderige, onvolmaakte podia om een ​​universeel meedogenloze, uiteindelijk doelloze filmische wereld te creëren die in zijn grimmige emotionele parallellen invloed heeft op onze eigen samenleving, in plaats van een onevenredige dystopie die na verloop van tijd zeker zijn glans zou verliezen. Een uitzonderlijk juweeltje dat erg ondergezeefd is.

21. Eureka (2000)

De langste film op deze lijst, S's Eureka strekt zich uit voor s- en ik denk dat het onvergeeflijk zou zijn om een ​​van de verhaallijnen ervan te onthullen. Zelfs voor het rijkste jaar in de recente filmische herinnering, Eureka behoort nog steeds tot de allerbeste films van 2000- en zelfs van het decennium als geheel: een plechtige, visueel opvallende en unieke & hellip; Japans portret van verdriet. Alleen in zo'n land zou zo'n nuchterheid en aangrijpende melancholie gepaard kunnen gaan met een tactiele stroom van humor, lichtzinnigheid en ongewild welkom absurdisme - allemaal geweven in een deinend tapijt van menselijke emotie dat je gewoon moet zien. Lees geen synopsissen - Kijk er niet in - Kijk gewoon Eureka .

20. Vengeance is Mine (1979)

Regisseur Shohei Imamura is een ongeëvenaarde figuur van onfatsoenlijke cinema. Zijn duistere, beschadigde karakters en confronterend geladen situaties verbeelden een schaamteloze fascinatie voor de vergankelijkheid van de menselijke ziel. Vengeance is Mine zet Ryūzūo Saki's relaas van de echte seriemoordenaar Akira Nishiguchi met schrijnende verfijning om: een diep gewelddadige, sociopaat en toch onmiskenbaar echt mens presenteren met al onze eigenaardigheden die zijn nest van amorele vernietiging opleveren. Imamura's tempo botst met de stroom, zoals beschreven, maar ik vind dat in dit geval het verhaal een langere looptijd rechtvaardigt en uiteindelijk een unieke metafysische oplossing levert voor zo'n brutaal stuk werk - een beroep op de wind en de aarde zelf om hun laatste oordeel vellen.

19. Yojimbo (1961)

Op het gebied van actie-cinema lijken kleine kiekjes op onze hielen heel leuk Yojimbo . Kurosawa's innemende gebruik van leidmotief steekt een veer in de pas van zijn personages en werkt zowel bij tentpoling-spanning als bij elke Morricone-score. De scherpe actiescènes worden enigszins afgestompt door het slappe geluidsontwerp en de waardering van openbare squeam - zoiets als The Sword of Doom en Moord hebben er geen moeite mee, maar wat het in ruil geeft, is een constant komische kijk op de basis van Red Harvest- Mifune die een klassieke uitvoering oplevert die ademt van fysieke persoonlijkheid en humor, en werkt als de hoeksteen van wat misschien wel de beste straight-up is actiefilm ooit gemaakt.

18. Auditie (1999)

Auditie is een film met een koortsachtig nauwkeurige beheersing van zijn eigen toon. De anderszins hit-and-miss Takashi Miike heeft naam gemaakt dankzij een vruchtbare, soms vruchtbare carrière die baanbrekende klassiekers als Bezoeker Q en Oog - maar weinig over zijn regiestijl geeft uiterlijk het vertrouwen en de acute vaardigheid weer die nodig zijn om zoiets gedurfd verdraaid als Auditie . Veel volwassener dan al zijn omringende werken, verkent Miike's opus een eenvoudig uitgangspunt met brute efficiëntie: elk teder moment besmetten met een weelderig grimmig palet en een griezelig tempo dat elke scène op het scherpst van de snede zet van iets dat gruwelijk mis gaat. Auditie vertegenwoordigt een betoverende piek van dat eindeloos bewonderenswaardige Japanse comfort met genrefilms: het ontrafelen van het kristalheldere raadsel tot een transcendentaal schokkend effect. Zien is geloven.

17. Ran (1985)

Kurosawa's meest beroemde Shakespeare-aanpassing - als er een is die in mijn gedachten te veel terrein geeft aan zijn inspiratie. King Lear is een onberispelijk stuk schrijven, maar op het scherm blijft het achter bij een trage sleur die niet de verbluffende sensatie van de eerste 85 minuten kan heroveren. Van het begin tot de ondoorgrondelijk diepgaande opeenvolging van belegeringen Ran is een meesterwerk: een stukje filmische kunst ongeëvenaard binnen Kurosawa's meer dan indrukwekkende oeuvre - en ongetwijfeld een schoen voor de Top 10. Maar na deze meesterlijk behandelde opbouw en uitbetaling zet Kurosawa het verhaal van King Lear voort op een manier die sijpelt langs vervelend lusteloos en plat ondanks de inspanningen van perfect gespeelde schurk Lady Kaede. Dat is echt jammer Ran verkwist in ieder geval zoveel potentieel aan trouw, maar in ieder geval brandt de gloeiende vlam van de eerste helft helder genoeg om zijn plaats in de top 20 veilig te stellen.

16. Princess Mononoke (1997)

De duistere fantasie-allure van Hayo Miyazaki is nooit bijzonder complex geweest. Elke film met een bericht slaagt er meestal niet in om het op een verfijnde manier te communiceren en zoals Orson Welles het zo treffend formuleerde: 'Het zou op de kop van een speld kunnen worden geschreven'. De botte en flagrante boodschap van Prinses Mononoke klinkt echter een beetje meer in het hart dan in de geest. Miyazaki's zorgvuldig geconstrueerde kloof tussen mannen en monsters vormt een fascinerende vergelijking met hoe de Ouden onze wereld zagen - en hoe de onvermijdelijke ineenstorting van hun beschavingen ooit de onze zou kunnen weerspiegelen. De mystiek en mystiek van zijn karakters is de kern die het toelaat Mononoke om de traditioneel saaie valkuilen van de berichtfilms te overstijgen - om de alomtegenwoordige doorgaande lijn zonder een woord te laten glippen, elke actie schenkt het gravitas en daarmee de filmische impact van wat er op het scherm is te versterken. De mutualistische relatie die hier te zien is, spreekt van Hayo Miyazaki's diepgaande talent als filmmaker - en dat zijn werk meer is dan oogverblindende creativiteit.

15. Een herfstmiddag (1962)

Ik denk, voor mij om op te reageren Een herfstmiddag , zou zijn adem te verspillen. Ik heb al de film bestudeerd die Ozu meer dan tien jaar maakte voordat hij hier effectief opnieuw maakte om zijn laatste film te worden. Een herfstmiddag is net zo elegisch, subtiel en melancholisch - erin slaagt verschillende concepten uit de eerste film te ontwikkelen en uit te breiden. Het dwaalt af van sommige elementen van het origineel om zich op andere ideeën te concentreren, waardoor een grote kunstenaar een zeldzame kans krijgt om vergelijkbare diepten in dezelfde mal te stoppen. Ozu zou zijn hele carrière bezig zijn met het maken van zeer vergelijkbare films, maar slaagde erin elke keer nieuwe gebieden van menselijke interactie te ontginnen door enkele van de beste films ooit gemaakt te produceren. Met zo'n eerbiedwaardige erfenis in zijn kielzog, had de man zijn run op elke gewenste manier kunnen beëindigen. Een herfstmiddag sluit perfect aan bij zijn glinsterende oeuvre.

14. Throne of Blood (1957)

Een meesterlijke aanpassing als er ooit een was , Throne of Blood neemt Shakespeare's ongeëvenaarde Macbeth en smeedt een artistieke tekst die op zichzelf staat. De gecontroleerde, verwoestend menselijke afdaling van Toshiro Mifune in moorddadige waanzin blijft een van de beste rollen van de man - en Kurosawa zelf bookmarks zijn film met uitzonderlijke beelden die bijna niet passen bij een regisseur die losstaat van gecentraliseerde iconoclastische praktijken. Toch is het de beeldspraak van Troon van bloed dat maakt het zo enorm. Zo boeiend en bovennatuurlijk. De climaxaanval ziet een van de beste personageconclusies die ooit op film zijn gezet en cementeert het als een kunstwerk dat op de een of andere manier de imposante schaduw van het oorspronkelijke spel volledig omzeilt.

13. Tokyo Story (1953)

Over oriëntatiepunten uit de jaren vijftig gesproken, er zijn maar weinig films die je aspiraties als filmmaker zo onverbiddelijk weerspiegelen als Tokyo verhaal . Een glinsterende piek van Yasujirō Ozu's onberispelijke filmografie, altijd op zijn best, het is een film die ontwapenend eenvoudige filmische taal gebruikt om doordringende, intieme effecten te bereiken. De toehoorders zitten bij de personages - stille voyeurs van een gezin dat langzaamaan de langzamerhand vernederende oudere generatie uit hun leven sluit. Ozu laat al zijn personages een stem toe, componeert elegante en indrukwekkende onthullingsmomenten en beweegt zijn camera slechts eenmaal gedurende 136 minuten. Er is geen objectieve 'beste' of zelfs 'geweldige' film, maar voor degenen onder u die kiezen wat ze willen bekijken op basis van dergelijke sites, moet ik dat toevoegen Tokyo verhaal is HET hoogst gewaardeerde werk op Rotten Tomatoes, met een ongelooflijke 9,7 gemiddelde score. Het volstaat om te zeggen dat de geduldige, reflexieve kijk op het leven en de leeftijd velen onmetelijk heeft geraakt - en iedereen die deze lijst leest, rechtvaardigt het om het voor zichzelf te proberen.

12. Branden op de vlakte (1959)

Van Kon Ichikawa, misschien wel de meest meeslepende humanistische figuur van de naoorlogse Japanse cinema, Branden op de vlakte vertelt het verhaal van een man die verloren is gegaan tijdens een verloren strijd in de hitte van de Tweede Wereldoorlog. Het is een film die dapper is in zijn eenzaamheid en die oorlogssituaties weergeeft in een leeg landschap zonder leven en vol met de leegte van angst, waarbij elke hoek een andere Odyssean-figuur draagt ​​die onze verweerde held zal begeleiden of vernietigen. En, net als bij het epische gedicht van Homerus, creëert Ichikawa's greep op het grotere geheel een dichte emotionele wereld, waarin onze held een puzzelstuk is dat wordt bewogen en gemotiveerd door generaals ver van de frontlinie. Het is een film die stinkt in zijn eigen isolement, het huis mist en tot amorele daden wordt gedreven door de terreur om te overleven. Meesterlijk werk van een schilderachtige maar niettemin vitale figuur van de industrie in de jaren vijftig.

11. Samurai Rebellion (1967)

Een belangrijke kracht van het drama van Masakai Kobayashi is dat hij het laat sudderen, bijna tot een fout. Zijn nauwgezette composities en onberispelijk getimede acties cirkelen steeds strakker rond het centrale conflict - elke centimeter van de ademruimte wordt drooggedrukt totdat er alleen nog maar de noodzaak overblijft om te handelen - een onderliggende aanwinst voor de altijd aanwezige idealen van moraliteit van zijn personages. In Samurai-opstand , de handeling zelf is zelfs bij het lezen van de titel nabij, maar de man speelt erop voor elk tweederangs publiek met kleine steekjes in de richting van het eerste zwaard dat wordt getrokken voordat hij uiteindelijk oplost in een bittere, brutale en uiteindelijk bloedige affaire die doorgaat met de meedogenloze nauwgezetheid Kobayashi presteert zo goed: een onvergelijkbaar vermogen om zowel de terminale onvermijdelijkheid van de situatie van zijn personages te construeren als zich bij elke stap in hen in te leven. Het is in Samurai Rebellion dat dit selectieve humanisme zijn meest suggestieve hoogten bereikt - en trouwt met het hoogtepunt van de carrière van een van de grootste kunstenaars van Japan.

10. Eros + Massacre (1969)

Van alle New Wave-regisseurs die synoniem staan ​​voor psychoseksualiteit, heeft er nooit één geëvenaard in het opwindend verzekerde labyrint van Yoshishige Yoshida's duivelse creativiteit. Daarentegen zwaaien Oshima en Imamura slechts met dezelfde onderwerpen, de een overtuigender dan de ander, waarbij alleen Kiju erin slaagt de kern van hun existentiële contemplatie te doorbreken met zo'n verbazingwekkend filmische bravoure. Nergens is deze betoverende beheersing van het psychoseksuele verhaal en de esthetiek die het oproept overvloediger dan in Eros + bloedbad , Yoshida's epische 215 minuten durende Avant-Garde-gelijkenis, een onbegrijpelijke euforie van beeld, geluid en tastbare aanraking ...

9. My Neighbor Totoro (1988)

My Neighbor Totoro, sprankelend van de magie van de kindertijd, is een grenzeloos vrolijke film. Ik ontdekte het pas eindelijk toen ik 18 was, maar het is ongelooflijke schoonheid en het vermogen tot verwondering nodigde me weer uit voor een jongere geest - of misschien gewoon een minder cynische geest. De vaak zware last van de menselijke ervaring zorgt ervoor dat we ofwel escapisme eisen ofwel verlangen naar continu realisme, maar wat Totoro doet dat het boven misschien een andere animatiefilm ooit gemaakt verheft, negeert de verlangens van zijn publiek volledig en presenteert een verhaal dat je in plaats daarvan laat komen naar it-verleidelijk met zijn weelderige visuele ontwerp, springerige karakters en ontdekking van de verborgen schatten van de natuur naast zijn leads. In plaats van een beroep te doen op het kind dat we ooit waren, laat Totoro zichzelf toe om een ​​groter gevoel van avontuur en hoop aan te boren in het diepere mysterie van onze planeet. De beloning voor zo'n geloof is een glinsterende diamant van Japanimation: lichtgevend, universeel bewegend en absoluut typisch.

8. The Face of Another (1966)

Een griezelig baanbrekende diagnose van het moderne leven door het stil getrainde vizier van duistere fantasie, The Face of Another onderzoekt de ervaring van een misvormde man nadat zijn wonderbaarlijke nieuwe gezicht zijn oude persoonlijkheid begint te overweldigen. Teshigahara's werk is altijd genuanceerd genoeg om op een armlengte afstand te verschijnen, terwijl hij er stilletjes onder klauwt met zijn skeletvingers en zijn meesterwerk uit 1966 komt het dichtst bij de onthulling van de ware aard ervan: de onheilspellende composities en grimmige horrorbeelden van de regisseur brengen de metropool binnen en staren afgrond met dezelfde afstandelijke visie die Travis Bickle tien jaar later zo levendig tot leven bracht in Taxi Driver. Een stuk werk om Persona en Eclipse Seconds in hetzelfde jaar te evenaren vanwege zijn uitdagende provocatie van verlangen, persoonlijkheid en identiteit - het gezicht van een ander is een vitale cinema: een torenhoge triomf van Teshigahara's methode en werk zo stevig gewikkeld in zijn eigen onberispelijke ideeën en sfeer zou het misdadig zijn om nog meer van zijn geheimen prijs te geven. Kijk zelf maar…

7. Rashomon (1950)

Een van mijn persoonlijke toegangspoorten tot de wereldcinema, die van Akira Kurosawa Rashomon is zo integraal geworden in de filmcultuur dat het in de taal is geïnitieerd om het psychologische effect van de personages te beschrijven: elk van hen levert een tegenstrijdig getuigenis van een griezelige verkrachtings- / moordzaak. De vitaliteit van Kurosawa is volledig zichtbaar, baanbrekende cameratechnieken zoals rechtstreeks op de zon fotograferen en deze door een puinhoop van gebladerte verbergen, zodat elke scène in het bos net zo abstract was als zijn tegenhanger in de rechtszaal. De ontwapenende eenvoud van Rashomon's De onweerstaanbare plothaak biedt ruimte voor commentaar op de menselijke waarheid, moraliteit en een rijke filmische ervaring met Kurosawa's beroemde vertoningen van woedend zwaardvechten. Er is weinig toe te voegen aan de dialoog rond Rashomon, behalve dat het zijn tijd decennia vooruit blijft voelen. Je kunt je de sensatie alleen maar voorstellen om op deze manier terug te gaan in 1950.

6. Harakiri (1962)

Harakiri is ongeveer net zo sterk als films krijgen. Regisseur Masakai Kobayashi begint met ongeveer net zo ontroerende opnamen als men zich kan voorstellen en bedenkt een fenomeen dat nog steeds een van de meest algemeen geprezen films aller tijden is: een ranglijst van de meest perfect gescoorde films op een overgrote meerderheid van gebruikerssites, ondanks wat ik eerst had aangenomen was aan het afnemen. Het is een nauwgezet geduldige, slinkse geïnspireerde verkenning van de Japanse erecode - een nog steeds krimpende wond in het naoorlogse 1962 die Kobayashi niet alleen als landgenoot benadert, maar ook als mens. Elke druppel bloed liep erin Harakiri spreekt tot de pijnlijke haat van de kunstenaar tegen dood en geweld: bijna alsof het hem pijn doet om dergelijke brutaliteit op het scherm te zetten. In de wereld van vandaag is zo'n onwankelbare menselijke leiding goddelijk om te aanschouwen - en werkt het als een hoeksteen van het einde van de film. Zonder de toewijding van alle betrokkenen, Harakiri zou zijn vergeten als een ander gimmick-drama, strak vormgegeven maar verder bescheiden. Harakiri zit hier vandaag omdat Masakai Kobayashi er meer om geeft dan je je kunt voorstellen en ik denk dat het, in zijn eigen scherpe, zalige elegantie, te midden van de grootste films van de jaren zestig plaatst.

5. Seven Samurai (1954)

Seven Samurai, de meest geprezen film die ooit uit Japan kwam, brandde een onuitwisbare stempel op het medium en heeft nog steeds wortels in de actiecinema van vandaag. De met regen doordrenkte multi-camera climax van Kurosawa overschaduwt niet helemaal de profetische diepgang van Rans kasteelbelegering, maar het blijft de manier waarop we actiescènes samenvoegen informeren, zelfs als hedendaagse redacteuren de invloed ervan misschien niet opmerken. Ver boven zijn blijvende culturele kracht ligt de overtuigende karakterisering van Seven Samurai: het creëren van een hele wereld van rijke figuren, enorm geholpen door de nauwgezette uitbreiding van Kurosawa tot zelfs het kleinste deel om zijn visie op Feodaal Japan zo boeiend mogelijk te maken. Deze intrinsiek vervaardigde smeltkroes van meesterlijke actie en lichtgevende verhalen resulteert in een baanbrekend stukje cinema dat ons beïnvloedt, elektrificeert en ons uiteindelijk achterlaat met een zo moedig en krachtig einde als ik ooit heb gezien. Een welverdiend nietje in het pantheon van de internationale cinema.

4. Pale Flower (1964)

Als er niet slechts twee woorden waren verspreid over een lijst van de grote Japanse films, zou de naam Masahiro Shinoda niet binnen drie meter van deze lijst zijn geslopen. Gezien zijn bijdragen aan de grote Japanse cinema is dat een schande - en te bedenken dat zo'n meesterwerk bijna ontsnapt is door onderzoek, wil iets zeggen over hoeveel films er smeken om herontdekt te worden. Geprezen bij release en stilletjes uitgebracht door de Criterion Collection, Bleke bloem is een van de grootste misdaadfilms aller tijden. Gewoon kijken hoe een gokker en zijn hernieuwde liefde in een door wanhoop gevoede spiraal van degradatie en kalmte terechtkomen - het blijft een van de meest brutale, duistere, visionaire stukken om aan de lippen van de Japanse New Wave te ontsnappen: een die killer-scherp is van kader er een tot het einde en dat levert een even transcendentaal filmisch effect op als elk minder extreem werk van Ozu of Kurosawa. Shinoda zal nooit worden opgehouden als een van de groten, althans door het grote publiek, maar ik hoop op zijn minst dat mensen worden gedreven om zijn cinema te ontdekken vanuit deze smeltkroes van criminele perfectie: een werk zo rauw en ontketend als de overprikkelde ravotten van buitensporige tegencultuur en tegelijkertijd zo diepgaand delicaat en beheerst als elke film die ik ooit heb gezien. Het is nauwgezet, wonderbaarlijk en onbewust onderschat. Repareer dat.

3. Vrouw in de duinen (1964)

Als Kiju Yoshida en zijn Eros + bloedbad is de kampioen van high-art psychoseksualiteit - dan Hiroshi Teshigahara's Vrouw in de duinen is mythisch in vergelijking. De bijna kwaadaardige methode van Teshigahara, die is getransponeerd van de beroemde bronroman van Kōbō Abe, is hier zowel hatelijk als martelend medelevend. Gedimde lichten van de onderdrukte mensheid schijnen door het stuifzand dat onze twee benarde protagonisten omgeeft - mensen die tot de meest oerstaat van zijn gedwongen zijn omwille van een verbitterd voortbestaan. Inderdaad in Vrouw in de duinen , veerkracht is inzending. Niets is heilig. Nergens is veilig voor de wrede ogen van de bijna alomtegenwoordige dorpelingen die onze helden veroordelen tot hun helse put. Het is een perfect concept, onberispelijk cinematografisch uitgevoerd door Hiroshi Teshigahara en het produceert wat ik zou beweren de meest effectieve partituur van de legendarische componist Toru Takemitsu is. Drie ongelooflijk zelfverzekerde artiesten samenbrengen in dezelfde geest als De Niro, Scorsese en Schrader in Taxi chauffeur - Vrouw in de duinen is zijn eigen, gelijke delen menselijk en onvermijdelijk angstaanjagend beest. Een gruwelijk, essentieel kunstwerk.

2. Late lente (1949)

Late lente is een openbaring van de moderne eentonigheid: een uitdrijving van demonen, deze plaats en tijd vereist niet alleen achter slot en grendel, maar verborgen alsof ze niet bestaan. Hoewel het pijnlijke verlangen om deze verschrikkingen te uiten nooit volledig ongeketend is, kunnen we in de hoek van elk oog, tussen de woorden van elke regel en vaak stil in het midden van elke kamer zoemen. En dus voor een wereld die zo oppervlakkig verzadigd is met brede glimlachen en tedere melodieën - Ozu's Late lente herbergt ook een sfeer van totale wanhoop: een angst dat we niet zullen worden geaccepteerd - dat elke uitdrukking zou kunnen leiden tot een nederlaag en daarom kunnen we de koers het beste onherroepelijk noemen in plaats van een gokje te wagen en in het midden van de sporen te staan. Zijn terugkerende toetssteen van botsende generaties vormt de kern van Late lente zorgvuldig behandeld drama, maar ik denk hier, meer dan al zijn andere werken (of misschien elke film die de omringende decennia produceerden): Ozu slaagde erin een perfect einde te vinden. Om een ​​duidelijke opsomming te krijgen van je thema's en de gevoelens van je personages is geen sinecure, zeker niet om een ​​moment te vinden dat zo buitengewoon verpletterend is als hier geboren is, en daarom raad ik iedereen aan die in de swing van dramatisch schrijven, regie, productie of gewoon cinefiele rentestokken Late lente helemaal bovenaan hun volglijst. Vertrouw me: het zal je vloeren.

1. Hoog en laag (1963)

High & Low is een inherent onmogelijke filmische onderneming. Het strekt zich uit na een ongrijpbaar element met zo'n tegenstrijdige kern dat er niets te vinden lijkt te zijn. Op het eerste gezicht mist het de genuanceerde maar niettemin overweldigende kracht van Seven Samurai, evenals het langzaam brandende inferno dat aan het einde van de late lente in een akelige stilte woedt. In werkelijkheid combineert High & Low beide: zo voorzichtig te midden van gewone mensen lopen uit angst voor meer ziekte, verdorvenheid en verslaving - tot meer hebzucht en jaloezie en genadeloze amoraliteit rond die eindeloos sijpelen achter elke straathoek. Het is een film die doodsbang is voor wat hij ziet in de menselijke conditie, iets dat Kurosawa zo duidelijk pijn doet om op het scherm te zetten - en het is zijn fluctuerende stroom van creatieve zelfonderdrukking die het eerbiedwaardige belang ervan verzekert. High & Low heeft het lef om het hoofd te bieden aan de volkomen hopeloze, banale wreedheid die in ons hele hart op de loer ligt - hoe lelijk en overweldigend de hele wereld is in zijn verzadiging van zielloze zelfbediening. Misschien worden we, omdat we ons eindelijk omkeren en erkennen, betere mensen in het proces. Kunnen begrijpen dat het prima is om bang te zijn, zolang je de aanwezigheid van het onverklaarbare accepteert. Het onbetaalbare. Dat uiteindelijk de enige troost die u ooit zult vinden, vergeving is. Als je je best doet om een ​​film op deze lijst te bekijken: maak er deze van.